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sábado, 14 de febrero de 2026

#hemeroteca #trans #cine | Ian de la Rosa, único español en la Berlinale: “Necesito ver películas donde ser trans no sea un conflicto”

El cineasta Ian de la Rosa, el viernes al mediodía en Berlín //

Ian de la Rosa, único español en la Berlinale: “Necesito ver películas donde ser trans no sea un conflicto”

El cineasta presenta ‘Iván & Hadoum’, la relación sentimental en el campo almeriense entre un chaval trans y una chica hispanomarroquí: “Es una historia de amor clásica con personajes y cuerpos que no lo son” 
Gregorio Belinchón | El País, 2026-02-14
https://elpais.com/cultura/cine/2026-02-14/ian-de-la-rosa-he-rodado-una-historia-de-amor-clasica-con-personajes-y-cuerpos-que-no-lo-son.html

Cuando Ian de la Rosa (Granada, 38 años) era pequeño, no estaba llamado a ser director de cine. “Pero sí recuerdo que con mi padre veía la trilogía de El padrino, y eso nos unía”, recuerda en Berlín a primera hora de la mañana del viernes, de punta en blanco porque la gala de estreno de su primer largo, 'Iván & Hadoum', se celebra a las 14:00. “Ni me quejo, soy feliz con todo lo que está pasando con la película”, que de la sección Panorama de la Berlinale pasará a la Oficial del festival de Málaga, en una travesía ya habitual del cine español, antes de alcanzar las salas comerciales el 19 de junio. De la Rosa, que creció en Níjar (Almería), iba para médico, hijo de trabajadores sociales; ahora es el representante español en la capital alemana.

'Iván & Hadoum' es una comedia romántica en el campo almeriense, con epicentro en una factoría de empaquetado de tomate. Los elementos nuevos los aportan sus protagonistas: si Iván (encarnado por Silver Chicón) es un transexual que nunca ha tenido la necesidad de salir de su pueblo, Hadoum (interpretada por Herminia Loh) es una marroquí educada en España que ha vuelto al pueblo solo lo suficiente para retomar impulso. “Cada uno tiene claro su horizonte. Uno es más familiar, ella es más aventurera en lo de buscarse su vida. Entonces van a ser consecuentes con lo que ellos han visto en la vida, a pesar de que se les cruza el amor”, explica su creador. “Porque está claro que mi filme es una historia de amor clásica con personajes y cuerpos que no lo son. Me parecía muy importante el tema del deseo y de los cuerpos, la representación trans más allá de la tragedia, como la vivimos en mi generación”.

De la Rosa estudió cine en la Escac, la escuela de cine catalana, porque tenía familia en Barcelona. Con 24 años comenzó a transicionar en su género. En 2015 participó en el festival de Cannes, en el apartado dedicado a escuelas de cine, con 'Víctor XX'. “Lo recuerdo como muy lejano. Porque transitar genera una factura en muchos sentidos. En muchos momentos de esos años sufrí una factura social y económica. Es complicado trabajar, es complicado sentirte a gusto”, sonríe de forma queda. “Ahora lo veo como algo del pasado, en realidad como algo muy lejano. También quiero señalar que la industria no es la de entonces. Ha cambiado muchísimo. Ahora tengo la sensación de que hay más espacio para todos, que se han abierto a nuevas voces y representaciones. Una película como esta no hubiera sido posible hace 10 años. Se ha hecho cuando ha llegado el momento”.

Aunque quiere señalar un referente que habitaba en su subconsciente y que hace poco redescubrió. “Volví a ver 'Belle Epoque', y redescubrí a Violeta, el personaje de Ariadna Gil”. Una película de 1992 con una historia fechada en 1931 le hablaba directamente a un cineasta en 2025: “La secuencia del baile está mostrando a las claras un cambio de sexo. Recordé que cuando era niño la película de Trueba fue el único reflejo que encontré en el cine popular de la transexualidad”.

El cine español también ha mejorado en su representación, por ejemplo, de la España rural. Sandra Romero deslumbró a finales de 2024 con 'Por donde pasa el silencio', y esa mirada del campo desde creadores nacidos allí se suma De la Rosa. “Por eso siento que la industria se está abriendo y se añaden nuevas miradas. Yo no vengo de una familia de cine ni artística ni nada. Mis padres son trabajadores sociales, mi abuelo no sabía leer ni escribir. Yo he estudiado dirección de cine con mucho esfuerzo y además he transicionado”. Y aprovecha para incluir una reivindicación: “¿Para cuándo una escuela pública de cine? He montado el filme en Bruselas y el editor, Yannick Leroy, había estudiado en una universidad pública. ¿Por qué en España es tan caro? Yo he tenido la suerte de que mi familia, para nada megaprivilegiada, me ha podido sustentar a nivel emocional más incluso que a nivel económico, y eso es muchas veces fundamental para coger impulso”.

En 2022 De la Rosa fue candidato a los premios Goya y ganó el Gaudí con su corto 'Farrucas', en el que mostraba la vida de cuatro adolescentes orgullosas de sus raíces marroquíes y españolas de El Puche, un barrio periférico de Almería. El cineasta lo rodó dos veces, porque la primera no le dejó contento. “Aprendí mucho de ese esfuerzo”. Y en ese viaje ya participó una chica, Hadoum Benghnidira Nieto, ahora actriz secundaria en 'Iván & Hadoum', que además ha prestado su nombre al título. “No escribí pensando en nadie. Puse en Google cantante hispanomarroquí andaluza y salió Restinga, el nombre artístico de Herminia. Así de claro. Me emocioné, era perfecta, aunque mis productores me pidieron prudencia. Yo llevaba razón. Silver era amigo de unas amigas, y contacté con él”.

Curiosamente Loh y Chicón proceden de la música, “eco de sus almas artísticas y de su generosidad”, necesaria para un rodaje realizado en tan solo cinco semanas. “Ah, y no les enseñamos el final en guion hasta la noche anterior. Pedí rodar el último día la conclusión del filme, para que sus cuerpos hubieran sentido el viaje de sus personajes”.

Acabando la conversación, De la Rosa confiesa un deseo que cumple 'Iván & Hadoum': “Necesito ver películas, al menos una, donde entienda que mi cuerpo puede ser deseado, que ser trans no es un conflicto. Evidentemente, cuando empieza a transitar, te estalla una bomba en tus cimientos, hay que reconstruirse completo. Hacerlo es duro, aunque también maravilloso. Yo repetiría el proceso”.

martes, 3 de febrero de 2026

#hemeroteca #queer #cine | ‘Jaripeo’, el documental que descubre la cultura ‘queer’ bajo la hipermasculinidad vaquera

Efraín Mojica y Rebecca Zweig //

‘Jaripeo’, el documental que descubre la cultura ‘queer’ bajo la hipermasculinidad vaquera

La primera película de Efraín Mojica y Rebecca Zweig, estrenada en el festival de Sundance, desmonta arquetipos en la tradicional monta de toros mexicana
Ana Vidal Egea | El País, 2026-02-03
https://elpais.com/us/entretenimiento/2026-02-03/jaripeo-el-documental-que-descubre-la-cultura-queer-bajo-la-hipermasculinidad-vaquera.html

El artista visual mexicano Efraín Mojica creció en Penjamillo (Michoacán) asistiendo al jaripeo, una tradición popular vinculada al mundo rural que consiste en resistir el mayor tiempo posible montando un toro bravo sin silla. Es similar al rodeo estadounidense, pero en el jaripeo no hay límite de tiempo y se vive como una celebración comunitaria. Hay siempre una banda de música tradicional mexicana amenizando el evento, que suele organizarse durante la Navidad, la época en la que muchos mexicanos de la diáspora regresan con sus familias de origen.

Existen pocas actividades que se consideren más masculinas en la cultura mexicana que la monta de toros. Durante la preadolescencia, Mojica, que no se sentía representado por la hipermasculinidad asociada a aquellos ‘cowboys’ y a la cultura vaquera, dejó de ir a estos eventos. Cuando volvió unos años después con amigos, ya sabiéndose ‘queer’, quedó fascinado al encontrar un mundo oculto de miradas y deseo, del que antes no se habían percatado.

“Empecé a notar que había correspondencia, una subcultura que uno no nota si no presta atención”, explica por videoconferencia desde Park City, Utah. La poeta mexicana Rebecca Zweig pasó unas Navidades en el pueblo de Mojica, al que le une una amistad de más de una década, y tuvo una experiencia similar, quedando entusiasmada con el jaripeo. “Me interesó mucho el invento de masculinidad, la masculinidad performativa. Tomé muchas notas y sabía que quería hacer algo, pero aún no sabía qué forma darle”, cuenta ella.

Tras cuatro años de colaboración, Mojica y Zweig han entrado en el mundo del cine por la puerta grande. Su primer documental, ‘Jaripeo’, acaba de tener su estreno mundial en el festival de Sundance, dentro de la categoría Next, dedicada a apuestas innovadoras, híbridas y experimentales. En febrero la cinta podrá verse por primera vez en Europa, dentro de la Berlinale y en marzo en el Glasgow Film Festival.

‘Jaripeo’ es pura poesía. No es una película narrativa, sino ambiental. El documental combina la música tradicional con la electrónica-punk y el cine verité con el Super 8, utilizado como lupa para ahondar más de cerca en las historias queer que se viven en un entorno tan tradicional como los ranchos mexicanos: los detalles más sutiles, los roces entre hombres.

“Hemos crecido con unos determinados estándares de belleza y atracción, influenciados, por ejemplo, por la publicidad de Marlboro. Y pensábamos que o se era gay o masculino, como si hubiera que elegir. Pero los protagonistas de ‘Jaripeo’ desmontan los arquetipos de lo que es ser ‘queer’ o hetero, masculino o femenino”, matiza Mojica, enfatizando que lo ideal es que cada cual consiga ser libre en su propia piel.

