#hemeroteca #lgtbi #arte #museos | Inauguran los dos primeros museos londinenses dedicados a la comunidad LGBT+

El Universal / Queer Britain //

Inauguran los dos primeros museos londinenses dedicados a la comunidad LGBT+.
La apertura de estos museos forma parte de la conmemoración de los 50 años de la primera marcha LGBTQ+ de la región.
El Universal, 2022-05-04
https://www.eluniversal.com.mx/cultura/inauguran-los-dos-primeros-museos-londinenses-dedicados-la-comunidad-lgbt 

Para conmemorar el 50.º aniversario de la primera marcha anual del orgullo, se inaugurará el Queer Britain y Queercircle, las dos primeras instituciones dedicadas a la cultura LGBTTTIQA en Londres. Los organizadores señalaron que se trata de "los primeros museos nacionales LGBTQ+ del Reino Unido", en los que se exhibirán exposiciones de arte contemporáneo y muestras de archivo de artistas de la comunidad.

De acuerdo con "Artnet", Queer Britain se inaugurará mañana, 5 de mayo, mientras que Queercircle abrirá sus puertas el 9 de junio.

Para el curador Matthew Storey, “ha sido asombroso seguir el viaje de Queer Britain desde una primera idea hasta la apertura del primer museo del Reino Unido dedicado a las personas LGBTQ+", reveló en un comunicado.

Storey se encargó de la organización de la apertura de este centro cultural que albergará, en su primer muestra, obras de Allie Crewe, Sadie Lee, Robert Taylor y Paul Harfleet, ganadores del premio Queer Britain Madame, reconocimiento que premia a la creatividad queer. En su edición del 2021, la premiación prometió incluir la obra de los artistas ganadores en el proyecto museístico.

Por su parte, Queercircle a cargo de Glen Scott Wright, albergará obras del artista Issac Julien y al coleccionista Talk Art Russell Tovey. Este recinto también ofrecerá un programa para residentes. La primera muestra llevará el nombre de "Let Me Hold You", precedida por la pintora Michaela Yearwood-Dan.

“Nuestro programa es una respuesta a las necesidades y aspiraciones de nuestra comunidad, y seguimos comprometidos a escuchar y adaptarnos a esas necesidades”, dijo Ashley Joiner, fundadora y directora de Queercircle.

La concepción de ambos museos, coinciden sus organizadores, ocurre en una época en la que los recortes económicos a la educación y a los servicios de salud mental, por lo que su apertura instará a la población a buscar refugio y apoyo en estos espacios.

#hemeroteca #lgtbi #animales | 'Tour' entre animales LGTBI en Barcelona

El Periódico / 'Hay gorilas lesbianas' //

'Tour' entre animales LGTBI en Barcelona.
Gaviotas lesbianas, leones bisexuales o cisnes gais. En el mundo animal hay más diversidad que en la filmografía de Almodóvar, aunque durante siglos se haya ignorado. Este ciclo del Museo de Ciencias Naturales le pone remedio.
Abel Cobos | On Barcelona, El Periódico, 2022-03-18
https://www.elperiodico.com/es/onbarcelona/a-la-ultima/20220318/tour-animales-lgtbi-barcelona-13395860 

Que la película ‘Buscando a Nemo’ no era científicamente realista no es ninguna sorpresa. Para que lo fuera, Marlin, el padre, debería haberse convertido en mujer tras la muerte de la madre. Sí, la película eliminó unos matices trans que son muy habituales en la especie acuática, porque si la hembra de la comunidad desaparece, el macho transiciona, y uno de los peces jóvenes se convierte en el macho reproductor. Vamos, en la vida real, la historia acabaría con Nemo fecundado a Marlin, después de que este se cruzara todo el océano para encontrarlo. Sin duda, un amor transatlántico.

Pero, aunque parezca una simple anécdota, no es un caso aislado. De hecho, como mínimo, se han observado hasta 65.000 especies de animales con comportamientos ‘queer’, según cuenta Simón Perera, investigador en biomedicina y evolución humana y, junto al gestor cultural Joan Martí, comisario de Una Mirada LGTBI+ a Planeta vida, una visita guiada que revisita la biología usando la colección permanente del Museo de Ciencias Naturales de Barcelona (plaza Leonardo Da Vinci, 4-5). Este domingo, a las 12.30 h, será la próxima sesión, y el domingo, 24 de abril, a la misma hora, la última del ciclo.

“Eso sí, antes de nada, toca decir que ninguno de estos animales es gay”, comenta Simón justo al empezar. Su rol no es el de ‘bully’ del instituto, hoy no sacará del armario a nadie. Ni a la decena de animales disecados que le apuntan con la mirada. “El concepto de gay, lesbiana, bisexual, etcétera es muy moderno”, y los animales “no se identifican con él”, solo los humanos. Por eso, en este 'tour' “simplemente” cuentan una realidad científica que, a pesar de estar muy censurada, existe. Y es que “la naturaleza tiene mucha más diversidad sexoafectiva de la que creemos”.

Gaviotas lesbianas, leones bisexuales, cisnes gais o hienas intersexuales. Los animales que conforman este zoo arcoíris son muchísimos, aunque sus etiquetas siempre vayan en comillas. Pero su diversidad no solo es sexual o de género, también está presente en cómo se relacionan. “Monogamia, poliamor, poligamia, familias monoparentales... todas estas se han encontrado en el mundo animal”, lista el guía. En resumen, en la naturaleza hay tanta diversidad que hasta las unidades familiares de los filmes de Almodóvar parecerían conservadoras.

Todo este conocimiento es muy nuevo. “Hace 30 años que se investiga y solo 5 que se divulga”, cuenta Simón. De hecho, la primera vez que se encontró “un animal gay” fue durante la exploración de la Antártida, el pingüino, que tiene relaciones monógamas entre hombres y adopta a crías para formar familias homoparentales. Un hallazgo que se censuró para adaptarse a la moral de la época. Incluso más tarde, a medida que se encontraron otros animales ‘queer’, se llegó a decir que “se equivocaban de género” y hasta que eran especímenes tontos. “El discurso científico muchas veces se ha adaptado al discurso social y moral en cambio de la mostrar que la realidad es tal y como es: diversa”, sentencia Simón.

Pero el proyecto Una Mirada LGTBI+ (@unamiradalgtbi, en Instagram), no solo se aplica a la ciencia, sino que es transversal y quiere visibilizar la historia ‘queer’ que ha existido en todos los campos, a pesar de que se haya censurado. Por ejemplo, han colaborado con el Museo Europeo de Arte Moderno (Barra de Ferro, 5) y el Taller Balam (Pàdua, 25), visibilizando la diversidad sexual y de género en el arte, la cultura y la historia. Y no son las únicas intervenciones, como asegura Joan, al más puro estilo Carles Porta, ya que seguirán poniendo el foco en estas realidades ocultas colaborando con más museos y entidades científicas y culturales.

#hemeroteca #homosexualidad #exposiciones | La sexualidad de los marineros: libres en el mar, castigados en tierra firme

Ara / Una de las pocas imágenes de un beso entre mujeres del mar //

La sexualidad de los marineros: libres en el mar, castigados en tierra firme.
El Museo Marítimo explora el deseo entre los tripulantes desde el siglo XVI hasta hoy.
Sílvia Marimon Molas | Ara, 2021-06-24
https://es.ara.cat/cultura/sexualidad-marineros-libres-mar-castigados-tierra-firme_1_4031905.html

El deseo sexual entre hombres o entre mujeres ha existido siempre, tanto en tierra firme como en el mar, pero quizás arriba de los barcos todo fluía más. Cuanto menos, esta es una de las tesis que defiende la nueva exposición del Museo Marítimo, ‘El desig és tan fluid com la mar’ (‘El deseo fluye tanto como el mar’), que abrirá las puertas al público el lunes 28 de junio, el Día del Orgullo. "Eran muchos meses de aislamiento y algunos heterosexuales, que podían ser muy rígidos cuando estaban en tierra, se soltaban y buscaban o aceptaban el afecto de otros hombres", dice Víctor Ramírez Tur, el comisario de una exposición con la que el Marítimo se suma a la iniciativa de diferentes museos de Barcelona que han decidido salir del armario y abrir la puerta a narrativas de diferentes orientaciones sexuales.

Arriba de un barco no había mucha intimidad. Los marineros dormían en hamacas de lona y no tenían cabina propia, pero en medio de la oscuridad se buscaban. No hay cartas de amor, ni mensajes clandestinos, ni diarios íntimos que testimonian estos intercambios de afecto y de placer. Lo que sucedía arriba de una embarcación solo se puede saber a través de las denuncias que se han conservado en el Archivo General de Indias y, por lo tanto, es una mirada que castiga y juzga. Las imágenes que tenemos tampoco son muy amables, porque las difundieron las instituciones religiosas para atemorizar con los castigos que imponía la ley por "pecado nefando" y aparecen hombres torturados, colgados y quemados en la hoguera. Para contrarrestar este terror, el Marítimo ilustra el erotismo en las naves con los dibujos de Ariadna Veas Valdés.

