#hemeroteca #mujeres #arte | Una 'performance' en la Estación del Arte del metro de Madrid para denunciar que (casi) todos los artistas expuestos son hombres

Imagen: El Diario / Perfor de Yolanda Domínguez y Herstóricas

Una 'performance' en la Estación del Arte del metro de Madrid para denunciar que (casi) todos los artistas expuestos son hombres.
La artista Yolanda Domínguez y la asociación Herstóricas denuncian que la exposición que empapela la antigua estación de Atocha presenta las obras de 31 varones frente a 2 mujeres.
Patricia Gea | El Diario, 2021-04-19
https://www.eldiario.es/cultura/perfomance-estacion-arte-metro-madrid-denunciar-senores_1_7835952.html 

Varias decenas de mujeres con camisetas blancas y obras de arte impresas en ellas han tomado los andenes de la llamada 'Estación del Arte' del Metro de Madrid (antes Atocha) este lunes por la tarde. Con la consigna “Metro Madrid las artistas están aquí”, han denunciado el sesgo sexista que invisibiliza a las pintoras en una parada de metro dedicada precisamente a dar a conocer el trabajo de grandes artistas de la historia. Y es que la estación está decorada con el rostro y las obras de 31 artistas hombres frente a dos artistas mujeres. Un sesgo que, en palabras de la artista Yolanda Domínguez, “no puede pasar inadvertido en pleno siglo XXI”.

La semana pasada, Domínguez se preguntaba en Twitter por qué en la exposición que empapela las paredes de la Estación del Arte del metro de Madrid apenas hay mujeres artistas representadas. En concreto, supo más tarde, dos nombres femeninos frente a treinta y uno masculinos, "una evidente desigualdad". Decidió entonces movilizarse y en tan solo unos días ha organizado una perfomance reivindicativa, en colaboración con Herstóricas, que este lunes por la tarde ha congregado a casi cien personas que respetaban la distancia de seguridad en los andenes de la estación.

Las asistentes han llevado plasmadas en camisetas las obras que los museos participantes en la exposición, el Thyssen, el Prado y el Reina Sofía, han olvidado sacar a relucir en lo que nació con la intención de ser “una muestra con las obras más representativas de los mejores museos, una ventana al arte para los viajeros” que llegasen a la ciudad, escribe Metro Madrid en su web. Caravaggio, El Bosco, Velázquez, Degas, Manet, Goya, Miró, Sorolla, Picasso, Dalí, entre otros genios de la pintura decoran los pasillos, los andenes y los vestíbulos de la transitada estación. Pero 'las genias' no están. En la propuesta inicial, fruto de la firma de un convenio entre el Metro de Madrid, dependiente de la Comunidad, y los tres museos mencionados, se presentó una selección de treinta y seis piezas, doce de cada colección. La muestra actual recoge treinta y tres, de las que solo dos, propuestas ambas por el Reina Sofía, están firmadas por mujeres, Eulàlia Grau e Isabel Steva, "Colita".

Hay sin embargo suficientes nombres femeninos en los más destacados museos madrileños como para dar cobertura completa a la exposición. Y esa es la propuesta que han trasladado las organizadoras de la performance, con todos y todas las que se han querido sumar voluntariamente al acto simbólico. “Pedimos a la Comunidad de Madrid y a los Museos Nacionales que se involucren activamente en la lucha por la igualdad, comprometiéndose a la revisión de la muestra y realizando un cambio en ella”, demandan.

"Ya que no nos tienen muy en cuenta, traemos una propuesta muy concreta de treinta y seis nombres de autoras que pertenecen actualmente a las colecciones del Thyssen, el Prado y el Reina Sofía". Frente a los enormes murales que recrean el 'Jardín de las Delicias', o la 'Pradera de San Isidro', 'Los chicos en la playa', 'El rostro del gran masturbador,' o el 'Guernica', hoy se han superpuesto las obras de Alexandra Exter, Ángeles Santos, María Blanchard, Remedios Varo, Artemisa Gentileschi, Esther Boix, y treinta mujeres más que podrían compartir protagonismo en el andén de Estación del Arte con sus compañeros varones, pero que han tenido que ser llevadas impresas en camisetas por otras mujeres artistas. Yolanda Domínguez expresa que la intención es “hacer presencia” para que se reconozca el “marcado sesgo de género” con el que se ha realizado la selección de las obras. “La cultura no es solo entretenimiento, también genera patrones de conducta y sirve como mapa visual que jerarquiza la sociedad”.