Para Zweig es crucial vivir las propias contradicciones y dejar que otros vivan en las suyas, sin necesitar nombrarlo e identificarlo todo. En este sentido, el documental se centra en dos personajes ‘queer’ que viven su sexualidad de una forma muy diferente. Noé, musculado y atraído por hombres igualmente masculinos; y Joseph, afeminado, que trabaja como maquillador. A lo largo de la cinta conversan con Mojica, que además de codirigir también aparece en cámara, aunque no había sido la intención inicial del proyecto. “Buscábamos una vulnerabilidad difícil de conseguir con alguien a quien conocíamos de hace pocos meses”, explica. “Al mostrarme vulnerable con ellos y compartir mi experiencia personal en cámara, conseguimos ganarnos su confianza, que era necesaria para conseguir una conversación sincera”.

‘Jaripeo’ ha funcionado también como una salida del armario para Mojica, que hasta ahora no había hablado abiertamente de su sexualidad con su familia, presente en el estreno en Sundance y ajena a que el documental ahondaba en la cultura queer dentro del universo vaquero. De ahí que la acogida fuera no solo calurosa, sino profundamente emocional, cuando la madre del director tomó el micrófono para expresar públicamente su apoyo incondicional.

Mojica y Zweig, que quieren seguir explorando la vía de los documentales pero sin prisa, esperando a tener algo significativo que contar, aspiran a proyectar ‘Jaripeo’ en las fiestas navideñas de Penjamillo para compartir la película con la comunidad. Confían en que el pueblo reciba el documental desde la inclusión y que vea la unión de la cultura mexicana, aunque en algunos contextos tradicionales es difícil determinar las reacciones de los espectadores.

Hace 21 años, el estreno de la primera película en la historia del cine que narra una historia de amor homosexual entre dos cowboys, Brokeback Mountain, causó un gran revuelo. Ganó tres premios Oscar, obtuvo el aplauso de la crítica y medios como ‘The New York Times’ o ‘The Wall Street Journal’ la señalaron como la mejor película del año, pero la crítica conservadora se le echó encima porque irrumpía de forma desestabilizante en entornos tradicionales y arquetipos. Y más recientemente, en 2019, se dispararon las protestas masivas ante el Museo del Palacio de Bellas Artes de México por la inauguración de una exposición dedicada a Emiliano Zapata que incluía el cuadro ‘La revolución’, de Fabián Chairez, en el que presentaba al revolucionario afeminado, desnudo, con tacones y un sombrero rosa. La familia del icono mexicano llegó incluso a anunciar que emprendería acciones legales.

‘Jaripeo’ (que empezó a rodarse gracias a que su productora, Sarah Strunin, creyó desde un principio en el proyecto) fue pronto respaldado por instituciones como el SFFILM Documentary Fund, el (Egg)celerator Lab de Chicken & Egg Pictures, The Points North Institute, el Sundance Institute, ITVS y ARTE France. “No me podía creer que un proyecto hecho con mis mejores amigos pudiera crecer de esta forma”, dice Mojica. “El mayor premio para nosotros es que llegue al mayor número de personas posible y poder representar a aquellos que querían que alguien contara su historia”.

lunes, 27 de octubre de 2025

#hemeroteca #inmemorian | Muere a los 70 años Björn Andrésen, "el chico más bello del siglo XX", protagonista de 'Muerte en Venecia'

Björn Andrésen //

Muere a los 70 años Björn Andrésen, "el chico más bello del siglo XX", protagonista de 'Muerte en Venecia'

El actor, a los 15 años, fue elegido por Luchino Visconti para interpretar a Tadzio en la adaptación de la novela de Thomas Mann. El papel marcó la vida del actor, que tuvo una difícil relación con la fama.
J. Yuste | El Español, 2025-10-27
https://www.elespanol.com/el-cultural/cine/20251027/muere-anos-bjorn-andresen-chico-bello-siglo-xx-protagonista-muerte-venecia/1003743987331_0.html

El actor y músico sueco Björn Andrésen, célebre por su inolvidable papel de Tadzio en ‘Muerte en Venecia’ (Luchino Visconti, 1971), ha fallecido a los 70 años.

La noticia ha sido confirmada por Kristian Petri y Kristina Lindström, directores del documental ‘El chico más bello del mundo’ (2021), que aborda la vida, la carrera profesional y su difícil relación con la fama. La muerte ocurrió el pasado sábado, pero se desconocen las causas de la misma.

Tras un laborioso ‘casting’, el maestro Luchino Visconti encontró a Björn Andrésen en Suecia para que interpretara a Tadzio en ‘Muerte en Venecia’, adaptación de la novela de Thomas Mann. Con él se obsesiona un hombre mayor, al que da vida Dirk Bogarde en el filme.

Andrésen, nacido en 1955 en Estocolmo, era un chico tímido, marcado por un pasado familiar muy doloroso: su madre se suicidó, nunca supo quién era su padre y fue empujado a un estrellato indeseado por una abuela que soñaba con tener un “nieto famoso”.

Corrían los años 70 cuando Andrésen, a sus 15 años, fue elegido por Visconti, en una época de ruptura social y artística después del mayo del 68 que propició la aparición del punk y de una cultura underground subversiva.

El “bellísimo” Tadzio/Andrésen se convirtió en un emblema contracultural al generar en el espectador una sensación perturbadora, porque se trata de un menor y porque es un chico tan hermoso que podría ser una chica.

El propio Visconti, sin embargo, insistió en que su película, donde más bien parece un ángel, no lo sexualizara para que el enamoramiento del viejo escritor al que interpreta Dirk Bogarde no tuviera un tono grotesco.

No era de la misma opinión el propio Andrésen, que describió su incomodidad con respecto a su papel en ‘Muerte en Venecia’ y su director Luchino Visconti: "Cuando la veo ahora, puedo ver cómo el hijo de puta me sexualizó", llegó a manifestar.

En el momento del estreno de la película, circularon rumores en los Estados Unidos sobre una posible homosexualidad de Andrésen, cosa que él negó enfáticamente. Tras el estreno de la película, Visconti presionó a Andrésen para que acudiera a un club gay, donde se sintió incómodo por las miradas fijas de hombres adultos; Andrésen describió más tarde la experiencia como "un infierno".

Después de ‘Muerte en Venecia’, pasó un tiempo en Japón, donde la película había sido muy popular. Allí trabajó en una serie de anuncios de televisión y grabó dos canciones. Deseoso de disipar los rumores acerca de su sexualidad y de deshacerse de su imagen de "niño bonito", Andrésen rechazó otros papeles de homosexual.

También trabajó en películas como ‘Pelikaanimies’ (2004), Kojan (1992), ‘Smugglarkungen’ (1985) y ‘Midsommar’ (2019).​ Fue, además, músico profesional y tecladista del grupo de dansband Sven Erics.

Residió en Estocolmo y tuvo una hija, Robine con su esposa, la poeta Susanna Roman.​ También tuvieron otro hijo, un varón llamado Elvin, quien murió de síndrome de muerte súbita a los 9 meses de edad.

Andrésen cayó en una larga depresión tras la muerte de su hijo. En una entrevista en el 2020, afirmó que tal vez volvería a encontrarse con su hijo "en el más allá". Tuvo dos nietos, un niño y una niña.

En el documental ‘El hombre más bello del mundo’, conocemos a Andrésen como un sesentón bohemio y desastroso que está a punto de ser desahuciado por su impuntualidad en el pago y por su suciedad, un tipo que por momentos parece que lucha por la vida, pero en otros parece totalmente derrotado y abandonado.


Y TAMBIÉN...
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'El chico más bello del mundo': el juguete roto de Visconti

El documental sobre sobre Björn Andrésen, que interpretó siendo un adolescente a Tadzio en 'Muerte en Venecia', propone una reflexión sobre la explotación sexual de la imagen de los menores
Juan Sardá | El Español, 2021-08-13
https://www.elespanol.com/el-cultural/cine/20210813/chico-bello-mundo-juguete-roto-visconti/603941076_0.html

miércoles, 27 de agosto de 2025

#hemeroteca #inmemoriam | Muere a los 79 años el actor Eusebio Poncela, rostro icónico de ‘Arrebato’ y ‘La ley del deseo’

Eduardo Poncela //

Muere a los 79 años el actor Eusebio Poncela, rostro icónico de ‘Arrebato’ y ‘La ley del deseo’

El intérprete, protagonista de ‘Matador’, ‘Werther’, ‘Martín (Hache)’ y ‘Los gozos y las sombras’, y candidato al Goya por ‘Intacto’, ha fallecido en su casa de El Escorial, víctima de un cáncer
Gregorio Belinchón | El País, 2025-08-27
https://elpais.com/cultura/2025-08-27/muere-el-actor-eusebio-poncela-a-los-79-anos.html

El actor Eusebio Poncela ha muerto este miércoles a los 79 años. Fuentes de su entorno han confirmado a El País que sufría de un cáncer desde hace un año y que ha fallecido en su casa de El Escorial. Rostro icónico de una obra maestra y de culto como 'Arrebato' (1979), de Iván Zulueta, su recuerdo estará ligado al cine de Pedro Almodóvar por ‘Matador’ (1986) y ‘La ley del deseo’ (1987). Y con todo, participó en más de un centenar de obras de teatro, series de televisión y otras películas como ‘Martín (Hache)’, ‘Operación Ogro’ o ‘Intacto’.

Poncela nació en el barrio madrileño de Vallecas en 1945. De su padre recordaba que era un buen hombre, “un socialista que luchó en la guerra en el bando perdedor”. Su infancia estuvo marcada por dos constantes: su afán por ser actor y sus habituales expulsiones de colegios (hasta de ocho lo echaron), que con los años él recordaba entre risas.

Donde sí logró entrar, y no le echaron, fue en la Real Escuela Superior de Arte Dramático, donde estudió Interpretación, y a finales de los setenta ya había logrado ser un rostro conocido, gracias a su belleza y fiereza, en el teatro español tras interpretar un ‘Romeo y Julieta’ con María José Goyanes y, sobre todo, un ‘Marat-Sade’ con la compañía de Adolfo Marsillach. Su rostro perfilado, casi anglosajón, similar al del actor británico Terence Stamp, su carácter avasallador y su cuerpo fibroso (amante del ejercicio, durante el confinamiento se escapaba por la sierra madrileña hasta que se cayó y se rompió varias costillas) le añadían capas a su talento interpretativo.