No todo era consentido. Hay denuncias de acoso y abuso de poder, porque en los barcos también había jerarquías y las víctimas eran los más vulnerables y jóvenes: los pajes que embarcaban a la edad de 8 o 9 años y los grumetes, que tenían 15 o 16. "Era muy difícil denunciar estas situaciones porque eran chicos muy vulnerables e indefensos, y automáticamente se les expulsaba", dice Ramírez Tur.

La documentación recoge otros casos de experiencias placientes y consentidas entre hombres que compartían el mismo estatus. Algunos, incluso, se atrevieron a defender su libertad sexual ante los tribunales en pleno siglo XVI: "¿Me tomáis por un hereje o un hombre deshonesto y ni siquiera me permitís ir a cubierta donde todos los pasajeros forman y fornican? Permitidnos vivir nuestras vidas. Las pasajeras a bordo de la nave fornicaban de proa a popa. Dejadnos follar allá donde encontramos el espacio para hacerlo", declaró Cristóbal Maldonado el 4 de octubre de 1572. A pesar de los castigos y las amenazas, el sexo y el goce continuaron. "La homosexualidad persistió", asegura el comisario de la exposición.

Los matrimonios homosexuales, posibles entre piratas
Había una legislación paralela que era bastante más laxa y que, incluso, permitía el matrimonio entre hombres: la de los piratas. Es lo que se conocía con el nombre de ‘matelotage’, un marco legal que se desarrolló en la isla de la Tortuga en los siglos XVI o XVII y que establecía un contrato entre hombres. "No podemos garantizar que implicara relaciones sexuales reales o que fueran amables, porque a veces también era un pacto en que alguien con deudas se sometía a otro, o se hacía para garantizar la herencia de uno de los firmantes", explicita Ramírez Tur. En cambio, los colonizadores de la España imperial no eran nada tolerantes e impusieron su sexualidad heterosexual. Un grabado muestra cómo los soldados españoles tiran a los perros un grupo de población indígena pillado en plena orgía.

No es hasta el siglo XX que hay imágenes reales de marineros. La exposición muestra la literatura de Jean Genet, y fotografías de las óperas de Benjamin Britten y de las películas de Rainer Werner Fassbinder que imaginan unos marineros salvajes y los puertos como espacios de promiscuidad y vicio. Los marineros muy musculados y con grandes falos empezaron a circular en forma de postales de la mano de Tom of Finland, pseudónimo de Touko Valio Laaksonen, en los años 70. "Es una masculinidad hiperbólica, de hombres muy musculados y con uniforme, y las postales tenían un doble uso: los homosexuales las dejaban en lugares como las taquillas para comunicar su homosexualidad sin arriesgarse a ser denunciados o apaleados y para ir ocupando el espacio público de manera más tranquila y con orgullo", detalla Ramírez Tur. Ahora bien, es una estética que genera muchos problemas porque desprecia la fragilidad, la delicadeza o la vulnerabilidad. Después vino la estética kitsch de Pierre et Gilles, que llena las fotografías de marineros con dibujos de colores y fantasías florales.

'Camporosa', el barco con tripulación homosexual
Los marineros han sido una figura iconoclasta de la homosexualidad, pero lo que todavía no ha llegado es la normalidad. No hay ni un testigo de relaciones no heterosexuales arriba de un barco en pleno siglo XXI. Tampoco muchas fotografías de besos entre mujeres u hombres marineros. No podemos escuchar sus voces. Se conoce, por segundas fuentes, la historia del barco de Campsa, que entre los navegantes recibía el nombre de ‘Campo Rosa’, porque el capitán, el jefe de máquinas y parte de la tripulación eran homosexuales. Pero nadie que se embarcó en esta nave ha hablado públicamente. El Marítimo, consciente de que carecen narrativas, abre las puertas a quienes quieran explicar sus vivencias. Solo tienen que escribir un correo electrónico.

• Los museos salen del armario
• Museo de Sant Cugat del Vallès. No hemos descubierto la sopa de ajo. Es lo que quiere explicar el Museo de Sant Cugat, que propone conocer afirmaciones centenarias o milenarias sobre, por ejemplo, la homosexualidad. Es una actividad participativa que quiere hacer jugar al visitante. Por ejemplo, ¿sabría distinguir las afirmaciones medievales de las más modernas?
• Museo del Diseño de Barcelona. El Museo del Diseño de Barcelona quiere dar a conocer los cambios más radicales que, desde la perspectiva de género, se han producido en la historia de la moda desde principios del siglo XX. Aquello que antes era masculino ahora quizás es femenino o al revés, o ni una cosa ni la otra.
• Museo de Ciencias Naturales. Judith Juanhuix es doctora en Física, directora de la sección de Ciencias de la Vida y Materia Condensada del Sincrotrón ALBA, madre trans de dos hijos y miembro de la Plataforma Transforma la Salud. El Museo de Ciencias Naturales propone hablar con ella de la relación entre la ciencia y aspectos sociales como lo trans, la presencia de la mujer en el ámbito científico y la compatibilidad entre la familia y la actividad investigadora.
• Fundación Joan Miró. La Fundación Miró propone adentrarse en el universo mironiano en clave "queer". Antes de entrar en el equipamiento, sugiere escuchar un audio de la artista Blanca Arias y música de Edu Rubix para prepararse para ver almas mucho más complejas y mundos mucho más variados de los que el visitante podía imaginar a priori.
• Museo Arqueológico de Catalunya. Nada es lo que parece y a veces la educación o la sociedad en la que vivimos nos hacen hacer atribuciones equivocadas. A principios del siglo XX, se encontró en Empúries una cabeza romana de mármol de facciones muy finas. Inicialmente se concluyó que tenía que ser una representación de Afrodita, pero ahora se cree que es Apolo. El MAC propone reflexionar sobre los cánones y las etiquetas de género, visitar la pieza original en el Museo de Arqueología de Catalunya y llegar a nuevas conclusiones.
• MNAC. El Museo Nacional de Arte propone recorrer sus salas con otra mirada y reinterpretar una selección de obras, extrayendo conceptos, iconografía y vivencias vinculadas al arte 'queer', como por ejemplo la experiencia del calvario ligada a las vivencias del VIH y el sida, la sexualidad fluida de los ángeles, o la figura de San Sebastián como icono gay.
  

#hemeroteca #mujeres #arte | Una 'performance' en la Estación del Arte del metro de Madrid para denunciar que (casi) todos los artistas expuestos son hombres

Imagen: El Diario / Perfor de Yolanda Domínguez y Herstóricas

Una 'performance' en la Estación del Arte del metro de Madrid para denunciar que (casi) todos los artistas expuestos son hombres.
La artista Yolanda Domínguez y la asociación Herstóricas denuncian que la exposición que empapela la antigua estación de Atocha presenta las obras de 31 varones frente a 2 mujeres.
Patricia Gea | El Diario, 2021-04-19
https://www.eldiario.es/cultura/perfomance-estacion-arte-metro-madrid-denunciar-senores_1_7835952.html 

Varias decenas de mujeres con camisetas blancas y obras de arte impresas en ellas han tomado los andenes de la llamada 'Estación del Arte' del Metro de Madrid (antes Atocha) este lunes por la tarde. Con la consigna “Metro Madrid las artistas están aquí”, han denunciado el sesgo sexista que invisibiliza a las pintoras en una parada de metro dedicada precisamente a dar a conocer el trabajo de grandes artistas de la historia. Y es que la estación está decorada con el rostro y las obras de 31 artistas hombres frente a dos artistas mujeres. Un sesgo que, en palabras de la artista Yolanda Domínguez, “no puede pasar inadvertido en pleno siglo XXI”.

La semana pasada, Domínguez se preguntaba en Twitter por qué en la exposición que empapela las paredes de la Estación del Arte del metro de Madrid apenas hay mujeres artistas representadas. En concreto, supo más tarde, dos nombres femeninos frente a treinta y uno masculinos, "una evidente desigualdad". Decidió entonces movilizarse y en tan solo unos días ha organizado una perfomance reivindicativa, en colaboración con Herstóricas, que este lunes por la tarde ha congregado a casi cien personas que respetaban la distancia de seguridad en los andenes de la estación.

Las asistentes han llevado plasmadas en camisetas las obras que los museos participantes en la exposición, el Thyssen, el Prado y el Reina Sofía, han olvidado sacar a relucir en lo que nació con la intención de ser “una muestra con las obras más representativas de los mejores museos, una ventana al arte para los viajeros” que llegasen a la ciudad, escribe Metro Madrid en su web. Caravaggio, El Bosco, Velázquez, Degas, Manet, Goya, Miró, Sorolla, Picasso, Dalí, entre otros genios de la pintura decoran los pasillos, los andenes y los vestíbulos de la transitada estación. Pero 'las genias' no están. En la propuesta inicial, fruto de la firma de un convenio entre el Metro de Madrid, dependiente de la Comunidad, y los tres museos mencionados, se presentó una selección de treinta y seis piezas, doce de cada colección. La muestra actual recoge treinta y tres, de las que solo dos, propuestas ambas por el Reina Sofía, están firmadas por mujeres, Eulàlia Grau e Isabel Steva, "Colita".