El convenio de la exposición tiene una duración de dos años, tras los cuales se puede acordar su prórroga por un periodo adicional de dos más. “Por lo tanto es algo reversible, se pueden realizar nuevas selecciones que sean paritarias”, propone la artista. Y lamenta “constatar que aunque se ponen en práctica algunas iniciativas que visibilizan a las mujeres, no hay realmente una conciencia en el día a día ni en la mayoría de decisiones, donde es necesaria una perspectiva feminista que no se tiene”. Destaca, además, el hecho de que en los tres años de vida del proyecto ubicado en una de las estaciones más transitadas de Madrid, nadie haya caído en la cuenta de esa ausencia femenina. “La sociedad está acostumbrada a que no haya obras de mujeres, se presenta como lo normal, pero no lo es".

Lista de 36 mujeres propuestas en la performance
Alexandra Exter ('Naturaleza Muerta'), Ángela García Codoñer ('Tetapop'), Ángeles Santos ('Tertulia'), Angelica Kauffmann ('Anna Escher von Muralt'), Artemisa Gentileschi ('Nacimiento de san Juan Bautista'), Berthe Morisot ('Pastora desnuda tumbada'), Clara Peeters ('Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre'), Delhy Tejero ('Labradora de Toro. Mujer con guindas'), Esther Boix ('Dona que frega i els fills tancats'), Francis Bartolozzi, "Pitti", ('Dama vestida de rosa'), Gabriele ('Münter Autorretrato'), Georgia O’Keeffe ('Calle de Nueva York con luna'), Gerda Taro, "Gerta Pohorylle", ('Loyalist Militiaman, Aragón Front'), Helen Frankenthaler ('Parets'), Isabel Oliver ('Feliz Reunión'), Julia Alcayde Montoya ('Frutas'), Kati Horna ('S/T', Vélez Rubio, Almería), Liuvob Popova ('Arquitectura pictórica'), Louise Moillon ('Bodegón con frutas'), Louise-Elisabeth Vigée-Lebrun ('María Cristina Teresa de Borbón'), Lucia Anguissola Pietro Manna, ('Médico de Cremona'), María Blanchard ('Mujer con abanico'), Marietta Robusti Tintoretta ('Dama Veneciana'), Maruja Mallo ('La Verbena'), Nadeshda Udaltsova ('Cubismo'), Natalia Goncharova ('Pesca. Pescadores'), Norah Borges, ('Personaje en un jardín o La Anunciación'), Olga Rozanova ('Hombre en la calle. Análisis de volúmenes'), Remedios Varo ('Modernidad'), Rosa Bonheur ('El Cid'), Rosario Weiss ('Los duques de San Fernando de Quiroga'), Roser Bru ('Made in Spain'), Sofonisba Anguissola ('Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II'), Sonia Delaunay Dubonnet Tarsila do Amaral ('A familia'), Varvara Fedorovna Stepanova ('Jugadores de billar').

#hemeroteca #feminismo #arte | Emakunde visita el Centro de Documentación de Artistas vascas que se ha puesto en marcha en la Biblioteca del Museo Artium

Imagen: Emakunde / Izaskun Landaida en la Biblioteca de Artium

Emakunde visita el Centro de Documentación de Artistas vascas que se ha puesto en marcha en la Biblioteca del Museo Artium.
Emakunde, 2021-03-29
http://emakunde.blog.euskadi.eus/2021/03/emakunde-visita-el-centro-de-documentacion-de-artistas-vascas-que-se-ha-puesto-en-marcha-en-la-biblioteca-del-museo-artium/ 

La directora de de Emakunde, Izaskun Landaida, ha visitado acompañada por la directora de Artium, Beatriz Herráez, y la responsable de la Biblioteca del museo, Elena Roseras, el «Centro de Documentación de Artistas Vascas. Prácticas artísticas y teorías del arte feministas» que desde Artium se ha puesto en marcha este año. Así, se ha habilitado un espacio que da continuidad a la Biblioteca y el Centro de Documentación de Artium, que es ya un espacio de referencia para la consulta e investigación en el ámbito del arte contemporáneo.

El «Centro de Documentación de Artistas Vascas. Prácticas artísticas y teorías del arte feministas» aspira a convertirse en plataforma y punto de encuentro entre artistas y públicos que están interesados en las productivas relaciones que se establecen entre prácticas artísticas y perspectivas feministas.