Al cine no llegó hasta la rompedora ‘La semana del asesino’ (1972), de Eloy de la Iglesia, un filme de terror protagonizado por un trabajador de un matadero cárnico (Vicente Parra) que en una discusión mata accidentalmente de una pedrada a un taxista. Poncela daba vida a un vecino de un moderno edificio de apartamentos adyacente a la chabola del protagonista, que descubre sus secretos. “Me parece increíble haber empezado por ahí, ya abriendo brecha y cantando las cuarenta”, contaba Poncela en Icon en 2022. “Eloy era la pera, le guardo mucho cariño, recibió muchos palos. Fue el primero que se enfrentó a la catarata de hostias, porque Iván Zulueta llegó 10 años después y Pedro [Almodóvar] un poco más tarde. La película pudo hacerse porque Vicente Parra, el protagonista, la sacó adelante para poder trabajar. Era un actor carismático y popular, estaba muy dentro del franquismo por su actitud y por sus trabajos, hacía cosas muy edulcoradas. Pero cuando los actores no son auténticos y guardan secretos [Parra era, según algunos compañeros, homosexual], enferman o no hacen bien su oficio. Un actor, para ser bueno, no puede guardar secretos ni llevar falsedades dentro. Entonces este hombre empezó a tener dificultades e hizo ‘La semana del asesino’. ¡Con lo que no contaba era con que Eloy iba a ser tan, tan, tan salvaje!“.

Poncela nunca escondió secretos, ni se calló, ni albergó falsedades. “Lo primordial es que nunca me he tomado este oficio como una carrera. Yo no estaba haciendo una carrera, estaba haciendo una vida. El oficio me gustaba porque me servía para investigar. Y en base a eso hacía las películas, quitando cuando estaba ‘colgado’, que ahí hacía lo que fuera para comprarme lo que necesitaba. Generalmente, he recibido ofertas de los mejores directores de este país. A todos los he seducido. ¡Todos los interesantes han pasado por estas manos!“, aseguraba en esa entrevista tras recibir el premio de honor del festival LesGaiCineMad.

Entre el final de los setenta y los ochenta encadenó trabajo tras trabajo (la muerte de Franco, contaba, le pilló de subidón de LSD en París). En ‘Arrebato’ (1979) encarnó a un cineasta que acaba de montar su última película y cuya adicción a la heroína hace que su percepción sea distorsionada, como en un sueño. La voz y la presencia de Poncela seducen al público, y ahí coincidió con Cecilia Roth, con la que volvería, dos décadas después, a compartir otro gran éxito, ‘Martín (Hache)’, en 1997. En ese cierre de los setenta estaría, por ejemplo, en ‘Operación Ogro’, sobre el asesinato a Carrero Blanco, mano derecha de Franco, e iniciada la siguiente década, en la serie ‘Los gozos y las sombras’, con la que obtuvo una enorme popularidad en la calle, y en el ‘thriller’ ‘El arreglo’.

Así llegó Almodóvar con, primero, ‘Matador’ y posteriormente, y sobre todo, ‘La ley del deseo’, donde el cineasta que encarna le dice al personaje de Antonio Banderas: “Me emociona tu ternura, pero no te recomiendo que te enamores de mí, soy demasiado egoísta y llevo una vida incompatible”. Una sentencia cercanísima a su figura. Sobre su relación con Almodóvar, apuntaba: “No pasa nada, no tengo ningún problema. Lo que ocurre es que, como soy muy bocazas y no apetece callarme, a veces los medios hacen un estereotipo de mí. Pero ya está, no pasa nada, las relaciones en este oficio se diluyen. De pronto son apasionadas, todo es la hostia, y de pronto dejas de verte. Pasa todo el rato, quitando alguna excepción como Adolfo Aristarain, con quien todavía tengo relación. Que eso ocurra es un milagro. Mi relación con Almodóvar fue fabulosa. Nos cagamos de risa y todo fue maravilloso hasta que se terminó”. Aunque confesaba que no había visto ‘Dolor y gloria’, en la que Asier Etxeandia encarnaba a un trasunto suyo: “No me interesa el pasado. Me da pereza, que es la madre de la indiferencia”, aseguraba a El País en septiembre de 2019.

Poncela, en esos ochenta, protagonizó ‘Werther’, de Pilar Miró, la serie ‘Pepe Carvalho’, sobre el personaje creado por Manuel Vázquez Montalbán, o ‘El Dorado’, de Carlos Saura. Y en los noventa siguió a la caza de proyectos distintos: ‘Continental’, ‘El rey pasmado’, ‘El invierno en Lisboa’, ‘El beso del sueño’, ‘El laberinto griego’ y, en 1997, ‘Martín (Hache)’, de Aristarain, con Federico Luppi, Juan Diego Botto y Cecilia Roth, rodada durante el tiempo que vivió en Argentina. “La gente joven”, contaba en 2022, “me recordará por ‘Arrebato’. Ha trascendido. Es más minoritaria, menos conocida, pero estoy viendo que tiene un camino más largo. Si vas a Sudamérica, ‘Martín (Hache)’ es gigantesca allí. Se ponen de rodillas a recordarme lo de: ‘Hay que follarse a las mentes’. Si me pongo a pensar en todas las películas que he hecho que van a seguir viéndose cuando yo no esté, me salen unas cuantas".

El actor nunca dejó de trabajar, aunque recayera en papeles más secundarios, en cine, teatro o televisión. Él solo buscaba retos: “Si no, ¿por qué me dedicaría a esto?”. Encarnó en 2017 en la obra ’Esto no es la casa de Bernarda Alba’ a la Bernarda del título en una versión con actores masculinos, dirigida por Carlota Ferrer, lo que potenciaba las palabras femeninas creadas por García Lorca. “He trabajado mucho en esta vida, y eso que soy perezoso. Muchos artistas se han acercado a mí por ‘Arrebato’ o por ‘La ley del deseo’, por rasgos cercanos a mi personalidad, que creo que enseñé demasiado en ‘Martín (Hache)’”. Por su presencia, tenía facilidad para villanos retorcidos, como el cardenal Cisneros al que dio vida en las series ‘El Ministerio del Tiempo’ y ‘Carlos, rey emperador’, y en la película ‘La corona partida’. Ese físico también le ayudó en el género del fantaterror, como demuestran ‘Tuno negro’, ‘Intacto’ (su única candidatura al Goya) o ‘La herencia Valdemar’, que incluso trasladó al teatro en, por ejemplo, ‘El sirviente’ (2019); y como secundario potente en ‘Remake’, ‘Hermanas’, ‘Vengo con la lluvia’, ‘Sagitario’, ‘Los Borgia’, ‘Águila roja’ o ‘Teresa, el cuerpo de Cristo’. Este 2025 volvió a las series con ‘Matices’.

lunes, 18 de agosto de 2025

#hemeroteca #ideologiadeodio | Polémica en Francia por la cancelación de ‘Barbie’ en un cine de verano por “denigrar a la mujer”

Una escena de 'Barbie' //

Polémica en Francia por la cancelación de ‘Barbie’ en un cine de verano por “denigrar a la mujer”

El alcalde comunista de Noisy-Le-Sec suspende la función tras las amenazas de unos vecinos que alegaban también que el filme “promueve la homosexualidad”. La derecha le acusa de ceder ante el islamismo
Raquel Villaécija | El País, 2025-08-18
https://elpais.com/internacional/2025-08-18/polemica-en-francia-por-la-cancelacion-de-barbie-en-un-cine-de-verano-por-denigrar-a-la-mujer.html

Lo que iba a ser una agradable velada al aire libre viendo 'Barbie' ha acabado en una polémica política en Francia. Empezó el viernes 8 de agosto en Noisy-le-Sec, un municipio a unos ocho kilómetros al noroeste de París, en el departamento de Seine Saint Denis. La película de Greta Gerwig iba a proyectarse dentro de la programación “Cine bajo las estrellas”, destinada a ofrecer actividades estivales a los vecinos del barrio. Los técnicos municipales estaban instalando la pantalla gigante cuando un grupo de jóvenes les amenazó con impedir la proyección y destrozar el material, bajo el argumento de que la película “denigra la integridad de la mujer y promueve la homosexualidad” y de que no es apta para los menores.

El alcalde, Olivier Sarrabeyrouse, del Partido Comunista, decidió cancelar la sesión “por las amenazas insistentes, y para no poner en peligro la seguridad de los agentes y del público”. El jueves de la semana pasada presentó una denuncia por amenazas e intimidación y se ha abierto una investigación para identificar a los autores y esclarecer un asunto que ha provocado airadas reacciones en toda la clase política, al reabrir el debate sobre la laicidad, un pilar del Estado francés, que busca preservar el espacio público de cualquier manifestación religiosa.

La derecha y la extrema derecha acusan al alcalde de haber cedido ante las presiones y de “someterse a la ideología islamista”, dijo Yoann Gillet, diputado de Reagrupamiento Nacional, el partido de Marine Le Pen. El ministro del Interior, Bruno Retailleau, criticó a “la minoría que intenta islamizar los espacios públicos”. “Estamos en Francia y en Francia no hay vigilantes de la moral”, afirmó. “No vamos a ceder a las reivindicaciones sectarias”, agregó. La ministra de Cultura, Rachida Dati, denunció “este ataque a la programación, privando a familias y niños de una actividad cultural” y aseguró que este tipo de ataques “se han convertido en una nueva forma de delincuencia”.

La película, que se estrenó en 2023, es una sátira feminista que habla de la misoginia y fue un éxito de taquilla. Iba a proyectarse en el barrio de Londeau, en Noisy, “un lugar complicado, no es muy aconsejable ir”, según advierte Cindy, una joven de 25 años, de origen magrebí, que prefiere no dar su nombre real. “No tenían que haber suspendido la película, creo que el alcalde ha sido demasiado prudente. Al hacerlo, ha dado una muestra de debilidad. Un pequeño grupo de gente no puede tener más poder”, señala.

Noisy-Le-Sec tiene unos 44.000 habitantes y la presencia de la población musulmana es palpable. Pasan muchos hombres con qamis, la túnica propia de países árabes. El municipio está vertebrado por una carretera de varios kilómetros llena de obras que “llevan paradas desde 2019”, lamenta Didier Menuier, un jubilado de 79 años que toma el fresco con su carro de la compra en la plaza Juana de Arco.