Hay sin embargo suficientes nombres femeninos en los más destacados museos madrileños como para dar cobertura completa a la exposición. Y esa es la propuesta que han trasladado las organizadoras de la performance, con todos y todas las que se han querido sumar voluntariamente al acto simbólico. “Pedimos a la Comunidad de Madrid y a los Museos Nacionales que se involucren activamente en la lucha por la igualdad, comprometiéndose a la revisión de la muestra y realizando un cambio en ella”, demandan.

"Ya que no nos tienen muy en cuenta, traemos una propuesta muy concreta de treinta y seis nombres de autoras que pertenecen actualmente a las colecciones del Thyssen, el Prado y el Reina Sofía". Frente a los enormes murales que recrean el 'Jardín de las Delicias', o la 'Pradera de San Isidro', 'Los chicos en la playa', 'El rostro del gran masturbador,' o el 'Guernica', hoy se han superpuesto las obras de Alexandra Exter, Ángeles Santos, María Blanchard, Remedios Varo, Artemisa Gentileschi, Esther Boix, y treinta mujeres más que podrían compartir protagonismo en el andén de Estación del Arte con sus compañeros varones, pero que han tenido que ser llevadas impresas en camisetas por otras mujeres artistas. Yolanda Domínguez expresa que la intención es “hacer presencia” para que se reconozca el “marcado sesgo de género” con el que se ha realizado la selección de las obras. “La cultura no es solo entretenimiento, también genera patrones de conducta y sirve como mapa visual que jerarquiza la sociedad”.

El convenio de la exposición tiene una duración de dos años, tras los cuales se puede acordar su prórroga por un periodo adicional de dos más. “Por lo tanto es algo reversible, se pueden realizar nuevas selecciones que sean paritarias”, propone la artista. Y lamenta “constatar que aunque se ponen en práctica algunas iniciativas que visibilizan a las mujeres, no hay realmente una conciencia en el día a día ni en la mayoría de decisiones, donde es necesaria una perspectiva feminista que no se tiene”. Destaca, además, el hecho de que en los tres años de vida del proyecto ubicado en una de las estaciones más transitadas de Madrid, nadie haya caído en la cuenta de esa ausencia femenina. “La sociedad está acostumbrada a que no haya obras de mujeres, se presenta como lo normal, pero no lo es".

Lista de 36 mujeres propuestas en la performance
Alexandra Exter ('Naturaleza Muerta'), Ángela García Codoñer ('Tetapop'), Ángeles Santos ('Tertulia'), Angelica Kauffmann ('Anna Escher von Muralt'), Artemisa Gentileschi ('Nacimiento de san Juan Bautista'), Berthe Morisot ('Pastora desnuda tumbada'), Clara Peeters ('Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre'), Delhy Tejero ('Labradora de Toro. Mujer con guindas'), Esther Boix ('Dona que frega i els fills tancats'), Francis Bartolozzi, "Pitti", ('Dama vestida de rosa'), Gabriele ('Münter Autorretrato'), Georgia O’Keeffe ('Calle de Nueva York con luna'), Gerda Taro, "Gerta Pohorylle", ('Loyalist Militiaman, Aragón Front'), Helen Frankenthaler ('Parets'), Isabel Oliver ('Feliz Reunión'), Julia Alcayde Montoya ('Frutas'), Kati Horna ('S/T', Vélez Rubio, Almería), Liuvob Popova ('Arquitectura pictórica'), Louise Moillon ('Bodegón con frutas'), Louise-Elisabeth Vigée-Lebrun ('María Cristina Teresa de Borbón'), Lucia Anguissola Pietro Manna, ('Médico de Cremona'), María Blanchard ('Mujer con abanico'), Marietta Robusti Tintoretta ('Dama Veneciana'), Maruja Mallo ('La Verbena'), Nadeshda Udaltsova ('Cubismo'), Natalia Goncharova ('Pesca. Pescadores'), Norah Borges, ('Personaje en un jardín o La Anunciación'), Olga Rozanova ('Hombre en la calle. Análisis de volúmenes'), Remedios Varo ('Modernidad'), Rosa Bonheur ('El Cid'), Rosario Weiss ('Los duques de San Fernando de Quiroga'), Roser Bru ('Made in Spain'), Sofonisba Anguissola ('Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II'), Sonia Delaunay Dubonnet Tarsila do Amaral ('A familia'), Varvara Fedorovna Stepanova ('Jugadores de billar').

#hemeroteca #patrimonio | El Museo Británico, en jaque por los reclamos de los países que piden que les devuelvan sus reliquias robadas

Imagen: Clarín / Moái en el Museo Británico

El Museo Británico, en jaque por los reclamos de los países que piden que les devuelvan sus reliquias robadas.
Varias naciones exigen la restitución de obras de arte que la Corona se llevó en tiempos coloniales. Un moái de la Isla de Pascua, entre las piezas robadas.
Clarín, 2021-03-25
https://www.clarin.com/internacional/museo-britanico-jaque-reclamos-paises-piden-devuelvan-reliquias-robadas_0_7OdVPhPjr.html 

El Museo Británico de Londres, Reino Unido, es uno de lo más visitados del mundo. Suele recibir hasta seis millones de visitantes al año en una temporada normal. Pero este lugar, que tiene una de las colecciones más fascinantes de objetos de la historia de la humanidad provenientes de todas partes del mundo, fue puesto en jaque debido al origen de estos tesoros.

Es que, según el canal de televisión público alemán, ‘Deutsche Welle’, la institución inglesa contrató a una especialista que estudiará el origen de la colección de sus objetos, ya que muchos de los elementos que allí se exponen pasaron a formar parte del ‘British’ luego de la expoliación en el periodo colonial. Y esto abre una puerta a la esperanza para que se puedan realizar algunas devoluciones en el futuro. Es que varios gobiernos habían comenzado a realizar pedidos formales para la restitución de ciertas piezas históricas.

Isabel MacDonald es la encargada de revisar los ocho millones de piezas acumuladas en el Museo Británico: muchas de ellas están en galerías subterráneas y no todas están a la vista del público.

Mientras que los mármoles del Partenón son reclamados por Grecia, La Piedra de Rosetta forma parte de un litigio con Egipto. Pero también están en juego objetos obtenidos en incursiones militares en África, piezas saqueadas en China, Oceanía y la Isla de Pascua.

Los moáis de la Isla de Pascua
Este archipiélago forma parte de uno de los casos más resonantes, debido a la insistencia por la restitución de un majestuoso moái. El Gobierno de Chile inició gestiones en 2018 para lograr que el tesoro de más de mil años de antiguedad -y 2,4 metros de alto- retorne al lugar de donde fue sacado, en 1868.

El Hoa Hanakananai pesa 4 toneladas y esta esculpido en basalto. Se encuentra en la sala 24 del Museo Británico luego de una de las incursiones de Richard Powell, que llegó a Rapa Nui en el siglo XIX y luego de participar en las ceremonias locales e intercambiar objetos con los lugareños, mandó a sus hombres a revistar el lugar para ver si encontraban algo valioso para llevarse.

De esta manera, la impresionante escultura llegó a Portsmouth, Inglaterra, en la cubierta de la fragata Topaze. Powell se lo regaló a la reina Victoria y ésta decidió pasarlo al Museo Británico.

Si bien el trabajo de la curadora MacDonald no determinará la devolución de los tesoros a sus respectivos lugares, los países reclamantes deberán estar atentos a los resultados de su investigación ya que podría abrir una puerta a futuro para concretar posibles restituciones.

Los otros reclamos
A la demanda chilena se le suma la de Grecia, que exige la devolución de las esculturas del Partenón tomadas por Lord Elgin, embajador británico ante el Imperio Otomano. El diplomático llevó los "Mármoles de Elgin" (como son conocidos en Inglaterra) desde Atenas a Gran Bretaña a principios del 1800. Las piezas de mármol son expuestas desde 1939 en el ‘British’.

Por su parte, el Gobierno de Tayikistán le reclama al Museo Británico el tesoro de Oxus, una colección de 170 piezas de metalurgia trabajadas en oro y plata que datan entre el 550 a.C. y el 330 a.C. Las reliquias llegaron a Londres luego de que un anticuario las comprara en 1897 en Pakistán y las donara al museo.

Armenia y China también tienen su lugar en esta historia: exigen la devolución de la cabeza de bronce de la diosa pagana Anahid (descubierta en 1872 en Sadak, hoy territorio turco) y varias cajas repletas de reliquias budistas, manuscritos y otros tesoros (incluyendo el Sutra del Diamante; el libro más antiguo que existe), respectivamente.