Entre los objetivos de este espacio especializado se encuentran los de identificar reunir, organizar, conservar y difundir las fuentes bibliográficas y documentales que contribuyan a la investigación sobre estas áreas de conocimiento; así como el de reunir y conservar documentación y archivos de artistas vascas y de artistas y pensadoras vinculadas a los programas del Museo, a su Colección y a sus exposiciones.

Este Centro de Documentación también pretende salvaguardar y difundir el legado patrimonial documental del feminismo y del arte; el poder ofrecer soporte para investigar sobre los diversos contextos culturales, sociales y políticos que tienen como eje vertebrador el feminismo; así como, colaborar y establecer sinergias con artistas, comisarias, asociaciones, instituciones y otros centros de investigación y documentación relacionados con el feminismo.

#hemeroteca #mujeres #arte | Tamara de Lempicka, la reina del art déco, el lujo y los excesos

Imagen: Revista AD / Tamara de Lempicka

Tamara de Lempicka, la reina del art déco, el lujo y los excesos.
Hace 41 años que la reina del art déco nos dejó. Tamara de Lempicka es un personaje en sí mismo, que se permitió lujos, excesos, y ha pasado a la historia tanto por su arte como por su personalidad.
Gala Mora | Revista AD, 2021-03-18
https://www.revistaad.es/arte/articulos/tamara-lempicka-reina-art-deco-lujo-excesos/29012 

En la historia del arte, la pintura art déco, con su lujo y modernidad, tiene un nombre de mujer, Tamara de Lempicka, que hoy 18 de marzo hace 41 años que murió. Excesiva, transgresora, bisexual, fiestera impenitente, cazadora de amantes, pero también disciplinada, obsesiva, admiradora del renacimiento, representante de un cubismo sugerido y sobre todo, un icono pop que se adelantó a su tiempo. Decía de ella misma que vivía en los márgenes de la sociedad, y que las reglas de la sociedad normal no se podían aplicar a aquellos que viven al límite. También decía que no había que juntarse con los tontos, porque todo se pega. Odiada o adorada, no dejaba indiferente. Ni ella como personaje, ni su obra, con un estilo característico reconocible en todo el mundo. Aceptó el papel decorativo de la pintura, y trató de fusionar elementos de abstracción cubista frente a esa perspectiva convencional de la figura clásica, adoptando cierta geometrización de sus obras. Y todo esto, teniendo en cuenta que era mujer, además independiente, en un mundo y una época donde eso no estaba bien visto ni era lo habitual. Se ve que se tomó en serio el consejo de su hermana, “haz una carrera y no tendrás que depender de tu marido”. Dicho y hecho.

Resulta difícil hasta encontrar una fecha o lugar oficial de nacimiento. Las biografías hablan de Varsovia, un 16 de mayo de 1898, pero ella a veces decía que fue en 1907 y en Moscú, unos dicen que se llamaba María y otros que era Tamara Rosalía Gurwik-Górska. Fuera donde fuese, su relación ruso-polaca es cierta, igual que su aversión a los bolcheviques y su amor a la buena vida. De padre ruso abogado y madre de la aristocracia polaca, vivió en un ambiente de abundancia y holgura económica, lo que le permitía muchas despreocupaciones. Es lo que tienen los ricos. Se cuenta que su madre encargó un retrato de ella y su hermana a una pintora muy famosa y que como no le gustó cómo quedaron los cuadros, decidió que ella podía hacerlo mejor seguro. Aunque no fue hasta que se casó, a los 18 años, que se puso a estudiar bellas artes.

Su éxito comenzó en 1925 con la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, que más tarde dio su nombre al estilo art déco. Su técnica, según los expertos, “era limpia, precisa y elegante, pero al mismo tiempo cargada de sensualidad. Los elementos cubistas de sus pinturas generalmente estaban en el fondo. Las texturas suaves de la piel y los tejidos igualmente lisos y luminosos de la ropa fueron los elementos dominantes de sus pinturas”, se puede leer en biografías y estudios que le han dedicado. Obras como ‘Grupo de Cuatro Desnudos’, de 1925, o ‘La bella Rafaela’, de 1927, muestran “superficies ocupadas por primeros planos de desnudos femeninos, en posiciones abiertamente sexuales y con ese estilo plano, geométrico y delineado”, que convirtió su arte en el paradigma del art déco.