El hombre vive en Noisy desde 1959, el año en que fue creada la muñeca Barbie. “La película reivindica la diferencia. Es inadmisible que ocurra esto en una república laica. La religión no debe entrar en el espacio público”, defiende Menuier. El vecino señala que en los últimos años “ha podido haber cierta radicalización en algunos barrios y entre algunos grupos”, aunque matiza que “no es verdad que Seine Saint Denis sea peligroso”. “Hay muchos franceses, todos convivimos, somos una población diversa”, concluye.

Sofiane, con actitud más desafiante, cree que “el problema es que la película iba a proyectarse delante de los niños y no es apta para ellos”. “Estamos en un momento en el que ya no hay respeto y, en la educación de los niños a veces entramos en el exceso, pero no hay término medio”, comenta y asegura que este debate en torno a la proyección de la película “no tiene nada que ver con las mujeres”.

El alcalde del municipio ha explicado que la elección del filme se hizo por votación entre los propios habitantes del barrio y se ha defendido de las críticas al asegurar que no cedió a las presiones, sino que tomó la decisión para proteger a los funcionarios y al público, y para evitar incidentes. “Lamento que un pequeño grupo haya movilizado sus fuerzas para presionar e impedir la proyección de esta película, clasificada como apta para todos los públicos en Francia”, ha defendido Sarrabeyrous.

El alcalde ha señalado que ya se busca una fecha para programar la proyección y ha recordado que las amenazas que recibieron los trabajadores que instalaban la pantalla “se basaban en argumentos falsos por parte de una minoría de matones, que reflejan oscurantismo y fundamentalismo”. También ha lamentado que, en apenas 24 horas, su decisión, “que pretendía proteger, no ceder”, haya sido objeto de instrumentalización política y “haya provocado un odio racista e islamófobo”.

viernes, 20 de junio de 2025

#libros #queer | Diarios porno : cómo triunfar en el hardcore sin ni siquiera intentarlo

Diarios porno : cómo triunfar en el hardcore sin ni siquiera intentarlo / Bruce LaBruce ; ed. y tradución de Juan Gallego Benot.
Córdoba : Almuzara [Cántico], 2025 [06-20].
288 p.
Serie: Los Juncos Salvajes.

/ ES / EN* / Libros / ENS / Bruce LaBruce / Cine / Disidencia sexual / Homoerotismo / Nopor gay / Punk / Queer / Testimonios

📘 Ed. impresa: ISBN 9788410288768 / 22.95 €
📝 Cita APA-7: LaBruce, Bruce (2025). Diarios porno : cómo triunfar en el hardcore sin ni siquiera intentarlo. Cántico.

Tiembla, querido. Tiembla hasta petar. Por primera vez, las obscenas reflexiones sobre el porno (gay) del único y verdadero Hereje de la Disidencia Maricona. Bruce LaBruce, ese director de culto y "pornógrafo a regañadientes", no es solo una pieza del engranaje del Nuevo Cine Queer, es su maldita columna vertebral.

Emergió como un virus en los bajos fondos de Toronto a finales de los 80 con fanzines punk queer y películas en Super 8 que hacían sangrar los ojos de la moral establecida, para luego infectar la escena internacional del cine independiente. Mientras tanto, LaBruce derramaba su tinta corrosiva y disparaba su cámara para revistas como "Honcho", "Inches", "Exclaim!", "Vice" y otros reductos de la contracultura que se atrevían a publicarlo.

Esta colección vomita sus artículos más viscerales, políticos, incendiarios y despiadadamente ingeniosos sobre la pornografía. El volumen incluye un enfrentamiento verbal entre LaBruce y la bestia sagrada del porno gay Peter Berlin, ensayos políticamente incorrectos, artículos que no piden permiso y tres diarios de rodaje brutalmente honestos para ‘Skin gang’, ‘The raspberry reich’ y ‘L.A. zombie’. Todo ello acompañado por fotografías que pulverizan los límites, obras de arte y retratos que no podrás borrar de tu retina, entre ellos imágenes de Richard Kern, Raul Hidalgo, Ricardo Gomes, Terry Richardson y otros conspiradores visuales.

😏 Bruce LaBruce (Southampton, 1964) se dio a conocer en su juventud a través del zine queer punk J.D.s y desde entonces se ha convertido en un referente mundial de la transgresión, con una actitud irreductible y un talento incomparable para la provocación. Sea mediante sus fotografías, sus escritos o sus películas, es uno de esos autores que jamás dejan indiferente y cuya acidez es inconfundible. El punk, la ironía, el fetichismo, la permeabilidad entre la alta y la baja cultura (por ejemplo entre cine independiente y pornografía, o entre la moda y lo kink), la rabia, el sexo, el activismo político y la brutal desarticulación de tabúes sociales son sólo algunos de los burbujeantes recursos que han construido su ecléctica trayectoria. Ha dirigido escandalosas y esenciales películas del cine independiente como No Skin Off My Ass, Super 8½, The Raspberry Reich, Otto; or Up with Dead People, L.A. Zombie, Gerontophilia, Pierrot Lunaire, It is Not the Pornographer That is Perverse..., The Affairs of Lidia o The Visitor. Ha publicado diversos libros y fotolibros, como Ride, Queer, Ride, The Reluctant Pornographer, Porn Diaries o Death book. Asimismo, ha colaborado profusamente con numerosas publicaciones, tales como The Guardian, Vice, Index Magazine, Exclaim!, Eye Weekly, National Post o Toronto Life. Su obra es admirada y censurada a lo largo de todo el mundo.

martes, 10 de junio de 2025

#ikus-entzunezkoak #lgtbi #memoria | Julen Gorosabel: ''Francisen bizitza nolakoa izan zen argitzea da 'Inkognita' dokumentalaren helburua''

Julen Gorosabel: ''Francisen bizitza nolakoa izan zen argitzea da 'Inkognita' dokumentalaren helburua''
Biba zuek! | EITB, 2025-06-10

https://www.eitb.eus/eu/telebista/programak/biba-zuek/bideoak/osoa/9991229/julen-gorosabel-francisen-bizitza-nolakoa-izan-zen-argitzea-da-inkognita-dokumentalaren-helburua/
 
46 urte dira polizia batek Vicente Vadillo 'Francis' Errenteriako transen mugimenduko kidea tiroz hil zuenetik. Francisaldia zikloa abiatu dute herrian, hainbat ekitaldi eginda. Julen Gorosabelek 'Inkognita' film dokumentala egin du Francis hobeto ezagutzeko, eta zikloan eman dute.

viernes, 30 de mayo de 2025

#libros #testimonios | El universo de Judy Garland

El universo de Judy Garland / José Luis Álvarez ... [et al.].
Madrid : Notorious, 2022 [05-30].
240 p.

/ ES / Libros / ENS / BIO / Artistas / Cine / Hollywood / Interpretación / Judy Garland / Testimonios

📘 Ed. impresa: ISBN 9788418181429 / 36.95 €
📝 Cita APA-7: Álvarez, José Luis [et al.]. El universo de Judy Garland. Notorious.

El libros definitivo sobre Judy Garland, para muchos la artista más completa que ha dado Estados Unidos. Gran actriz, gran cantante, buena bailarina… Con una biografía tan apasionante como trágica, el misterio de Judy Garland hace que destile a la vez alegría y tristeza, energía y abatimiento. La niña prodigio de la voz sublime que fue exprimida y abandonada por Hollywood, que resurgió después como suprema cantante en los mejores escenarios, y cuya leyenda no hace más que crecer en la mitología popular. Un nutrido grupo de autores analizan en 'El universo de Judy Garland' todos sus films, sus directores, sus compañeros de reparto, sus amigos, sus canciones, sus problemas… Todas las constantes de su vida y obra. Una enciclopedia sobre su vida y obra, con impresionante despliegue fotográfico.

😏 Autoría: Juan Luis Álvarez, David Felipe Arranz, César Bardés, Juan Manuel Corral, Inés de Cuenca Barella, Jose Fernández, Miguel A. Fidalgo, Noemi Guillermo, Juan Carlos Laviana, Luis López Varona, José Madrid, Guillem Medina, Alejandro Melero Salvador, Enric Ros, Gerardo Sánchez, LucÍa Tello Díaz, Joaquín Vallet, Juan Carlos Vizcaíno.

DOCUMENTACIÓN
100 años de Judy Garland: éxito, drogas y dramas de un icono gay 'más allá del arco iris'
José Madrid | Vanitatis, 2022-06-10

https://www.vanitatis.elconfidencial.com/celebrities/2022-06-10/judy-garland-50-anos-tragedia-vida-mago-oz-icono-gay_2083060/ 

lunes, 21 de abril de 2025

#hemeroteca #lgtbifobia #memoria | La España de 'Cine de Barrio'

El set del programa de RTVE 'Cine de Barrio'//

La España de 'Cine de Barrio'

Paco Tomás | Público, 2025-04-21

https://www.publico.es/opinion/columnas/espana-cine-barrio.html 

La semana pasada me encontré con un titular que llamó poderosamente mi atención. El titular, de Europa Press, señalaba: “RTVE contextualizará la época de las películas de ‘Cine de Barrio’ ante comentarios machistas y sexistas”. Ante semejante desconcierto, profundicé en el contenido de la información, ya que desconfío, desde hace tiempo, de la cultura del ‘clickbait’ que titula con ideas tentadoras o malintencionadas algo que luego desmiente, o directamente no existe, en el propio grueso de la noticia. Y no. En este caso, era cierto. TVE va a incorporar, al inicio de sus películas, y cuando su contenido lo precise, una frase informando de la época y el contexto en el que se rodaron. Y claro, en ese momento, se me cayó el alma a los pies porque eso es lo que lleva haciendo ‘Cine de Barrio’ al menos un año. Y escribo con conocimiento de causa porque, miren ustedes por donde, yo soy colaborador de ‘Cine de Barrio’.

‘Cine de barrio’ empezó a emitirse en TVE en 1995. O sea, este año cumple 30 años. Desde septiembre de 2023, la dirección de ‘Cine de Barrio’ incorporó un plantel de colaboradores precisamente para que, en las tertulias previas a la proyección, se contextualizara el contenido de la película. Ahora mismo, colaboramos en ‘Cine de Barrio’ Valeria Vegas, Benjamín Prado, Lidia García, Carlos Barea, Luz Sánchez Mellado y yo. Como ven, un cartel que comulga abiertamente con los comentarios machistas, sexistas, racistas y, ojo, homófobos, que hay en la mayor parte de las películas rodadas, en todo el mundo, hasta los años 80. Esto es ironía, algo que anuncio, como el cartel que precede a la película, por si en la era de la literalidad alguien se confunde en el interlineado.