Finalmente, la Piedra Rosetta es una de las piezas estrella de la colección egipcia de dicho museo (y fundamental para descifrar los jeroglíficos). Es reclamada por Egipto desde 2003. Hasta ahora, solo consiguieron que el Reino Unido les envíe una réplica de esta pieza que es exhibida desde 1802 y actualmente se encuentra en la sala 4.

Francia y Holanda, distintos
Mientras que en el Reino Unido la idea de devolver parte de su colección parece aún lejana, Francia tomó otra iniciativa. El Senado galo decidió devolver 27 piezas a Senegal y Benín a fines de 2020 en el marco de un programa que busca restituir dicho acervo a sus países de origen.

Sin embargo, Etiopía todavía le pide a Francia que devuelva más de 3 mil objetos y Chad reclama otros 10 mil. Para tener en cuenta, solamente en el Museo del muelle Branly - Jacques Chirac hay 70 mil objetos africanos.

Así las cosas, Holanda anunció una política parecida. Se trata de la investigación de 450 mil piezas para poder restituirlas a sus lugares de origen (ahora se exhiben en el Museo Nacional de Amsterdam). Entre ellas, una de las más importantes es el diamante de 70 quilates que perteneció al sultán de Banjarmasin.

#hemeroteca #saludpublica #museos | El museo del futuro se despide de las exposiciones de masas

Imagen: El País / 'Visitando' la Gioconda en el Louvre, 2015

El museo del futuro se despide de las exposiciones de masas.
La crisis sanitaria transformará la vida de las instituciones de arte, que tendrán que aprender a vivir con una drástica caída de ingresos por la venta de entradas.
Peio H. Riaño | El País, 2020-04-14
https://elpais.com/cultura/2020-04-13/el-museo-del-futuro-se-despide-de-las-exposiciones-de-masas.html

Nadie sabe cómo será la reapertura de los museos cuando pase la crisis sanitaria de la Covid-19, pero todos coinciden en que nada será como antes. En el futuro vaticinado por los responsables de estas instituciones no hay “taquillazos”. No habrá lugar para salas abarrotadas como la de El Bosco, en el Prado, Dalí, en el Reina Sofía, o Leonardo, en el Louvre. “En el mundo post-Covid los museos dejarán de ser objetivo del turismo masivo y los indicadores de éxito serán menos cuantitativos y más cualitativos”, apunta Ana Botella, dedicada a la investigación sanitaria en la Wellcome Trust del Reino Unido, que propone cerrar los museos al menos tres meses y reactivar de manera gradual.

La vuelta no va a ser fácil. Los hábitos de higiene han alterado las pautas sociales y disparado el miedo. “Es una crisis de salud, pero también una crisis existencial que va a provocar cambios fundamentales en nuestro estilo de vida. No tiene sentido seguir con las mismas prácticas museológicas (en las exposiciones, los programas públicos o la educación). Debemos replantearlo todo. No dejo de preguntarme cómo reabrir y contribuir de manera relevante a las necesidades sociales”, añade Botella.

Las alteraciones socioeconómicas van a transformar las condiciones materiales que han sustentado un modelo internacional colapsado. Será difícil volver a atraer público al museo: “Llevará un tiempo convencerlo de que acepte encerrarse durante dos horas en un espacio junto a gran número de gente”, sostiene María López-Fanjul, conservadora de los Museos Nacionales de Berlín. Para el día de la reapertura pide endurecer las exigencias sanitarias ante el contacto entre el público y el personal, y un aforo limitado (por higiene y por tranquilidad). “Seguramente estemos viviendo el fin de la tiranía de los récords de números de visitantes, a favor de una experiencia museística centrada en el bienestar del público”, cuenta la especialista.

Museos sin turistas
Es un cambio real, que obliga a reconsiderar las prioridades hacia el desarrollo de la comunicación virtual y de lo local. María López-Fanjul espera que se refuerce la idea de que la cultura no es ocio y los museos “lugares de esperanza, cuyas obras de arte cuentan infinitas historias de superación y supervivencia”. Miguel Zugaza, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, adelanta que habrá que esforzarse en “explicar una vez más por qué el arte es tan relevante y necesario para la sociedad, como terapia o tan solo para tratar de entender el mundo y sus crisis. Este debe ser el centro de la reflexión”, incide. Zugaza cree que “los museos turísticos se resentirán sin duda a corto plazo, pero seguramente les ayudará a reencontrarse con su alma más pura, alejada de los intereses mercantiles y materiales”.

La dirección del Museo del Prado explica que el 60% de sus visitantes son turistas internacionales y reconocen que es un colectivo que se va a reducir “dramáticamente”. Además, la situación española de incertidumbre y parón económico “va a suponer un tremendo problema de gestión, porque la venta de entradas es la primera fuente de ingresos del museo”. El gasto social cerrará el grifo y volverán a gestionar la escasez. Solo el Museo del Prado aplicó un plan de salvaguarda contra el Covid-19, un día antes del cierre: control de aforos ante los cuadros más populares y rebaja a 500 el número de entradas gratuitas, un recorte cercano a los 3.000 visitantes. Fue peor, porque el museo se vació, en una imagen inusual que podría repetirse en la reapertura. La merma de taquilla saldrá muy cara a los museos: el Prado recaudó 19,4 millones de euros, en 2018. Es el 75,5% del total de ingresos propios (25,6 millones de euros). Es decir, en tres meses de parón perdería más de 5 millones de euros solo en taquilla.

Debacle económica
La presidenta y directora ejecutiva de la American Alliance of Museums, Laura L. Lott, ha puesto cifra a la debacle económica: los museos de EE UU pierden al día 33 millones de dólares (30,6 millones de euros). La semana pasada, el MoMA de Nueva York, uno de los museos más ricos del mundo, notificó a sus educadores un mensaje demoledor: “Pasarán meses, si no años, antes de que podamos volver a los niveles de presupuesto y operaciones para requerir los servicios de los educadores”. La dirección ha despedido a todos.

“Quizá la ‘normalidad anormal’ que llegue será una oportunidad para ahondar en la sostenibilidad de los museos, para la mejor preservación de los bienes y mejor calidad de la experiencia de los ciudadanos”, cuenta a este periódico Pilar Fatás, directora del Museo Nacional de Altamira. “La sostenibilidad es un término contrario al consumismo cultural masificado de los últimos años”, añade Fatás. Cree que tardaremos en recuperar los hábitos, pero nada será como lo entendíamos antes de esta crisis. Los irremediables cambios sociales van a provocar “nuevos modelos de visitas”. “En el Museo de Altamira, por ejemplo, la necesidad de conservación de la cueva trasciende el hecho de visitarla”, añade. La directora de Altamira avanza que la nueva situación económica mermará “ostensiblemente” los presupuestos de las instituciones públicas. En el Ministerio de Cultura no han cuantificado las pérdidas a las que se enfrenta el sector y recuerdan que corresponderá a las autoridades sanitarias certificar la reapertura de la actividad y entonces será cuando estudien un plan de acción.

Nuevas exposiciones
El gerente del Museo Nacional Thyssen, Evelio Acevedo, prefiere no concretar cómo compensarán la pérdida de los ingresos en taquilla, pero cree que la organización de las exposiciones tradicionales implicará “algunas dificultades adicionales a la hora de conseguir préstamos y movilizar obras, pero no se puede esperar un cambio radical en el modelo expositivo”. Frente a esta opinión, Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, cree que “habrá que reflexionar sobre nuevos modelos museísticos”. “Quizás haya que plantear las muestras de otro modo, pensar más en la investigación”, subraya. El intercambio de obra internacional, con España e Italia como capitales del patrimonio europeo y los países con más infecciones del continente, alterará la política de las exposiciones temporales.

“Habrá un cambio en la experiencia estética, ya que el tipo de relación con el público será distinta. También cambiarán nuestras prácticas artísticas, formas de producción y relación”, cuenta Borja-Villel. Cree que esta situación derivará, “al menos temporalmente”, en la desaparición del museo como objetivo turístico: “Pasará mucho tiempo hasta que el visitante vuelva a tener confianza y poco a poco comience a viajar o a moverse como hacía hace unas semanas”, añade.

Pepe Serra, director del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), está convencido de que la pandemia acelerará la crisis de “la carrera absurda por las audiencias, con grandes exposiciones de muy alto coste y corta duración, pensadas para atraer al público de forma puntual”. Un modelo “claramente cuestionable”. “Se puede plantear un museo con otro tempo. Un lugar que es ante todo servicio público y debe servir a todas y todos. Esta crisis es una lección sobre la fragilidad de un modelo de capitalismo”, indica Serra, que señala cómo la potencia y la fortaleza ciudadana ha salido reforzada.

Reapertura sana
El Museo Reina Sofía ha planteado medidas higiénico-sanitarias preventivas para garantizar la seguridad de los visitantes y de los trabajadores para la reapertura. Incluyen el control del aforo por cada sala y un metro entre los visitantes en la fila de las taquillas. Esto alterará el uso de espacios abarrotados como el Palacio de Cristal, en el Retiro. También señalan que se entregarán equipos de protección individual a los trabajadores del Museo Reina Sofía y se desinfectarán las instalaciones. Habrá líquido desinfectante en todos los aseos y se estudiará la posibilidad de reforzar el servicio de enfermería.