En 1929 pinta su, quizá, obra más conocida, que además es una absoluta declaración de intenciones, ‘Autorretrato en un Bugatti verde’, el icono más famoso y reconocible de la pintura art déco. En el cuadro, Lempicka mira desafiante a la cámara y se muestra a sí misma en una posición normalmente ocupada por hombres, con un casco de cuero y guantes y envuelta en una bufanda gris, un retrato de belleza fría, independencia, riqueza e inaccesibilidad. El lienzo fue un encargo para la portada de la revista de moda alemana ‘Die Dame’ y es “un compendio del estilo único y personal de la artista: superficie totalmente cubierta, zonas geométricas y delineadas, reflejos metálicos que hacen casi imposible distinguir entre el metal y los tejidos, y un desafío evidente a la mirada masculina”. Como detalle decir que ella no tenía un Bugatti sino un Renault, y que además, en los Bugatti, el volante está al otro lado. Pero eso son detalles que a ella le daban igual.

Amiga de Picasso, Cocteau, Gide, Orson Welles, Greta Garbo o Dalí, admirada por Barbra Streisand, Jack Nicholson, Calos Slim o Madonna, que se inspiró en ella para su vídeo musical ‘Vogue’, vivió en San Petersburgo, París, Hollywood o Nueva York, se mudó a Cuernavaca en 1974 y allí se quedó hasta que falleció en 1980, aunque algún místico podrá decir que sigue, puesto que siguiendo sus deseos, sus cenizas fueron esparcidas sobre el volcán Popocatépetl. Es innegable la fuerza e innovación que sus pinturas aportaron a la escena artística de la primera mitad del siglo XX, sobre todo sus desnudos femeninos, convertidos en el paradigma iconográfico del art déco. Porque Tamara de Lempicka tenía muy claro quién era y la impronta que esperaba dejar a su paso: “Fui la primera mujer que hizo pinturas claras y evidentes; y ese fue el secreto del éxito de mi arte. Entre cien cuadros, es posible distinguir los míos. Y las galerías me pusieron en sus mejores salas, siempre en el centro, porque mi arte atraía al público”. Sin pelos en la lengua, directa, provocadora y sobre todo, encantada de serlo. Nos quitamos el sombrero ante ella.

#hemeroteca #museos #arte #mujeres | Peio H. Riaño: "El Museo del Prado está lleno de violaciones que no vemos"

Imagen: Público / Peio H. Riaño

Peio H. Riaño: "El Museo del Prado está lleno de violaciones que no vemos".
Juan Losa | Público, 2020-03-10
https://www.publico.es/entrevistas/peio-h-riano-museo-prado-lleno-violaciones-no-vemos.html

"Me gusta pensar que este libro es una investigación llevada a cabo por un historiador del arte, escrita por un periodista, fruto de la indignación de un ciudadano", así resume el periodista Peio H. Riaño ‘Las invisibles. ¿Por qué el Museo del Prado ignora a las mujeres?’ (Capitán Swing, 2020), un ensayo en el que pasa revista al legado patriarcal que se ha ido perpetuando en la principal pinacoteca del país.

Propone en 'Las invisibles' una mirada crítica a un relato patriarcal de la historia del arte que, asegura, impregna el Museo del Prado. ¿En qué momento se configuró ese discurso?
Surge en plena emergencia feminista a mitad del siglo XIX, eran tiempos en los que había que enterrar a la mujer porque parecía ganar protagonismo y autonomía. Se impuso una narración que las invisibilizaba y privilegiaba al hombre.

Me quiere sonar esto...
Es que esa misma contraofensiva por parte de la ultraderecha la estamos viviendo ahora. Lo que sucede es que la ultraderecha de entonces estaba mucho mejor posicionada y copaba con su pensamiento retrógrado toda la cúpula cultural de este país. Así es como se puso en marcha un rodillo narrativo desde esa intelectualidad que impregnó todas las artes plásticas. El Prado contiene los vestigios de una sociedad indecente, pero el problema no es ese, el problema es que estos vestigios no están neutralizados, de modo que parece que el museo está dando por buena la propaganda del siglo XIX.