No tengo ningún problema con la idea de que un cartel -como ese que alerta, en las cajetillas de tabaco, de que "fumar mata"- preceda a la emisión de una película explicando que las circunstancias, tramas y comentarios contenidos en el filme se enmarcan en un contexto histórico y social concreto y que deben ser entendidos así y no extrapolarlos a la actualidad. Ningún problema. Pero, ojo, no solo con las películas de ‘Cine de Barrio’. Porque, como he dicho antes, el 90% de las películas que se rodaron en España, y en el planeta, en los años 50, 60 y 70 (por enmarcar en las décadas del cine que suele emitir ‘Cine de Barrio’) eran machistas, sexistas, racistas y homófobas. No hay película de Tarzán que no sea un insulto a la comunidad africana ni comedia romántica que no perjudique seriamente la salud mental, instalando unos estándares de relaciones tóxicas camufladas de amor romántico. No hay western que no sea racista y machista. Por eso a las personas ‘queer’ nos gusta ‘Johnny Guitar’ o ‘Calamity Jane’. Porque se saltaban la regla que presume que ‘lo normal’ es lo que dicta el heteropatriarcado.

Recordemos que, en 2020, HBO retiró de su plataforma la película ‘Lo que el viento se llevó’ tras las múltiples protestas que la consideraban racista. Aquella decisión tan controvertida, con claras opiniones enfrentadas, se cerró con la incorporación, al comienzo de la película, de una explicación del contexto histórico y una denuncia del racismo. Yo, como creador, me niego a aceptar la cancelación cultural de cualquier obra artística en base al contenido de la misma o a la ideología o catadura ética de su creador. Sin embargo, sí estoy a favor de enmarcar al creador y a la creación, no solo en su contexto histórico sino también en aquellos rasgos de su personalidad e intimidad que puedan aportar información a la propia obra. Conocer que Lorca era homosexual es importante para entender escenas de ‘El Público’ o poemarios como ‘Poeta en Nueva York’ o ‘Sonetos del amor oscuro’. Y nadie me habló de eso en la escuela de los años 70 y 80. Aportar un cartelito, junto a uno de los cuadros de la serie ‘La mujer que llora’, de Picasso, apuntando que la mujer que llora era Dora Maar, amante del pintor y mujer maltratada por el artista, ayuda a contextualizar la obra y a dotarla de una resignificación importante y necesaria. Por eso pienso que no hay que censurar. Hay que contextualizar, argumentar y significar.

La polémica incorporó un aliciente más cuando José Pablo López, presidente de RTVE, contestó al tuit -aún hay personas escribiendo en X- de Manuel Marlasca, especialista en sucesos y colaborador de Ana Rosa Quintana, que ridiculizó la decisión de TVE respecto a ‘Cine de Barrio’. Marlasca escribió: “Plan para idiotizar a la sociedad”. A lo que José Pablo López respondió: “Lo que tú llamas ‘idiotizar’ otros lo vemos como no banalizar la violencia física contra las mujeres, la homofobia o el perpetuamiento de roles machistas”.

A mí lo que realmente me desconcierta de toda esta polémica no es la recomendación de la defensora de la Audiencia de RTVE, Rosa María Molló, en respuesta a los requerimientos de los espectadores, y la rápida actuación de la dirección de la corporación pública. Ni siquiera si la población española es lo suficientemente madura para ubicar la película en el contexto de la España en la que se rodó, y si los avisos previos infantilizan a la sociedad, que me parece un debate interesantísimo. Lo que me disloca es que se ignore el trabajo que un equipo de profesionales llevamos haciendo desde hace tiempo. Y siento que mucho mejor que un cartel es potenciar precisamente la tertulia previa, en la que siempre contextualizamos y criticamos las tramas y diálogos racistas, machistas y lgtbifóbicos, señalando que esa España que ahora nos chirría es de la que venimos y a la que, peligrosamente, podemos volver si no educamos en respeto, valores y libertad. Y en eso estamos quienes hacemos ‘Cine de Barrio’.

Entiendo que la audiencia se queja de una época, más que de una película. Y la existencia de ‘Cine de Barrio’ es un termómetro perfecto para eso. Porque si hace veinte años a nadie le alteraba una película como ‘La descarriada’, y hoy provoca que reaccionemos ante lo que se dice en ella, eso significa que el trabajo histórico de movimientos como el feminismo, el de las comunidades LGTBIQ+ o el de entidades anticolonialistas, antirracistas y anticapacitistas, está calando en nuestra sociedad. Y eso, en estos tiempos, es una victoria que no debemos ignorar.

Quiero pensar que hay tanto trabajo en RTVE que a lo mejor sus responsables no han tenido tiempo de ver esas tertulias previas en las que hablamos de todas esas cosas. Espero que puedan hacerlo en breve y, en lugar de recortarlas y dejarlas en la mínima expresión, las potencien. Porque mucho mejor que un cartel es un grupo de profesionales, validados y prescriptores, dando su opinión al respecto.

miércoles, 16 de abril de 2025

#hemeroteca #gais #cofradias | "Mariquitas capillitas": así es el documental que se mete dentro de la comunidad LGTBI en la Semana Santa de Sevilla

Los 'chillaores' a la Virgen de los Dolores en Sevilla //

"Mariquitas capillitas": así es el documental que se mete dentro de la comunidad LGTBI en la Semana Santa de Sevilla

Los 'chillaores' son la pieza más escandalosa de la Semana Santa... pero no tienen nada de nuevo
John Tones | Xataka, 2025-04-16
https://www.xataka.com/magnet/mariquitas-capillitas-como-comunidad-lgbti-sevilla-vive-pasion-semana-santa-dentro 

En 2019 se viralizó un vídeo que mostraba a un grupo de jóvenes vitoreando a la Virgen de los Dolores en una procesión de la Semana Santa de Sevilla. Lo entregado de los piropos ("¡Reina del Martes Santo!", "¡El barrio entero pa ti!") y el tono con el que éstos se lanzaban desató todo tipo de comentarios, muchos de ellos abiertamente homófobos y, sobre todo, plumófobos. En cualquier caso, no sorprendieron a quienes están habituados a la Semana Santa de la capital andaluza y a su íntima relación entre el fervor católico y la personalísima militancia LGTBI de muchos de los devotos de las imágenes.

A chillar, joven. En realidad, el fenómeno de los "chillaores", como se conoce a estos jóvenes, no tiene nada de nuevo, como creen algunos guardianes de las esencias de la Semana Santa (aunque es cierto que es ahora cuando la Iglesia se ha mostrado a favor de "cortar los histerismos"). Por ejemplo, en 1916, Eugenio Noel ya documentaba frases como "Esta Virgen se pasa por la entrepierna a todas las vírgenes de Sevilla" gritadas al paso de la Esperanza Macarena.

Barrios humildes. Estos vítores tenían en su día mucho de reivindicación social, ya que tanto el barrio de Triana como la Macarena eran zonas populares que engalanaban a sus vírgenes como desafío a la aristocracia de las procesiones centrales. Ahí tenían sentido los gritos con un punto corrosivo, intolerable para el poder central (y eclesiástico). Hoy Sevilla es una ciudad muy distinta, pero las costumbres florecen de nuevo: Noel hablaba de cómo en la Madrugá "la catedral no se cierra, las tabernas tampoco, y la vida de los prostíbulos es más activa que nunca". La Semana Santa es una actividad performativa, tanto si se opta por el amaneramiento como por la sobriedad extrema.

"¡Dolores guapa!". De esto se dio cuenta Jesús Pascual cuando vio el vídeo viral. Comenzó a indagar en el fuerte componente LGTBI de la Semana Santa de sevilla y lo plasmó en un documental titulado como el grito que lanzaban los ‘chillaores’ del vídeo, y que se puede ver en Filmin y Prime Video. El resultado es una amalgama de influencias que dejan clara la naturaleza popular de la Semana Santa en Sevilla y cómo los símbolos pueden ser reinterpretados sin que pierdan nada de su significado original. A la vez paradójicamente corrosivo y tradicional, '¡Dolores guapa!' es revelador sobre todo cuando los autodenominados "mariquitas capillitas" hablan de la tradición de los pasos y los costaleros como terreno abonado para el sentir gay.

Dos formas de verlo. En ¡Dolores guapa! se dice que "hay dos religiones: la de Roma y la de Sevilla". Se hace referencia así al catolicismo y a las múltiples formas de entender su iconografía, donde la Virgen María, pura feminidad y símbolo maternal, es a la vez símbolo pío y diva a la que vestir como a una folclórica (otro entorno eminentemente andaluz que los gays han hecho suyo, pese a la oposición tradicionalmente homófoba de la Iglesia y la España más inmovilista).

Rodríguez Ojeda, referente. En el documental se menciona, como referente imprescindible, al bordador Juan Manuel Rodríguez Ojeda, homosexual reconocido que revolucionó la Semana Santa a finales del XIX. Entre sus obras esenciales están el manto de la Virgen de la Macarena (que fue revolucionario en su día, por distanciarse de los mantos más sobrios vistos hasta ese momento) o los trajes de la Centuria Romana, que decoró con plumas y leotardos. Este colorido y preciosismo hicieron mucho por inyectar de una inaudita sensibilidad ‘queer’ a la Semana Santa de Sevilla. De hecho, con él se estableció un prototipo de participación gay en labores artísticas, de joyeros a vestidores de vírgenes.

Su doble moral, gracias. Aunque esta presencia homosexual es abierta y reconocida, en muchos casos declarada, no deja de haber cierta tensión: la integración está ahí, pero el señalamiento también: la Iglesia exige comportamientos "morales" a homosexuales y divorciados. Los gritos a la Virgen son así una forma de reivindicación de una realidad que, por la presencia de la Iglesia, no puede ser oficial: una vez más, como pasó antes en el cine y en la música, la sensibilidad camp sirve como declaración de intenciones (y como construcción de un entorno familiar alternativo ante el rechazo del propio).