#hemeroteca #museos #arte #mujeres | Peio H. Riaño: "El Museo del Prado está lleno de violaciones que no vemos"

Imagen: Público / Peio H. Riaño

Peio H. Riaño: "El Museo del Prado está lleno de violaciones que no vemos".
Juan Losa | Público, 2020-03-10
https://www.publico.es/entrevistas/peio-h-riano-museo-prado-lleno-violaciones-no-vemos.html

"Me gusta pensar que este libro es una investigación llevada a cabo por un historiador del arte, escrita por un periodista, fruto de la indignación de un ciudadano", así resume el periodista Peio H. Riaño ‘Las invisibles. ¿Por qué el Museo del Prado ignora a las mujeres?’ (Capitán Swing, 2020), un ensayo en el que pasa revista al legado patriarcal que se ha ido perpetuando en la principal pinacoteca del país.

Propone en 'Las invisibles' una mirada crítica a un relato patriarcal de la historia del arte que, asegura, impregna el Museo del Prado. ¿En qué momento se configuró ese discurso?
Surge en plena emergencia feminista a mitad del siglo XIX, eran tiempos en los que había que enterrar a la mujer porque parecía ganar protagonismo y autonomía. Se impuso una narración que las invisibilizaba y privilegiaba al hombre.

Me quiere sonar esto...
Es que esa misma contraofensiva por parte de la ultraderecha la estamos viviendo ahora. Lo que sucede es que la ultraderecha de entonces estaba mucho mejor posicionada y copaba con su pensamiento retrógrado toda la cúpula cultural de este país. Así es como se puso en marcha un rodillo narrativo desde esa intelectualidad que impregnó todas las artes plásticas. El Prado contiene los vestigios de una sociedad indecente, pero el problema no es ese, el problema es que estos vestigios no están neutralizados, de modo que parece que el museo está dando por buena la propaganda del siglo XIX.

¿Lleva el Prado dos siglos de retraso?
Así es, tenemos un museo del XIX, gestionado por gente del XX, para un público del XXI, urge que este museo tenga una narración propia de nuestro siglo, no podemos seguir leyendo cosas inconcebibles como llamar a una violación ‘mancillar’, ‘sorprender’ o ‘raptar’. No podemos no señalar un feminicidio cuando lo hay, la salas del Prado están llenas de imágenes de violaciones que no vemos. Estamos ante un museo que actúa con vetos parentales sobre el ciudadano del siglo XXI, no se puede construir una institución pública con palabras prohibidas. Por eso es importante que llamemos violación a lo que es una violación y quien esté en contra se definirá en su rechazo, definiendo también al propio museo.

¿Qué propone entonces?, ¿rerelatar el museo?
No tenemos otra opción. El Museo del Prado tiene pendiente llevar a cabo un ejercicio de contexto, pero cuando se plantean aspectos como los de retitular o reescribir las cartelas, se cae siempre en el mantra de que no podemos mirar el pasado con los ojos del presente. No pretendo cambiar el relato de lo que hizo Rubens, lo que quiero es saber por qué pintó lo que pintó, conocer las condiciones económicas, sociales y políticas que activan ese cuadro, que actúan sobre él. No podemos pensar que el museo es un lugar que surge de la neutralidad, porque no es así. De hecho, no podemos decir que necesitamos que el museo se politice porque ya lo está, lo que se tiene que hacer es repolitizar, no olvidemos que el Museo del Prado está cuajado en una ideología de hace doscientos años, una ideología que sigue justificando y legitimando.

¿Cómo se articula eso?, ¿modificando las cartelas?
Por ejemplo. Si el título que aparece junto al cuadro no es el original, se cambia, a fin de cuentas se han cambiado decenas de veces, y si el titulo es el original, se respeta pero se cuenta por qué y quién lo autorizó y qué se pretendía. El arte no es inocente, nos creemos que venir al museo es una experiencia de deleite inofensivo, pero el arte es peligroso. Puedes disfrutar de la belleza de la materia, pero la materia no se ha construido sin el materialismo, de modo que para entender cómo se logró una pincelada es importante conocer un poco la biografía de quien la hizo. Pero parece que eso no interesa mucho.

De ahí lo que usted denomina la "salsarrosización" del museo…
Precisamente lo que busco utilizando un término pop es reclamar algo que lo pop no reclama; la necesidad de politizar la historia. ‘Salsarrosizar’ la historia es contemplar un museo desde el punto de vista de lo naíf, parece que hoy día prima la contemplación del arte desde un estadio casi televisivo, en el que nada te haga daño. Creo que es importante acabar con esa figura de mero espectador en pro de un ciudadano que cuestione lo que ve.

Hay también un cierto ensimismamiento en la belleza, como si la obra de arte fuera ajena a su tiempo.
Y eso es porque el Museo del Prado no construye más allá de la pincelada, lo que ha terminado por expulsar a las mujeres de sus salas. No en vano esa pincelada sólo es propia del genio y este, a su vez, se lo debe todo a un determinado canon al que las mujeres no podían acceder porque no tenían la posibilidad de formarse y profesionalizarse. Por eso considero que hablar de genio en pleno siglo XXI es un anacronismo ridículo que expulsa a la mujer de las artes.

Por no hablar de la poca inversión en arte hecho por mujeres, ¿es una cuestión de escasez o de falta de interés?
Es una cuestión de que el dinero sigue siendo propiedad de los hombres. Es demencial que en el Prado en los últimos diez años se haya invertido en compra de obra de mujer 70.000 euros, lo que contrasta con los 30 millones que se han dejado en obras de hombres. Es demencial que hayan comprado obra de más de 120 hombres y sólo de tres mujeres. Es probable que el museo se haya gastado más dinero en la lona que ha colgado de las columnas de la entrada de Velázquez para celebrar el 8M, que en la compra de obra de mujeres artistas en la última década.

¿Cuándo se cae usted del burro, Peio?, ¿cuándo decide poner el foco en los silencios del Prado?
Siempre he tenido una conciencia de clase muy acentuada pero es a partir del 15M cuando entiendo que debía de asumir unas responsabilidades como profesional que en muchos casos no se educan. Desde entonces entiendo la realidad desde un suceso político, y ese compromiso ha derivado desde aproximadamente cinco años en una pregunta básica que no dejo de hacerme y que consiste en tratar de saber de qué modo puedo dejar de ser machista.

Lo que le ha llevado a convertirse en un "converso"...
Reverte tiene toda la razón; yo soy un converso, y te diré más, quiero ser un converso, quiero abandonar mi machismo y ser un hombre situado en nuestro siglo. Creo que cuando Reverte utiliza ese término como insulto se define muy bien como un machista que no quiere dejar de serlo. Yo no creo en el término aliado, creo que en el término converso, las mujeres a mí no me necesitan para nada, yo no pretendo hacer nada por ellas que no puedan hacer ellas solas.

#libros #mujres #arte | Las invisibles : ¿por qué el Museo del Prado ignora a las mujeres?

Las invisibles : ¿por qué el Museo del Prado ignora a las mujeres? / Peio H. Riaño ; prólogo de Lara Moreno.
Madrid : Capitán Swing, 2020 [03-02]
192 p.
/ ES / ENS / Libros / Mujeres – Historia / Mujeres en el arte / Museo del Prado / Museos / Patriarcado
📘 Ed. impresa: ISBN 9788412135411 / 17,00 €

[.es] El Prado es todavía, doscientos años después, una institución en la que se silencia y se excluye a la mujer. A las artistas y a las visitantes: todas invisibles y todos ciegos ante la ausencia de la voz y la experiencia femeninas. ¿Por qué el Museo Nacional del Prado ignora a las mujeres? En las salas del referente español y en las del resto de instituciones internacionales, el relato que se alaba en el siglo XXI es el mismo con el que el siglo XIX contó el mundo y construyó sus intereses. Cuadro a cuadro, este libro revisa el legado patriarcal que ha llegado hasta nuestros días, aunque hoy lo señalemos como injustificable y rechacemos cualquier práctica que amplíe la brecha entre hombres y mujeres. Esta no es una historia del arte tradicional: es una guía contra las ausencias, las vejaciones, los eufemismos, los silencios y tergiversaciones que han hecho desaparecer a la mitad de la población, con una violencia soterrada y a la vista. Y esta es también una historia contra la ceguera, una narración sobre las condiciones políticas y sociales que determinan la creación artística y privilegian a ellos sobre ellas. Es el momento, ante el auge de los fascismos, de que los museos asuman sus responsabilidades y pasen a ejercer una práctica de pensamiento crítico, y se nieguen a dar por sentado el marco del menosprecio y la desigualdad.