¿Lleva el Prado dos siglos de retraso?
Así es, tenemos un museo del XIX, gestionado por gente del XX, para un público del XXI, urge que este museo tenga una narración propia de nuestro siglo, no podemos seguir leyendo cosas inconcebibles como llamar a una violación ‘mancillar’, ‘sorprender’ o ‘raptar’. No podemos no señalar un feminicidio cuando lo hay, la salas del Prado están llenas de imágenes de violaciones que no vemos. Estamos ante un museo que actúa con vetos parentales sobre el ciudadano del siglo XXI, no se puede construir una institución pública con palabras prohibidas. Por eso es importante que llamemos violación a lo que es una violación y quien esté en contra se definirá en su rechazo, definiendo también al propio museo.

¿Qué propone entonces?, ¿rerelatar el museo?
No tenemos otra opción. El Museo del Prado tiene pendiente llevar a cabo un ejercicio de contexto, pero cuando se plantean aspectos como los de retitular o reescribir las cartelas, se cae siempre en el mantra de que no podemos mirar el pasado con los ojos del presente. No pretendo cambiar el relato de lo que hizo Rubens, lo que quiero es saber por qué pintó lo que pintó, conocer las condiciones económicas, sociales y políticas que activan ese cuadro, que actúan sobre él. No podemos pensar que el museo es un lugar que surge de la neutralidad, porque no es así. De hecho, no podemos decir que necesitamos que el museo se politice porque ya lo está, lo que se tiene que hacer es repolitizar, no olvidemos que el Museo del Prado está cuajado en una ideología de hace doscientos años, una ideología que sigue justificando y legitimando.

¿Cómo se articula eso?, ¿modificando las cartelas?
Por ejemplo. Si el título que aparece junto al cuadro no es el original, se cambia, a fin de cuentas se han cambiado decenas de veces, y si el titulo es el original, se respeta pero se cuenta por qué y quién lo autorizó y qué se pretendía. El arte no es inocente, nos creemos que venir al museo es una experiencia de deleite inofensivo, pero el arte es peligroso. Puedes disfrutar de la belleza de la materia, pero la materia no se ha construido sin el materialismo, de modo que para entender cómo se logró una pincelada es importante conocer un poco la biografía de quien la hizo. Pero parece que eso no interesa mucho.

De ahí lo que usted denomina la "salsarrosización" del museo…
Precisamente lo que busco utilizando un término pop es reclamar algo que lo pop no reclama; la necesidad de politizar la historia. ‘Salsarrosizar’ la historia es contemplar un museo desde el punto de vista de lo naíf, parece que hoy día prima la contemplación del arte desde un estadio casi televisivo, en el que nada te haga daño. Creo que es importante acabar con esa figura de mero espectador en pro de un ciudadano que cuestione lo que ve.

Hay también un cierto ensimismamiento en la belleza, como si la obra de arte fuera ajena a su tiempo.
Y eso es porque el Museo del Prado no construye más allá de la pincelada, lo que ha terminado por expulsar a las mujeres de sus salas. No en vano esa pincelada sólo es propia del genio y este, a su vez, se lo debe todo a un determinado canon al que las mujeres no podían acceder porque no tenían la posibilidad de formarse y profesionalizarse. Por eso considero que hablar de genio en pleno siglo XXI es un anacronismo ridículo que expulsa a la mujer de las artes.

Por no hablar de la poca inversión en arte hecho por mujeres, ¿es una cuestión de escasez o de falta de interés?
Es una cuestión de que el dinero sigue siendo propiedad de los hombres. Es demencial que en el Prado en los últimos diez años se haya invertido en compra de obra de mujer 70.000 euros, lo que contrasta con los 30 millones que se han dejado en obras de hombres. Es demencial que hayan comprado obra de más de 120 hombres y sólo de tres mujeres. Es probable que el museo se haya gastado más dinero en la lona que ha colgado de las columnas de la entrada de Velázquez para celebrar el 8M, que en la compra de obra de mujeres artistas en la última década.

¿Cuándo se cae usted del burro, Peio?, ¿cuándo decide poner el foco en los silencios del Prado?
Siempre he tenido una conciencia de clase muy acentuada pero es a partir del 15M cuando entiendo que debía de asumir unas responsabilidades como profesional que en muchos casos no se educan. Desde entonces entiendo la realidad desde un suceso político, y ese compromiso ha derivado desde aproximadamente cinco años en una pregunta básica que no dejo de hacerme y que consiste en tratar de saber de qué modo puedo dejar de ser machista.