Nuevos tiempos para el barroco. En los últimos tiempos, han surgido nuevos artistas y movimientos que reivindican esta realidad. Carlos Carvento fusiona mantillas sevillanas con actitudes de ‘drag queen’; colectivos como Proyecto Palio luchan por la visibilidad trans en las cofradías; y finalmente, escándalos como el del cartel de la Semana Santa de 2024 de Salustiano García, que cuestionó la iconografía de Cristo, abren debates que ayudan a visibilizar una lucha de estéticas y voluntades que lleva años burbujeando dentro de las cofradías.

miércoles, 2 de abril de 2025

#hemeroteca #cine #moda #testimonios | La película recoge la única entrevista (inédita) que el diseñador nacido en Pasaia Paco Rabanne

Paco Rabanne //

La película recoge la única entrevista (inédita) que el diseñador nacido en Pasaia Paco Rabanne concedió en los últimos 20 años de su vida

EFE | Noticias de Gipuzkoa, 2025-04-02
https://www.noticiasdegipuzkoa.eus/cultura/2025/04/02/presentan-documental-paco-rabanne-abrazar-balenciaga-9472521.html

"Extraterrestre, "visionario", "genio", "bondadoso", "surrealista" son algunos de los adjetivos con los que diseñadores, modelos, editores de moda y familiares califican a Paco Rabanne, el diseñador nacido en Pasaia que deslumbró al mundo con sus vestidos de metal, que luchó por los derechos femeninos y representó la vanguardia en los años 60 y 70.

"De niño aprendí a viajar con los sueños, a hablar con lo infinito; por eso, me llaman el visionario". Con estas palabras de Paco Rabanne comienza el documental 'Paco Rabanne. Una vida fuera del patrón', dirigido por Pepa G. Ramos y Tirma Pérez, que se estrena este jueves en salas.

La película recoge la única entrevista (inédita) que Paco Rabanne (Pasaia, 1934 - Portsall, Ploudalmézeau, Francia, 2023) concedió en los últimos veinte años de su vida, y cuenta con la participación de Ágatha Ruiz de la Prada, Daniel Rabaneda (sobrino) o la modelo Kathy Jean-Louis, entre otros.

Pionero en la moda rápida

"Fue un visionario. Él es el origen de la moda actual", asegura a la agencia Efe Daniel Rabaneda, quien sostiene que fue pionero en moda rápida: "Creó los vestidos de papel de usar y tirar en los 60".

En esa época, en la que también se hablaba de moda circular, "realizó vestidos comestibles con garbanzos o chocolate", añade Rabaneda, que recuerda que fue precursor en la democratización la alta costura "con los 'kits' que permitían que las mujeres se hiciesen ellas mismas su modelo a un precio más asequible".

Su primera colección, '12 prendas imposibles de llevar", en 1966, "revolucionó el mundo de la moda", asegura el sociólogo y periodista Pedro Mansilla.

Creó algo que no existía. Con esos vestidos de malla alcanzó la fama casi inmediata. Feminizó el metal. "Hizo esas armaduras como una necesidad para proteger a las personas", cuenta su sobrino.

"Las mujeres eran luchadoras, así que las vestí con armaduras. Intentan conquistar su independencia del hombre", explica Rabanne en esa entrevista. En ese momento, su éxito coincidía con la liberación de la mujer, a la que contribuyó con el vestuario para Jane Fonda en ‘Barbarella’.

"Los vestidos de metal van tomando la temperatura del cuerpo, y poco a poco, se adaptan como una segunda piel", cuenta la modelo Gigie Valdelux, quien subraya que el diseñador vasco fue el primero en hacer desfiles con mujeres negras.

Un hombre bondadoso en el exilio

Detrás de los vestidos metalizados, estaba Francisco Rabaneda, "un hombre bondadoso, con una conciencia de clase brutal, un niño exiliado que siempre se sintió extranjero en Francia", dice su sobrino.

El documental repasa su infancia. Su padre, militar republicano, se quedó combatiendo en España; el resto de la familia cruzó la frontera a pie en 1938. Permanecieron un tiempo en un campo de refugiados hasta que comenzó la II Guerra Mundial. Vivió dos contiendas.

Se instalaron en un pueblo de la Bretaña francesa, donde vivió una juventud agradable, según su propio relato. A su padre lo fusilaron y su madre y abuela estuvieron obligadas a olvidar las dificultades para dar "felicidad y armonía" a los cuatro hijos.

"Mi madre era moderna, inteligente, tenía pasión por su trabajo", mientras que mi abuela era religiosa, mística", añade. El diseñador confiesa que a sus siete años tuvo "su primer viaje astral".

"Abrazar solo a Balenciaga es despreciar a Rabanne"

La moda no era desconocida para él. Su madre trabajó para Cristóbal Balenciaga en 1920: "Partió de la nada más absoluta, estudió arquitectura en París y comenzó a vender botones para casas de moda prestigiosas".

"Creo que España está en deuda con Rabanne, le debemos un homenaje", dice Agatha Ruiz de la Prada, quien considera que en nuestro país este diseñador "está por descubrir".

"En España se abraza a Balenciaga como el mayor tesoro que tiene y abrazar solo a Balenciaga, por consiguiente, es despreciar a Rabanne", señala el sobrino del diseñador, que reivindica sobre todo un museo para que futuras generaciones puedan nutrirse. "No es justo tener su legado bajo llave".

Y TAMBIÉN...
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El padre (fusilado) de Paco Rabanne

El modisto guipuzcoano, que este próximo sábado 18 cumpliría 89 años, tardó quince años en leer la carta de despedida que su progenitor escribió horas antes de ser ejecutado por los fascistas en una playa de Santoña
Iban Gorriti | Noticias de Gipuzkoa, 2023-02-13
https://www.noticiasdegipuzkoa.eus/cultura/2023/02/13/padre-fusilado-paco-rabanne-6437897.html

domingo, 30 de marzo de 2025

#hemeroteca #inmemoriam | Muere el actor Richard Chamberlain, protagonista de ‘El pájaro espino’ y de la primera ‘Shōgun’

Muere el actor Richard Chamberlain, protagonista de ‘El pájaro espino’ y de la primera ‘Shōgun’
El intérprete, que apareció en películas como ‘El coloso en llamas’, ‘Los tres mosqueteros’ o ‘Las minas del rey Salomón’, ha fallecido este sábado a los 90 años en Hawái, por complicaciones tras un derrame cerebral
Gregorio Belinchón | El País, 2025-03-30
https://elpais.com/television/2025-03-30/muere-el-actor-richard-chamberlain-protagonista-de-el-pajaro-espino-y-la-primera-shogun.html

Richard Chamberlain en 1960 //
El actor estadounidense Richard Chamberlain, famosísimo en los años ochenta por sus papeles en las miniseries televisivas ‘El pájaro espino’ y en la primera adaptación de ‘Shōgun’, ha fallecido este sábado a los 90 años en Hawái, a un día de cumplir los 91. Así lo ha confirmado el agente de artistas Harlan Boll a la revista Variety, explicando que el intérprete sufrió complicaciones tras un derrame cerebral.

“Nuestro amado Richard ya está con los ángeles”, ha declarado Martin Rabbett, compañero sentimental de Chamberlain de 1977 a 2010, en un comunicado enviado a los medios de comunicación estadounidenses. “Ahora es libre y se va con sus seres queridos. Qué afortunados fuimos de haber conocido a un alma tan maravillosa y amorosa. El amor nunca muere. Y nuestro amor está bajo sus alas, impulsándolo hacia su próxima gran aventura”, ha dicho el escritor y productor.

Richard Chamberlain, nacido y criado en Beverly Hills (aunque siempre decía que en el barrio equivocado, en el de las familias de clase media), había colaborado en una modesta compañía de teatro cuando debutó en el audiovisual en un episodio de ‘Alfred Hitchcock presenta’ en 1959. La fama le llegó justo después, a inicios de los sesenta, con su primera gran aparición en la pequeña pantalla como coprotagonista de la serie de televisión ‘Doctor Kildare’. El actor se mantuvo durante seis temporadas en el reparto de este drama médico, en la que llegó incluso a interpretar —tenía muy buena voz— algunos de los temas musicales que se escuchaban en sus episodios.

La serie le abrió las puertas de Hollywood, y Chamberlain, que fue mejor actor de lo que su fama arrastraba, apareció en grandes títulos. Puede que no para ganar premios Oscar, pero sí para marcar el inconsciente popular: fue el constructor villano de ‘El coloso en llamas’ (como bien le echaba en cara el personaje de Paul Newman); puso rostro a Aramis en ‘Los tres mosqueteros’ (1973), del infravalorado Richard Lester, y sus dos continuaciones; encarnó al abogado protagonista de ‘La última ola’ (1977), de Peter Weir, rodada en Australia; o dio vida al cazatesoros Allan Quatermain en ‘Las minas del rey Salomón’ (1985) y ‘Allan Quatermain y la ciudad perdida de oro’ (1986), junto a Sharon Stone. Con Lester ya había colaborado en su mejor actuación, como el esposo despiadado de Julie Christie en ‘Petulia’ (1968). También apareció en ‘El enjambre’ y en una versión en formato de telefilme de ‘La máscara de hierro’ y en otra de ‘El conde de Montecristo’. Chamberlain se atrevió con casi todo.

Aunque su fama había surgido de la tele por ‘Doctor Kildare’ y por una versión para la BBC de ‘Retrato de una dama’ (1968), Chamberlain exprimió su carrera en el cine en la siguiente década, hasta que aceptó actuar en miniseries como ‘Centennial’, que se emitió en NBC entre 1978 y 1979. De repente se abrió un mundo en el que pudo compaginar su belleza y ser un rostro conocido entre los televidentes. En 1980 protagonizó con enorme éxito, junto al gran Toshirô Mifune, ‘Shōgun’, la adaptación de la novela histórica de James Clavell que Disney Plus ha revivido recientemente. Y aumentó su popularidad interpretando al sacerdote Ralph de Bricassart, que mantenía una romance prohibido con una joven feligresa, Maggie (encarnada por otra estrella televisiva, Rachel Ward), en ‘El pájaro espino’ (1983). La miniserie logró tanta repercusión que en 1996 Chamberlain se embarcó en una secuela, ‘El pájaro espino: los años perdidos’. Por cierto, si la serie en Estados Unidos fue un éxito, en España, sencillamente, arrasó. La presencia de Chamberlain ha acompañado a varias generaciones de espectadores españoles.