#hemeroteca #patrimonio | El juez ordena que el obispo de Lleida entregue al de Barbastro-Monzón 111 obras de 43 parroquias

Imagen: El País / Frontal de Sant Hilari de Buira

El juez ordena que el obispo de Lleida entregue al de Barbastro-Monzón 111 obras de 43 parroquias.
La primera sentencia civil del conflicto que enfrenta a las dos diócesis desde 1995 desestima en su totalidad los argumentos del obispado catalán y del Consorcio del Museo de Lleida.
José Ángel Montañés | El País, 2019-12-11
https://elpais.com/cultura/2019/12/11/actualidad/1576055806_940137.html

Nuevo triunfo en los juzgados de los intereses aragoneses frente a los catalanes. El juez ha dado la razón a la demanda interpuesta por 43 parroquias de la Diócesis de Barbastro-Monzón frente a la Diócesis de Lleida en la que reclama 111 piezas depositadas en el museo de la ciudad. El juez ordena en una sentencia dada a conocer este miércoles por el Tribunal Superior de Justicia de Aragón la inmediata devolución de estos bienes a las parroquias de la Diócesis de Barbastro-Monzón, después de estimar íntegramente la demanda presentada por el obispado que representa a las 43 parroquias (Bafaluy, Buira, Roda de Isábena, Ardanué, Benavente de Ribagorza, Egea, Fraga, Monzón y Tamarite de Litera, entre ellas), y desestimar en su totalidad las demandas presentadas por el Obispado de Lleida y por el Consorcio del Museo de Lleida, de las que absuelve al obispado oscense.

Esta resolución abre un nuevo frente a favor de las aspiraciones aragonesas, tras el incumplimiento reiterado del Obispado de Lleida de las sentencias de los tribunales eclesiásticos, que desde que comenzó el conflicto en 1998, tres años después de que un centenar de parroquias aragonesas pasaran a formar parte de la recién creada diócesis de Barbastro-Monzón, siempre han ordenado la devolución de los bienes. La sentencia llega después de varios meses de espera del juicio que sentó en el banquillo hasta a tres obispos en mayo pasado en el Juzgado número 1 de Barbastro y que ha generado 36 tomos con 25.000 folios donde se han incorporado 1.017 documentos.

En la sentencia se estima íntegramente la demanda principal formulada por los representantes del Obispado de Barbastro-Monzón y por el Gobierno de la Comunidad de Aragón frente al Obispado de Lleida, el Consorcio del Museo de Lleida y la Generalitat de Cataluña. El juez declara “que cada uno de los bienes reseñados en el hecho primero de la demanda principal son propiedad de cada parroquia respectiva, de las que proceden, y que deben ser devueltos de forma inmediata a las mismas por mediación del Obispado de Barbastro-Monzón en su sede social”.

El magistrado da por buenos los argumentos presentados por los abogados de obispado y el Gobierno de Aragón en el sentido de que las piezas "fueron cedidas sucesivamente en depósito al Obispado de Lleida, quien posteriormente las depositó en el Museo de Lleida Diocesano y Comarcal, antiguo Museo Diocesano de Lleida", y no a los de la parte leridana que intentaron demostrar durante la vista celebrada en mayo que todas estas piezas eran propiedad del Obispado de Lleida después de que fueran adquiridas a cada una de las parroquias.

Entre los informes que aportó la parte catalana, una tesis doctoral en la que se incluían los títulos de compraventa firmados por el obispo leridano Josep Meseguer y los párrocos de las iglesias; información que no ha convencido al juez que ha asegurado que el Museo de Lleida no ha podido aportar "títulos concretos de compraventa, permuta o donación" y, por lo tanto, estos bienes no estaban en el museo leridano tras "ningún negocio de compraventa", pese a que el juez si que reconoce que hubo dinero de por medio.

Durante la vista del juicio, el Obispado de Lleida ya reconoció que no tenía título de propiedad de 28 de las piezas, si bien hizo valer el derecho de usucapión, posesión a lo largo de los años de un bien, para su adquisición.

El juez también da la razón al Obispado de Barbastro-Monzón para poder reclamar las piezas en nombre de las parroquias, algo que se cuestionaba desde Lleida y tiene en cuenta acuerdos firmados entre los dos obispados en 2008 y 2017 en los que el de Lleida reconocía la propiedad del de Barbastro-Monzón sobre las obras.

Según el magistrado, los objetos son "bienes preciosos" al tener "un valor notable por razón de arte, de la historia o de la materia", según establece el Código de Derecho Canónico. Por eso, para la enajenación de estas piezas era necesario desde 1893 la autorización de la Santa Sede y desde 1923 la autorización del Ministerio de Justicia, cosa que no se produjo.

Con todo, la "sentencia no es firme y cabe interponer recurso de apelación ante este juzgado en el plazo de 20 días desde su notificación para su resolución ante este juzgado". A la vista de lo ocurrido en otros conflictos abiertos se da por seguro que las partes catalanas usarán esta posibilidad. Ya ocurrió en el caso de las piezas depositadas tanto en el MNAC como en el Museo de Lleida del monasterio de Sijena, así como las pinturas murales de la sala capitular de este monasterio que se exhiben en el MNAC de Barcelona.

Tras conocerse la sentencia, una de las primeras reacciones ha sido la del presidente de Aragón Javier Lambán, que ha reclamado que la entrega se produzca "de manera inmediata". El presidente aragonés espera que "esta vez la sentencia se ejecute sin tener que recurrir a los extremos de la otra ocasión", aludiendo a la entrega de los 44 bienes depositados en el Museo de Lleida pertenecientes al monasterio de Sijena que se devolvieron después de que el juez enviara a las fuerzas de seguridad al museo en diciembre de 2017 para llevárselas. "La sentencia ha sido una alegría, no por esperada menos emocionante. Espero que la política catalana no anime a incumplir la sentencia", ha añadido.

También ha expresado su satisfacción el obispo de Barbastro-Monzón, Ángel Pérez, "por el deber cumplido" y por "haber podido defender a los más débiles, los 43 pueblos que tenían el retenido su patrimonio". Sus abogados han anunciado que ante el recurso que previsiblemente realizará el obispado de Lleida que pedirá la ejecución provisional de la sentencia. "Sería una doble victoria, para no esperar sine die una sentencia firme".

A primera hora de la tarde, el Museo de Lleida confirmó que recurrirá "hasta el final" la entrega de las obras. Lo ha anunciado la consejera de Cultura Mariàngela Vilallonga en una rueda de prensa conjunta junto al alcalde de la ciudad, Miquel Pueyo, el obispo de Lleida, Salvador Giménez, y el director del museo, Josep Giralt, después de valorar conjuntamente la sentencia.

Los otros litigios abiertos
Pese a que Aragón ha ido ganando todas las demandas interpuesta en los juzgados desde que comenzó el conflicto por los bienes de la iglesia aragonesa depositados en museos catalanes tras la segregación de 1995, ninguna de ellas es firme y están recurridas a instancias superiores. Estos son los otros dos litigios patrimoniales:

1. Por las piezas depositadas en el Museo de Lleida y en el MNAC. En abril de 2015 el Juzgado número 1 de Huesca resolvió a favor del Gobierno de Aragón y el Ayuntamiento de Sijena anulando las ventas de 97 piezas que las monjas hicieron a la Generalitat y al MNAC en diferentes años, después de irse a vivir a Barcelona. La sentencia está recurrida ante el Supremo desde enero de 2018. Las piezas permanecen depositadas por orden del juez en el monasterio. Las 53 del MNAC fueron entregadas en julio de 2016. Las 44 del Museo de Lleida, en diciembre de 2017, tras enviar el juez a las fuerzas de seguridad a buscarlas al museo leridano en cumplimiento de la ejecución de la sentencia; un traslado que ha sido valorado en 12.932 euros. El traslado se realizó durante la aplicación del artículo 155 en Cataluña.

2. Por las pinturas románicas de la sala capitular del monasterio de Sijena. En julio de 2016, el Juzgado de primera instancia número 2 de Huesca resolvió que las pinturas románicas tenían que regresar al monasterio. En este caso, la juez no ha ejercido la ejecución de la sentencia por el grave estado de las pinturas después de que fueran quemadas los primeros días de la Guerra Civil. La sentencia está recurrida ante la Audiencia Provincial de Huesca, que no se ha pronunciado.

#hemeroteca #veganismo | Cambridge descuelga una naturaleza muerta por las quejas de vegetarianos

Imagen: Público

Cambridge descuelga una naturaleza muerta por las quejas de vegetarianos.
El bodegón, una pintura flamenca del siglo XVII, lucía en un comedor de la universidad británica.
El País, 2019-12-07
https://elpais.com/internacional/2019/12/03/mundo_global/1575374803_843838.html

Podría parecer un lujo, pero comer junto a una obra del siglo XVII de escuela flamenca ha resultado lo contrario para un grupo de estudiantes de la Universidad de Cambridge. ‘El mercado de las aves’, una enorme pintura salida del estudio del pintor Frans Snyders, decoraba una pared de uno de los comedores hasta que se ha descolgado a petición de varios comensales. Se quejaban de que el lienzo, como por otro lado era cosa frecuente en la pintura de su época, mostraba a varios animales muertos, entre ellos un jabalí, un cisne, venados y aves de caza.