Lo que le ha llevado a convertirse en un "converso"...
Reverte tiene toda la razón; yo soy un converso, y te diré más, quiero ser un converso, quiero abandonar mi machismo y ser un hombre situado en nuestro siglo. Creo que cuando Reverte utiliza ese término como insulto se define muy bien como un machista que no quiere dejar de serlo. Yo no creo en el término aliado, creo que en el término converso, las mujeres a mí no me necesitan para nada, yo no pretendo hacer nada por ellas que no puedan hacer ellas solas.

#libros #mujres #arte | Las invisibles : ¿por qué el Museo del Prado ignora a las mujeres?

Las invisibles : ¿por qué el Museo del Prado ignora a las mujeres? / Peio H. Riaño ; prólogo de Lara Moreno.
Madrid : Capitán Swing, 2020 [03-02]
192 p.
/ ES / ENS / Libros / Mujeres – Historia / Mujeres en el arte / Museo del Prado / Museos / Patriarcado
📘 Ed. impresa: ISBN 9788412135411 / 17,00 €

[.es] El Prado es todavía, doscientos años después, una institución en la que se silencia y se excluye a la mujer. A las artistas y a las visitantes: todas invisibles y todos ciegos ante la ausencia de la voz y la experiencia femeninas. ¿Por qué el Museo Nacional del Prado ignora a las mujeres? En las salas del referente español y en las del resto de instituciones internacionales, el relato que se alaba en el siglo XXI es el mismo con el que el siglo XIX contó el mundo y construyó sus intereses. Cuadro a cuadro, este libro revisa el legado patriarcal que ha llegado hasta nuestros días, aunque hoy lo señalemos como injustificable y rechacemos cualquier práctica que amplíe la brecha entre hombres y mujeres. Esta no es una historia del arte tradicional: es una guía contra las ausencias, las vejaciones, los eufemismos, los silencios y tergiversaciones que han hecho desaparecer a la mitad de la población, con una violencia soterrada y a la vista. Y esta es también una historia contra la ceguera, una narración sobre las condiciones políticas y sociales que determinan la creación artística y privilegian a ellos sobre ellas. Es el momento, ante el auge de los fascismos, de que los museos asuman sus responsabilidades y pasen a ejercer una práctica de pensamiento crítico, y se nieguen a dar por sentado el marco del menosprecio y la desigualdad.

#libros #arte #mujeres #memoria | Las artistas del exilio republicano español : el refugio latinoamericano

Las artistas del exilio republicano español : el refugio latinoamericano / Carmen Gaitán Salinas.
Madrid : Cátedra, 2019 [05-30].
360 p.
Colección: Arte Grandes temas
ISBN 9788437640198 / 25 €
/ ES / ENS
/ América Latina / Diáspora / Exilio / Guerra Civil / Memoria histórica / Mujeres – Historia / Mujeres en el arte / Testimonios

Con el estallido de la Guerra Civil española, Latinoamérica se convirtió en el principal refugio de los exiliados que huían del horror que asolaba el país. Entre ellos se hallaban las artistas republicanas españolas y sobre ellas versa este libro. En sus páginas encontramos creadoras como Maruja Mallo, Remedios Varo, Roser Bru o Marta Palau, junto a otras como Elvira Gascón, Manuela Ballester, Victorina Durán o Mary Martín. A través del estudio de las condiciones socioculturales en que las mujeres desarrollaron su actividad artística y las complejidades que estos procesos conllevaron para ellas, este trabajo propone nuevos relatos que enriquezcan los discursos sobre nuestra historia artística reciente y los estudios en torno a la diáspora republicana. Dentro de sus producciones, a menudo fuera de los parámetros impuestos por las bellas artes, se dan cita la ilustración de revistas y libros, el diseño de moda, la decoración y la docencia del arte, pero también el muralismo y la escenografía, la pintura y el grabado. Aunque compartieron la misma causa política, estas artistas tuvieron trayectorias muy diversas que conformaron diferentes maneras de ver el exilio, la familia, el arte y, en definitiva, la vida.

#hemeroteca #libros #arte #mujeres | Las artistas del exilio

Imagen: Hoyesarte

Las artistas del exilio.
Hoyesarte, 2019-05-27
https://www.hoyesarte.com/politica/las-artistas-del-exilio-republicano-espanol_265611/

Con el estallido de la Guerra Civil, Latinoamérica se convirtió en el principal refugio de los exiliados que huían del horror. Entre ellos se hallaban las artistas republicanas y sobre ellas versa ahora el libro de Carmen Gaitán Salinas ‘Las artistas del exilio republicano español’.