Otro hito de Chamberlain: en 1988 fue el primer rostro en el audiovisual de Jason Bourne, en una miniserie de dos episodios. Y en 2017 aparecía en otro ‘revival’ televisivo, las nuevas entregas de ‘Twin Peaks’ de David Lynch. En teatro, entre Broadway y los escenarios londinenses, participó en montajes de ‘Sonrisas y lágrimas’, ‘My Fair Lady’, ‘West Side Story’, ‘Hamlet’ o ‘Ricardo II’, entre otros. Nunca dejó de trabajar en televisión hasta 2019.

Esa fama se multiplicó durante décadas en el público femenino, una de las razones por las que Chamberlain escondió su homosexualidad, que se mencionó por primera vez en la revista francesa ‘Nous Deux’ en 1989. Sin embargo, no se hizo pública hasta 2003, cuando el actor publicó su autobiografía ‘Shattered Love: A Memoir’. “Cuando creces en los años treinta, cuarenta y cincuenta siendo gay, no solo no es fácil, es simplemente imposible”, explicó a The New York Times en 2014. Chamberlain aprendió en su adolescencia “que ser gay era lo peor”. Y contaba: “Supuse que había algo terriblemente malo en mi interior. E incluso haciéndose famoso y todo eso, todavía estaba allí”. Cinco años más tarde, contaba: “Ya no tengo miedo. Mi confesión fue una experiencia maravillosa. La gente se mostró abierta, amable y dulce”. Y en ‘Oral History of Televisión’, aseguraba: “De repente, todo ese miedo, toda esa aversión a uno mismo... era como si un ángel me hubiera puesto la mano en la cabeza y me dijera: ‘Se acabó, se acabaron todas esas cosas negativas’. Ser gay es uno de los datos menos interesantes que puedes saber sobre una persona”.

miércoles, 5 de marzo de 2025

#hemeroteca #cine | La conexión vasca del 'oscarizado' Sean Baker: «El cine de Eloy de la Iglesia es cercano al mío»

La conexión vasca del 'oscarizado' Sean Baker: «El cine de Eloy de la Iglesia es cercano al mío»
El director de 'Anora' sorprendió en el último Zinemaldia con sus conocimientos del 'terror' español, de Jess Franco a Paul Naschy. «Le dimos una colección de DVDs», recuerda Rebordinos
Mitxel Ezquiaga | El Diario Vasco, 2025-03-05 [MyNews]

Sean Baker llegando al María Cristina //
Llegó al Zinemaldia con una sonrisa, su película 'Anora', su mujer y productora Samantha Quan y un perrito que hizo las delicias de los fotógrafos. Pocos podían imaginar que el norteamericano Sean Baker, icono del cine independiente que acaba de triunfar en los Oscar, traía también unos sorprendentes conocimientos del director zarauztarra Eloy de la Iglesia. «Su mundo es muy cercano al mío, con gente al margen de la sociedad», dijo en varias entrevistas, incluida la concedida a este periódico, sobre el autor de 'El pico' o 'Navajeros'. También mostró su interés por el 'terror español'.

José Luis Rebordinos, director del Zinemaldia, recuerda bien las dos visitas de Baker (New Jersey, 1971) a Donostia, en 2021 y 2024. «Es un cineasta de enorme talento, como acaba de verse con la lluvia de Oscar que ha cosechado su película, pero también un hombre extremadamente cercano y con una inesperada cultura del cine español», dice Rebordinos. «Uno espera que un cineasta norteamericano independiente te hable de Almodóvar, pero sorprende que sepa tanto de Eloy de la Iglesia o de las películas de Jess Franco o Paul Naschy. Se interesó mucho por nuestra Semana de Cine Fantástico y de Terror y le enviamos una colección de carteles, unos cuantos DVDs con películas como 'La residencia', de Narciso Ibáñez Serrador, y por supuesto el libro que editó el Festival sobre la vida y obra de Eloy de la Iglesia. Baker ha tenido una vida dura, empezó tarde y con pocos medios a hacer películas, y se interesa mucho por quienes están al margen, en la vida y en el cine. Por eso nos alegra tanto que Hollywood haya premiado a 'Anora' y que tuviéramos la fortuna de presentarla, con su presencia, en el ciclo 'Perlak' del Zinemaldia», añade Rebordinos.

Sean Baker no solo estuvo en la proyección de gala del Victoria Eugenia y en las rondas de entrevistas. Participó en una 'master class' en Tabakalera de la que salió encantado. «Queremos profundizar en ese tipo de actividades», explica el director del Zinemaldia, «porque mucha gente del cine, incluso consagrados, valoran cada vez más el carácter cinéfilo de San Sebastián y la posibilidad del diálogo con el público, no solo con profesionales».

«Este tío te interesa»
Así se soltó Baker ante el público que llenó la sala de Tabakalera: «Entre mis influencias está Almodóvar, claro, pero también dos directores españoles que no mucha gente de mi país conoce», dijo. Por un lado, el icono del underground, Jess Franco (19302013): «La forma de filmar a su musa, Soledad Miranda, me ha marcado mucho, le he terminado apreciando porque reconozco su sensibilidad independiente y su obsesión por hacer una película detrás de otra. Me siento inspirado por eso y a veces también por su falta de oficio. Esa torpeza tiene su encanto»».

Y también se declaró admirador del zarauztarra Eloy de la Iglesia (1944-2006): «A la Universidad de Nueva York no nos llegaba ese cine. Lo he descubierto hace unos cinco años y me siento más alineado con él que con Fellini», explicó. En la entrevista concedida en septiembre a DV lo explicitaba: «Algunos amigos me dijeron, en referencia a Eloy de la Iglesia: 'Este tío habla de cosas que te interesan'. He estado leyendo sobre su vida y su lucha y he sentido una conexión porque trata los mismos temas que yo. También yo he sufrido adicciones y me impresionó que Eloy terminara 'enganchado' por empatía con sus personajes y sus actores».

El cine de Eloy de la Iglesia, no valorado en su momento por su éxito en taquilla y su carácter «de género», fue recuperado después como un espejo de su época. Películas como 'El pico' (1983), 'Navajeros' (1980) o 'La estanquera de Vallecas' (1987), mostraban el mundo 'quinqui' o de las drogas.

El filme vuelve a las salas
Baker vino a Donostia en septiembre con la Palma de Oro que había ganado en Cannes y sabiendo ya que las quinielas lo colocaban en las candidaturas del Oscar. 'Anora', la historia de una trabajadora sexual que cree encontrar en el hijo de un oligarca ruso a su 'príncipe azul', es una muestra de cine independiente finalmente reconocido por la Academia. Esta semana vuelve a numerosas salas del País Vasco.

«Es una pena que 'Cónclave' no haya logrado más», se despide Rebordinos. «Logramos que compitiera en Donostia tras 'pelearnos' con otros grandes festivales y al final no entró en el palmarés del Festival y tampoco en los Oscar, aunque tuviera tantas candidaturas y tan merecidas».

domingo, 23 de febrero de 2025

#hemeroteca #trans #testimonios | Nacha Sánchez, mujer trans: “No teníamos otra opción de vida que la del espectáculo o la de prostituirnos”

Nacha Sánchez en Berlinale //

Nacha Sánchez, mujer trans: “No teníamos otra opción de vida que la del espectáculo o la de prostituirnos”

Entrevista a Nacha María Sánchez Sánchez, superviviente del elenco de la película 'Vestidas de azul', documental de culto sobre mujeres trans en los años 80, estrenado en la Berlinale
Rosa Die Alcolea | Artículo14, 2025-02-23
https://www.articulo14.es/cultura/nacha-sanchez-mujer-trans-no-teniamos-otra-opcion-de-vida-que-la-del-espectaculo-o-la-de-prostituirnos-20250222.html

Mercury Films recupera y promueve el largometraje documental Vestida de azul, dirigida por Antonio Giménez-Rico que, hasta su incorporación en el catálogo de FlixOlé, permaneció durante décadas “maldita” debido a la limitada distribución que se hizo tras su paso por la gran pantalla. La película se estrenó en 1983 con cierto éxito de público y críticas no muy positivas. A partir de ahí, Vestida de azul fue cayendo en el olvido poco a poco con el paso del tiempo… hasta hoy. La 75ª del Festival de Cine de Berlín, recientemente celebrado, la ha incluido en su sección “Berlinale Classics” y puede verse en el catálogo de FlixOlé.

Para la comunidad LGTBI se convirtió en un film de culto, ya que se trata de una película pionera a la hora de reflejar a las personas transexuales, especialmente por ser la primera que refleja sus problemas diarios con honestidad: el rechazo de la familia, el difícil acceso al mercado laboral, el abuso policial y la prostitución como única vía de supervivencia.

Nacha Sánchez, una de las seis mujeres protagonistas, relata que en aquella época no tenían “otra opción de vida que la del espectáculo o la de prostituirnos”, sobre la Ley Trans, opina que es un “apoyo maravilloso para todas nosotras, que los médicos te puedan recetar hormonas, que nos traten como nos sentimos” y expresa con esperanza que “las universidades ya tienen más capacidad para entender y tratar a las personas trans” y “hay trabajos en los que hoy por hoy, gracias a Dios, ya se nos acepta”.

P. La película retrata a seis mujeres trans en los años 80. Algunas también erais en ese momento travestis y/o transformistas. ¿Puedes explicar los matices de los tres conceptos: mujer transexual, travesti y transformista?

Las personas que salimos en el documental, las seis (también la que ha des-transicionado, que se llama Josette) en aquella época éramos todas travestis, pero Josette era una chica trans también, después, reculó y echó para atrás. La diferencia es que un travesti es un señor que por la noche se traviste con ropa de mujer y de día tiene una vida normal de hombre. Un transformista es simplemente alguien que verdaderamente está dedicada al espectáculo, no tiene nada que ver, puede ser una persona que ni siquiera sea homosexual, no tiene por qué ser un homosexual o un transformista, son artistas. Y las transexuales somos las personas que damos un paso hacia adelante y cambiamos nuestra manera de vivir y ya directamente mañana, tarde y noche, somos mujeres o intentamos o luchamos justo por conseguir tener un aspecto femenino y un aspecto como el de una mujer, puesto que nos hormonamos y nos intervenimos a cirugías y a cosas por el estilo para llegar a nuestros logros.