“La gente que no come carne encontraba [la pintura] un poco repulsiva”, indicó una portavoz del Museo Fitzwilliam, también de Cambridge, la institución que es titular de la obra y la había cedido para que luciera en el comedor universitario, según recoge el diario Telegraph. “Algunos comensales se veían incapaces de comer [...]. Pidieron que se descolgase”, añade la misma portavoz.

La obra es una copia anónima de mediados del siglo XVII salida del estudio de Snyders (1570-1657) cuyo original, pintado entre 1618 y 1621, forma parte desde final del siglo XVIII de la colección del Hermitage en San Petersburgo (Rusia), donde aparece catalogada como 'El puesto de caza', y que además atribuye una pequeña parte de su ejecución, el paisaje, a Jan Wildens. En diciembre de 2018 se desmontó la pieza de su marco para proceder a una restauración.

Ahora, quienes deseen verla tendrán que ir directamente al Museo Fitzwilliam y visitar la exposición temporal Festín y ayuno: el arte de la comida en Europa (1500-1800). Victoria Avery y Melisa Calaresu, comisarias de la muestra, creen que su trabajo puede ilustrar la controversia sobre el consumo de carne: “Mucha gente se ha vuelto vegetariana y vegana tanto por opción política como de dieta, en un momento en el que nos planteamos nuestra relación con los animales y su trato en un mundo industrializado”, apuntan en la nota de prensa difundida por Cambridge, y añaden que la exposición demuestra que las preocupaciones contemporáneas por la dieta y la relación con los alimentos no son solo de nuestro tiempo.

Además del puesto de carne, Snyders pintó otros cuadros dedicados a mostrar los mercados y puestos de frutas, verduras o pescado de su época. Varios de aquellas obras se conservan también en el Museo del Hermitage.

 

Y TAMBIÉN…
¿Comería usted frente a este cuadro? Cuando el arte colma la paciencia de los veganos.
La retirada de uno de los comedores de la Universidad de Cambridge de una naturaleza muerta, tras las quejas de un grupo de estudiantes veganos al considerarlo "repulsivo", abre el debate sobre si estas decisiones no estarán coartando el carácter perturbador e incómodo del arte, y la necesidad de diferenciar entre un juicio político, ético o puramente artístico.
Juan Losa | Público, 2019-12-04
https://www.publico.es/culturas/comeria-usted-frente-este-cuadro.html

#hemeroteca #vaginas #museos | Londres estrena el primer museo del mundo consagrado a la vagina

Imagen: El País / Una pieza de Vagina Museum

Londres estrena el primer museo del mundo consagrado a la vagina.
La sede en el turístico barrio de Candem abre este sábado sus puertas con la vocación de derribar tabúes y promover la salud de la anatomía ginecológica.
Patricia Tubella | El País, 2019-11-16
https://elpais.com/sociedad/2019/11/15/actualidad/1573807777_879041.html

“Casi la mitad de la población tiene una y, sin embargo ya sólo nombrarla supone un tabú para tanta gente...”. Las interlocutoras se refieren a la palabra “vagina”, que han colgado bien visible a las puertas de un nuevo e inédito museo de Londres consagrado a esta y otras partes de la anatomía ginecológica. La sede del Vagina Museum se estrena este sábado en el turístico barrio de Candem gracias a una campaña de ‘crowdfunding’ que ha avalado su objetivo de derribar estigmas sobre el cuerpo de la mujer y de promover la salud vaginal, muchas veces cercenada por la falta de información.

Las discretas hechuras de las instalaciones contrastan con la atención mediática internacional que han logrado recabar, por tratarse del primer museo del mundo que tiene como epicentro y “estrella” a la vagina. Y que además ha levantado su sede en el gran recinto de Camden Market, uno de los mercadillos más famosos de la capital británica, conocido como “The Stables” (los antiguos establos de caballos de otra era londinense). En medio del habitual enjambre de visitantes foráneos que suelen inundar los tenderetes comerciales y puestos de comida del mercado, el Museo de la Vagina se ha instalado en la Unidad 17-18 (su dirección oficial) con una vocación de ejercer de centro cultural y social, al margen de su escaparate en uno de los corazones de la industria turística.

“Es importante sentirnos capaces de hablar de nuestras vaginas y vulvas sin asociarlo con las (perniciosas) leyendas que han venido circulando sobre la anatomía femenina hasta convertirse en la norma”, subraya Sarah Creed, comisaria de una primera exposición temporal dedicada a 'Los mitos de la vagina y cómo luchar contra ellos', y que marcará el inicio de la programación.

Ante quienes sólo quieran ver en esa declaración una soflama Creed esgrime datos como ese 65% de mujeres británicas entre los 16 y los 25 años que consideran embarazoso referirse abiertamente a sus órganos genitales. Pero sobre todo alude a un cuestión importante de salud pública que se resume en el más de un cuarto de féminas que todavía no han cumplido los 30 años y que se sienten demasiado incómodas para ir a hacerse una prueba de detección de cáncer de útero (encuestas de las organizaciones Eve Appeal y Jo´s Trust, que promueven las revisiones ginecológicas periódicas entre la población femenina).

La idea partió de la fundadora y directora, Florence Schechter, y de su sorpresa al constatar que no había un museo físico de la vagina (existe uno virtual en Austria: vaginamuseum.at), aunque sí uno consagrado al pene en Reykjavik (Islandia), donde se exhiben casi tres centenares de especímenes fálicos de una variedad de mamíferos. A Schechter le ha llevado dos años hacerla realidad en el noroeste de a capital británica, con el apoyo de un millar de donantes que en total aportaron 50.000 libras a la empresa.

El nuevo museo “de ladrillo” (como le gusta subrayar para dejar clara su vocación social) acogerá exposiciones de arte, proyección de películas y talleres relacionados con la imagen del cuerpo, el consentimiento, la salud y la sexualidad, además de incluir actividades destinadas a los niños para que se sientan cómodos hablando de sus genitales. Es de entrada gratuita, se declara “inclusivo para todos los géneros” y quiere difundir el mensaje de que “la vagina es una parte del cuerpo que deberíamos celebrar”.

#hemeroteca #archivos #pop | Un museo de la era pop en la Maragatería: Álex Cooper, de Los Flechazos a la Fundación Club 45

Imagen: Público / Álex Cooper (i) y documentación de la Fundación Club 45

Un museo de la era pop en la Maragatería: Álex Cooper, de Los Flechazos a la Fundación Club 45.
El gran icono del mod español, Alejandro Díez Garín, se despide de los escenarios, pero proyecta un archivo musical que convertirá Santa Colomba de Somoza en el centro de peregrinación de los amantes de la cultura pop de los años sesenta.
Henrique Mariño | Público, 2019-10-19
https://www.publico.es/culturas/museo-pop-mod-alex-cooper-flechazos-fundacion-club45-leon.html

Alejandro Díez Garín (Alicante, 1967) convirtió León en la capital del mod español. Desde allí, lideró las bandas Cooper y Los Flechazos, organizó el festival Purple Weekend y montó Ediciones Chelsea. Tras anunciar su retirada de los escenarios, pasa de nuevo a la acción con un nuevo proyecto que convertirá un pueblo de la Maragatería en el centro de peregrinación de los amantes de la música mod y la cultura pop de los años sesenta.

El Archivo gráfico de la era pop de la Fundación Club 45 se ubicará en una antigua fábrica de curtidos de Santa Colomba de Somoza. Allí desplegará la ‘memorabilia’ sesentera que ha ido coleccionando durante toda su vida. Discos, fotografías, carteles, partituras y folletos promocionales de bandas nacionales e internacionales, aunque en el museo también habrá un rincón para los fans de Los Flechazos y Cooper.

La era pop
“Mi colección de música ‘beat’ de esa década será una exposición permanente. Son los años sesenta a través de mis ojos, es decir, lo que me ha interesado e influido”, explica Alejandro Díez, quien se despedirá de los aficionados de Cooper el 9 de noviembre en Madrid.

Las entradas para el concierto en el Ochoymedio Club, cuyo escenario es la Sala But, no tardaron en agotarse tras ponerse a la venta, pero el público que se quedó sin ellas está de suerte. Lo podrá ver gratis el 25 de octubre en el festival Indyspensable, que se celebra en el barrio madrileño de Villaverde.

En el archivo-museo de Santa Colomba de Somoza habrá material de los años sesenta, como el que ilustra este texto, aunque Álex reconoce el guiño a quienes le han seguido durante tres décadas. “Estarán mi moto, mi guitarra y mi amplificador, así como discos de Los Flechazos y carteles del Purple Weekend. Va por todos ellos”, brinda el responsable de Ediciones Chelsea, quien desvela que hasta mostrará la ropa que lucía entonces en directo.