En sus páginas aparecen creadoras como Maruja Mallo, Remedios Varo, Roser Bru o Marta Palau, junto a otras como Elvira Gascón, Manuela Ballester, Victorina Durán o Mary Martín.

A través del estudio de las condiciones socioculturales en que las mujeres desarrollaron su actividad artística y las complejidades que estos procesos conllevaron para ellas, este trabajo propone nuevos relatos que enriquecen los discursos sobre nuestra historia artística reciente y los estudios en torno a aquella diáspora.

Dentro de sus producciones, a menudo fuera de los parámetros impuestos por las Bellas Artes, se dan cita la ilustración de revistas y libros, el diseño de moda, la decoración y la docencia del arte, pero también el muralismo y la escenografía, la pintura y el grabado.

Aunque compartieron la misma causa, estas artistas tuvieron trayectorias muy diversas que conformaron diferentes maneras de ver el exilio, la familia, el arte y, en definitiva, la vida.

Su autora, Carmen Gaitán Salinas, es doctora en Historia Contemporánea por la UCM, con Mención Doctor Europeo y Premio Extraordinario de Doctorado. Además se tituló en el Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UCM, UAM y MNCARS) y en el Máster en Desarrollos Sociales de la Cultura Artística (UMA).

#hemeroteca #arte #feminismo | Castellón: Guías feministas en el museo para destapar la huella del machismo en el arte

Imagen: El País / Museu de Belles Arts de Castellón

Guías feministas en el museo para destapar la huella del machismo en el arte.
El colectivo feminista Liceu de Dones propone un recorrido con enfoque de género por el Museu de Belles Arts de Castellón para descubrir una mirada artística más igualitaria.
María Pitarch | El País, 2018-11-04
https://elpais.com/elpais/2018/11/04/mujeres/1541331898_510955.html

El experimento es sencillo. Recorrer una galería de arte, en este caso la colección pictórica permanente que ocupa la tercera planta del Museu de Belles Arts de Castellón, y hacer un análisis de las obras expuestas y de lo que se siente al verlas. Contemplar los cuadros con un enfoque de género y reflexionar sobre los motivos por los que durante siglos se ha silenciado a la mujer. Sobre el papel, o no papel, de las mujeres en el arte. En la pintura. Es el reto de la intervención feminista impulsada por Liceu de Dones, en colaboración con la Xarxa pels Bons Tractes que integran diferentes asociaciones feministas de Castellón, en el marco de actividades diseñadas para el próximo 25 de noviembre, día internacional de la eliminación de la violencia contra las mujeres.

El propósito no es otro que descubrir y desvelar las huellas del machismo en el arte, y reflexionar sobre ello con la ayuda de la guía feminista editada para la ocasión, que facilita la visita a la exposición para ver más allá de lo puramente pictórico o artístico. El folleto invita al análisis crítico. Plantea un enfoque más igualitario, que permite visibilizar la violencia contra las mujeres. Busca despertar una nueva mirada. Reconocer el trabajo de la mujer en la superación de los roles y modelos que reflejan, en este caso, los cuadros, como espejos a su vez de una sociedad que perpetúa esos papeles.

“El arte es un lenguaje, dice mucho. Y merece un análisis desde la perspectiva de género, al igual que se ha hecho con el cine, la televisión o la publicidad. El arte es una asignatura pendiente, un lenguaje que debe ser explorado e incorporar una reflexión de género, como cualquier expresión humana”, explica a El País la presidenta del Liceu de Dones, Ana Moltó.

El colectivo sigue así la vía abierta por dos experiencias pioneras previas. La del madrileño Museo del Prado, con un itinerario exclusivo llamado ‘Recorrido Feminista’, implementado junto al Instituto de Investigación Feminista de la Universidad Complutense. Y la iniciativa del Museo Reina Sofía, con ‘Feminismo: una mirada feminista sobre las vanguardias’, que propone al visitante un recorrido alternativo por los espacios de la colección dedicados a las vanguardias históricas y cuestiona el papel y la visibilidad de la mujer en la historia del arte.

La visita sobre la que pivota la intervención de Liceu de Dones en el museo castellonense fija su objetivo de análisis en 10 de las obras que integran la colección permanente, en la que solo hay cuadros de dos autoras. Este es ya de por sí un punto de inflexión. “¿No hay artistas femeninas? No me lo creo. Esta acción es también una reflexión sobre las ausencias, que conforman un modo de violencia”, apunta Moltó.