P. La película se produce en 1983, ocho años después de la muerte de Franco, es un contexto muy complicado para la libertad de expresión en España. Parece que hubo dificultades para la distribución de la película, una vez exhibida en cines. ¿Cómo contactó con vosotras Antonio Giménez-Rico para hacer la película y qué motivación os transmitió sobre el proyecto?

Sí, fue un momento muy duro y muy cruel porque acababa de morir Franco y estábamos en un momento de transición. Antonio Giménez-Rico tenía la idea de no hacer un documental, sino de hacer un largometraje de ficción, pero al ver cómo éramos personalmente nosotras, decidió que era mucho mejor para lo que él quería comunicar, directamente grabarnos sin ningún tipo de guion, espontáneamente que le fuéramos contando nuestras vidas. Y una por una le expusimos cómo vivíamos, de qué vivíamos y qué hacíamos y así fue como resultó ‘Vestida de azul’, en el 1981 la grabamos, luego se dio a conocer en el 82 y en el 83, es cuando llegamos al Festival de Cine de San Sebastián.

P. En el documental se da a entender que las opciones que teníais las mujeres trans en esa época se reducían a trabajar en el mundo del espectáculo o ejercer la prostitución. ¿Crees que ha habido una evolución real en este sentido hasta el momento actual? ¿Tenéis ahora más opciones económicas y sociales? ¿cómo lo has vivido tú?

Verdaderamente, en aquellos tiempos no teníamos opción a nada. Como bien digo en todos los reportajes que hago, quien vale para artista puede también valer para la prostitución, por supuesto, eso depende de las necesidades de cada uno. No teníamos otra opción de vida que la del espectáculo o la de prostituirnos.

Cada una adoptaba una manera de vivir, dependía de su condición. Muchas personas valen para ser artistas y no valen para ser prostitutas, y muchas prostitutas no valen para ser artistas. La profesión de prostituirse es un poquito dura y muy difícil, y sigue estando muy mal mirada por la sociedad, pero no dejo de puntuar que para mí es un trabajo cotidiano, es un trabajo sexual, nada más, no tiene nada que ver ni con el amor, ni con ese tipo de historias normales y cotidianas de un ser humano hacia otro. La prostitución es simplemente un trabajo: lo hemos hecho por necesidad, no se nos daba un trabajo en ningún sitio.

P. ¿Qué opinas de la Ley Trans aprobada en febrero de 2023? Especialmente, ¿cómo valoras que la Ley Trans de 2023 eliminara la obligación de informes médicos para llevar a cabo la operación de cambio de sexo?

Yo creo que un cambio de sexo es algo que debe estar bajo vigilancia médica, por supuesto, para que vean que esa persona que se decide a tener un cambio de sexo, que lo haga correctamente y después no tenga ningún tipo de problemas mentales ni cosas por el estilo. La edad, verdaderamente yo creo que uno debe tener un conocimiento mínimo de lo que quiere hacer, que a las personas tan jóvenes se les vaya instruyendo y se les vaya ayudando con documentos y cosas por el estilo me parece muy bien, y si las familias aceptan el ir hormonándolo o hormonándola, porque ahora, gracias a Dios hay mucha visibilidad también de chicas que ahora son chicos, me alegro, ya era hora que también se visibilizaran, todas juntas somos más fuertes.

Y sobre la Ley Trans, creo que es un apoyo maravilloso para todas nosotras que los médicos te puedan recetar hormonas, que nos traten como nos sentimos; ya no digamos mujeres, porque mujeres se nace, pero al menos que nos traten femeninamente y nos ayuden como debe ser. Y verdaderamente, si pides ayuda ahora mismo, hay ayudas económicas en el país, por ejemplo, a las personas que ya tienen una edad, y las universidades ya tienen más capacidad para entender y tratar a las personas trans y darles la posibilidad de estudiar. También hay trabajos en los que hoy por hoy, gracias a Dios, ya se nos acepta.

viernes, 21 de febrero de 2025

#hemeroteca #gais #testimonios | El orgullo de Robert De Niro cuando supo que su padre era gay: "Mi madre nunca quiso hablar del tema"

Los dos Robert De Niro, Jr. y Sr., hijo y padre //

El orgullo de Robert De Niro cuando supo que su padre era gay: "Mi madre nunca quiso hablar del tema"

Robert De Niro decidió llevar a la pantalla la vida de su padre, tanto la profesional como la personal. “Era mi responsabilidad hacer un documental sobre él”, explicó el actor a la revista OUT.
Juan Arcones | Informativos Telecinco, 2025-02-21
https://www.telecinco.es/famosos/20250221/robert-niro-padre-homosexual-historia_18_014831361.html 

Robert De Niro es de las pocas leyendas vivas del cine que nos quedan. Perteneciente a esa generación del llamado Nuevo Hollywood, ese del que salieron intérpretes como Al Pacino, Diane Keaton, Jane Fonda, Jack Nicholson o Dustin Hoffman, sigue conservando su posición en la industria superada la barrera de los 80 años. Aunque su presente está lejos de las grandes obras maestras que protagonizara en la década de los 70 y 80, se ha mantenido activo en estos últimos años, estrenando ahora su primera serie, ‘Día Cero’, con un reparto en el que comparte protagonismo con Angela Bassett o Matthew Modine.

El mítico actor ganador de dos Oscar ha hecho de todo. Ha probado comedia, drama, acción e incluso el terror. Cofundador del prestigioso festival de cine independiente TRIBECA, que ayudó a revitalizar el Soho neoyorkino tras los atentados del 11S, siempre ha sido muy celoso de su vida privada, pero nunca ha rehusado comentar la actualidad, como cuando llamó “payaso” a Donald Trump. Lo que siempre ha priorizado es contar su propia historia a su manera. Sin intermediarios o sin preguntas capciosas de la prensa. Y así es como presentó el documental 'Remembering the artist' sobre su padre, Robert De Niro Sr. Un proyecto en el que le reivindicaba como parte del movimiento abstracto de finales de los 70. Y también un tema que, por desgracia, seguía siendo tabú: la homosexualidad en la madurez.

“Saqué del armario a mi padre. Sentí que tenía que hacerlo. Me sentí obligado a ello”, explicó para la revista OUT, que le dedicó la portada y un extenso reportaje. “Era mi responsabilidad hacer un documental sobre él. Siempre lo había estado planeándolo, pero nunca lo hacía”. El documental se estrenó en 2014 en Sundance (festival también creado por otro actor de su misma generación, Robert Redford), y más tarde llegó a HBO. En él conocemos la vida de Robert De Niro Sr. como artista y cómo fue su relación con su hijo, que no duda en decir que, pese a no haber tenido la típica relación de padre e hijo que jugaban juntos al béisbol (un tópico muy norteamericano), sí que “era muy cariñoso". "Me adoraba... como yo adoro a mis hijos”, alegó.

Gracias a los diarios que dejó su padre después de morir de cáncer de próstata en 1993, De Niro consiguió descubrir más sobre su figura para poder hacer un documental que honrara su carrera, que permitiera que su nombre perdurara en la historia. Lo mismo hizo con su estudio, en el Soho neoyorkino, y que ha mantenido intacto desde entonces, como si fuera una especie de museo. Pero la realidad de su padre no fue fácil, y así lo dejó claro en esos escritos en los que consideraba ser artista una aflicción, y comparaba el ser gay con ese tipo de aflicción eterna.

“Mi padre probablemente estaba en conflicto por ser gay, sobre todo siendo de aquella generación y viniendo de un pueblo pequeño. Yo no tenía ni idea. Desearía que hubiéramos hablado sobre ello mucho más. Mi madre nunca quería hablar sobre nada, y cuando tienes cierta edad, tampoco estás interesado en ello”, explicó en la entrevista para OUT. “Pero con mis hijos, quiero que se paren un momento y piensen que hay veces que tienen que hacer las cosas ahora, y no dejarlas para después. Porque quizá, ese “después” sea dentro de 20 años y será demasiado tarde”. El proyecto de De Niro, de 40 minutos de duración, sigue al actor al estudio donde trabajaba su padre, y habla sobre su arte, y sobre su relación con él. “Era mi obligación documentar la obra de mi padre para preservarla para futuras generaciones. Esta película era un sueño que tuve durante muchos años. Años que pasaron sin que hiciera nada, no sé por qué. Mi deseo es rescatar a mi padre, un hombre que era diferente, nada convencional, un artista de verdad”.

La noticia del estreno del documental ocupó titulares y programas de televisión en todo Estados Unidos. Uno de los llamados “hombres duros” del cine revelaba que su padre era gay. Y eso confrontaba a una parte de la sociedad que se burlaba (y sigue burlándose) del colectivo, por considerarlos menos hombres, menos masculinos. Así que un actor como Robert De Niro tome su altavoz y hable sobre los derechos del colectivo LGTBI siempre es bienvenido, y ayuda a resignificar el problema y la continua discriminación que sufren, ya no solo en Estados Unidos, sino en el mundo. En 2016, el actor recibió el premio Excellence in Media de la asociación GLAAD (Alianza de Gays y Lesbianas contra la difamación), y habló alto y claro contra Trump y contra leyes discriminatorias como la de Carolina del Norte, que exigía que todos los ciudadanos utilizaran los baños públicos del género que se les había asignado al nacer, en detrimento de las personas trans.

“Este tipo de leyes nos recuerda que la lucha continua, y nos desafía a seguir vigilantes y agresivos protegiendo nuestros derechos”, denunció el actor. “Estoy muy feliz de formar parte de una comunidad tan activa en esta misión. Estoy orgulloso de estar aquí”. Y, al igual que De Niro, otros actores de su generación también se han posicionado a favor del colectivo, tratando de aportar su granito de arena (y su potente altavoz) para denunciar las injusticias. Uno de ellos es Al Pacino que, recientemente, reveló que donó a diversas organizaciones benéficas LGTBI su sueldo por la película ‘A la caza’ por considerarla “explotadora con la comunidad queer”.