De Italia a Japón
“Expondremos objetos de grupos españoles, pero la visión es internacional, por lo que los visitantes podrán encontrar la iconografía de bandas de todo el planeta. Partituras, discos, hojas promocionales, carteles y fotografías de grupos internacionales, de Italia a Japón”, detalla Álex Cooper, quien también prestará su preciada colección de revistas musicales editadas en el extranjero.

Museo vivo
“Será algo especial. No un Hard Rock Café, sino otra cosa, en la línea del interés actual por las colecciones privadas, así como por la gestión de fondos y archivos. No hay tantos museos dedicados al pop en el mundo y, de hecho, el interés por esta cultura nació relativamente hace poco. Nuestra iniciativa busca conservar la memoria de todos”, afirma el fundador del Purple Weekend.

“Lo más importante es que se tratará de un proyecto dinámico, no estático. Contará con una programación, en la que se incluirán conferencias, seminarios, clases magistrales y conciertos. Jugaremos con el componente lúcido del pop, pero advierto de que no será una discoteca”, ironiza Díez Garín entre risas. Bien sabe cómo acabó The Haçienda...

Por qué en la Maragatería
“Hay que arrimar el hombro para dinamizar el medio rural. Tengo un compromiso con León desde siempre, por lo que cuando se planteó que podía ubicarse en el corazón de la Maragatería, allí me fui de cabeza. Creo que la combinación de un proyecto de turismo cultural con la tradición autóctona puede funcionar”, apunta.

El alma de Cooper considera que el Archivo gráfico de la era pop de la Fundación Club 45 podría ser una forma de estimular económicamente la zona y de fijar población en esa España vacía. Sin embargo, prefiere no hablar de plazos. “Espero que podamos abrirlo dentro de dos o tres años”. Dispone de tantos objetos que el tiempo le hará buena falta para ir empaquetándolo todo.

Peregrinación mod
¿Será este futuro museo un aliciente que logre curar la morriña que le provocará su alejamiento de los escenarios? “Bueno...”, responde dubitativo Alejandro Díez Garin, quien no puede evitar la carcajada. Luego se pone serio, ‘ma non troppo’. “Aunque no tuviese este proyecto en mente, hubiera decidido abandonar igualmente la música en directo, si bien reconozco que el Archivo ha precipitado mi huida de los escenarios”.

El nombre de la fundación remite a ‘Club 45: 90 canciones de la era pop para mods y jetsetters’, cuyo contenido —el ‘beat’ de los sesenta— se revela en la propia portada del libro, ampliado y reeditado en 2017. Obviamente, el 45 hace referencia a las revoluciones por minuto a las que giran los sencillos en un tocadiscos. “El single es el formato pop por excelencia”, sentencia el músico leonés.

¿Adiós al directo?
La ruta francesa del Camino de Santiago pasa muy cerca del Ayuntamiento de Santa Colomba de Somoza. Alejandro Díez está convencido de que algún caminante aficionado a la música podría desviarse y hacer un alto en el museo para disfrutar de su tesoro pop. Sin embargo, habrá otros peregrinos que no fallarán a la convocatoria del alma de Cooper cada vez que...

¡Álex volverá a subirse a un escenario! “No puedo prometer que una vez al año me junte allí para tocar con mis amigos”, confiesa el líder de Los Flechazos. “Será una peregrinación de colegas y fans, porque echaré mucho de menos a todos los que iban a mis conciertos. Un ejercicio de nostalgia para recordar los buenos ratos pasados, como hacía Grateful Dead”.

Sería necesario otro artículo para enumerar todo el material que contendrá el museo de la Fundación Club 45, pero Díez Garín pone un ejemplo que barre para casa. “¿Quieres saber qué se escribió en la prensa belga sobre Los Bravos? Pues vente a ver nuestro archivo y alucinarás con lo que te encontrarás”. Las Lambrettas ya calientan motores.

Y TAMBIÉN…
Álex Cooper: "Soy una figura de la resistencia sonora de este país".
Alejandro Díez, el mod que vivió en la era de Los Flechazos, graba nuevo disco con Cooper: 'Tiempo, Temperatura, Agitación'.
Henrique Mariño | Público, 2018-02-08
https://www.publico.es/culturas/entrevista-alex-cooper.html

#hemeroteca #lgtbi #memoria | El Museo de Historia de Madrid viaja al presente con un plano de Metro LGTB

Imagen: Twitter / Javier Sáez y su Metro de Madrid LGTBI

El Museo de Historia de Madrid viaja al presente con un plano de Metro LGTB.
Pepi Cardenete · EFE | La Vanguardia, 2019-09-29
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Gracias a donaciones, nuevas adquisiciones y exposiciones temporales, el Museo de Historia de Madrid comienza a escribir el relato de los siglos XX y XXI de la ciudad, huérfana hasta ahora de esa etapa de su propia biografía, que se reconstruye con piezas del presente como un plano de Metro de Javier Sáez con nombres de personalidades y activistas LGTBI en sus estaciones.

Este suburbano arcoíris no anuncia Cuatro Caminos como próxima estación, sino que hace parada en Boti García Rodrigo, histórica activista lesbiana, y en lugar de terminar la línea 8 en Aeropuerto T-4, los pasajeros tendrían que apearse en la estación Federico García Lorca.

Un mapa que pretende poner memoria e historia en la lucha de gais, lesbianas, transexuales y bisexuales ha sido una de las más recientes donaciones que se han hecho en el Museo de Historia de Madrid, inmerso en su propia reivindicación histórica: la de los siglos XX y XXI.

Y es que el museo capitalino, dependiente del Ayuntamiento y de entrada gratuita, centra su contenido en la historia de la urbe desde que Felipe II la escogiese como Corte en 1561 hasta el siglo XIX, y se encuentra "un poco cojo de piezas actuales, del siglo XX para adelante", explica a EFE la directora de la institución, Hortensia Barderas Álvarez.

Creado en 1929, el Museo de Historia de Madrid está construido en el antiguo hospicio de San Fernando, una obra del siglo XVII de la que aún se conservan tanto la fachada original como las escaleras y la capilla, relata la directora, que apostilla que una planta del complejo está dedicada a lo sucedido en los siglos XVI y XVII, otra al XVIII y la Guerra de la Independencia, y una tercera al XIX.

Los siglos anteriores se recogen en el Museo de San Isidro, y la crónica más reciente de la ciudad empieza ahora a tomar forma en el anteriormente conocido como Museo Municipal, porque "la historia no es una cosa del pasado".

"El empeño en los últimos años es que tanto con las adquisiciones como con las exposiciones temporales retratemos el siglo XX y el XXI en la medida de lo posible", asegura Barderas, que, en este sentido, resalta la exposición 'Madrid, ciudad educadora 1898/1938. Memoria de la escuela pública', prorrogada hasta el 6 de octubre.

Otra forma de resarcirse con el Madrid contemporáneo es la muestra 'Madrid se escribe con M de Mingote', un recorrido por la obra un madrileño adoptivo que nació en Sitges y que dibujó los bocetos del famoso carrillón de la calle de la Sal o bosquejó el mural de la estación de Metro de Retiro.

Además de atraer a un público "no típico de museo" con actividades y conciertos de jazz o gospel, el Museo de Historia de Madrid pone el acento en las adquisiciones y donaciones en su afán por retratar la modernidad.

Barderas cuenta que están llegando "cosas importantes" a la institución, como una colección de instantáneas de un ciudadano amante de la fotografía que retrató fachadas de tiendas madrileñas desde los años 80 hasta el año 2010.

"Su hija lo ha donado. Es un documento súper importante para la ciudad. Muchas de esas tiendas ya han desaparecido", resalta Barderas, que también pone en valor el plano de suburbano LGTB donado por el sociólogo y activista Javier Sáez.

La donación consiste en la pieza física, que tiene un valor "relativo" porque "se hizo para una exposición concreta", detalla Barderas, y en el documento digital original en alta resolución de este mapa que se expuso en CentroCentro en 2017, cuando Madrid fue capital mundial del Orgullo LGTBI.

"El hecho de que sea un soporte digital es meter a las colecciones de museo en la actualidad, en el siglo XXI. Es empezar a contar la historia de otra manera. Desde un punto de vista más social que historicista", argumenta la directora del Museo de Historia de Madrid.

Javier Sáez afirma en declaraciones a EFE que el museo "respondió muy bien" a su donación porque "recogía el espíritu" de un Madrid plagado de activistas.

"Creo que el mapa entra bien en esa apertura del museo al siglo XX. Hay muchos activistas en el plano que son pioneros de la lucha, gente importante del movimiento en los años 70", añade el artista.

Contento de que su obra ponga memoria a Madrid, él también reivindica más memoria para el colectivo. Concretamente, más memoria histórica.

"Con memoria histórica se piensa sobre todo en las víctimas del franquismo o republicanos, que es cierto que fueron la gran mayoría, pero otras víctimas fueron los gais, lesbianas y trans. Queremos ampliar la memoria histórica a la comunidad LGTB", tercia.