‘Els Amics’ (1908), de Francesc Pérez Dolç, es una de las paradas en las que se detiene este análisis colectivo a cargo del medio de centenar de personas, en un 99% mujeres, que participa. El cuadro plasma una escena costumbrista. Hombres disfrutando del ocio en grupo, de actividades creativas que refuerzan sus lazos de amistad. “No hay mujeres. No se comparten actividades. Los géneros no interactúan y todas nos perdemos algo”, recoge la reflexión sobre esta obra de la guía feminista.

La visita sigue. La obra ‘Flors i Llàgrimes’, de Vicent Castell Doménech (1902), protagonizada por dos mujeres de distinta clase social, da paso a la reflexión sobre la moda de la época, “determinada por la conveniencia de la sociedad patriarcal”, destacan desde el Liceu de Dones. “Todas las mujeres, sin distinción de clase, llevan corsé cuando pueden adquirirlo. La visión androcéntrica moldea nuestros cuerpos”, apunta la guía.

El mismo autor, Vicent Castell Doménech, firma ‘Laparatomía’ (1898), otro de los cuadros a análisis. Un enorme óleo sobre tela que plasma una intervención quirúrgica. Solo una mujer, una religiosa, puede participar en la práctica de esta técnica médica liderada por nueve hombres. “El conocimiento científico siempre ha sido gestionado y representado por los hombres. En esta imagen se consolida el mensaje”.

Cada reflexión de la guía feminista va ligada a diferentes ‘hashtags’ que amplían las explicaciones, contenidos y visiones sobre cada análisis temático expuesto: de la #coeducación a la #economiafeminista, la #conciliacionfamiliar, #saludygenero, #mujeresrurales o las #guerrillagirls, el colectivo de artistas feministas que denuncia la discriminación de la mujer en el ámbito artístico.

La acción de Liceu de Dones, recoge el prólogo del díptico, es un grito para romper la “mudez inducida” de las mujeres en el arte. El mismo que las muestra calladas, “reservadas, prudentes, discretas, sigilosas. Siempre mudas”, hasta que alguna “se cuela y desobedece”. Y alza su voz. “Las oímos”.

#hemeroteca #mujeres #bibliotecas | Los escolares conocen la gran trayectoria de mujeres locales

Imagen: El Periódico de Aragón / Isabel Segura

Los escolares conocen la gran trayectoria de mujeres locales.
Isabel Segura, Marta Pérez y Luisa Gil participan en ‘Biblioteca de mujeres’.
El Periódico de Aragón, 2018-03-22
http://www.elperiodicodearagon.com/noticias/la-cronica-del-campo-de-borja/escolares-conocen-gran-trayectoria-mujeres-locales_1272654.html

La biblioteca de Mallén apuesta fuerte por el proyecto 'Biblioteca de mujeres' con la intención de dar a conocer la trayectoria de mujeres locales que han destacado en diferentes materias y que a través de su trabajo, esfuerzo y dedicación han llegado a alcanzar logros en sus diferentes campos. El proyecto tiene varias líneas de actuación que se irán desarrollando durante todo el año y cuenta con la participación de los centros escolares locales que se han implicado activamente en el desarrollo de la actividad.

El proyecto comenzó el 11 de febrero con ‘Mujeres en la ciencia’, a través de una charla-taller impartida por Isabel Segura, bióloga y bioquímica por la Universidad de Navarra. Realizó el Máster Iniciación a la Investigación en Medicina en la Universidad de Zaragoza, donde posteriormente se doctoró en la Aplicación de la nanotecnología para la detección y el tratamiento del cáncer. Actualmente trabaja en el desarrollo de test para la detección de alérgenos en alimentos dentro de un proyecto de investigación en la Universidad de Zaragoza.

La biblioteca se convirtió en el laboratorio más importante, consiguiendo la mezcla homogénea idónea: Isabel, científica local, con los alumnos de los centros educativos de la localidad. Fue una jornada dinámica y participativa en la que tampoco faltaron los experimentos. Isabel contagió su pasión por las ciencias y los alumnos descubrieron muchas razones para seguir aprendiendo.

Dentro de la actividad ‘Mujeres en el arte, de las artes plásticas a las artes digitales’ el 26 de febrero tuvo lugar una charla-taller ofrecida por Marta Pérez, graduada en Bellas Artes por la Universidad de Zaragoza en el 2012, y estudiante del máster Interface Cultures en la Kunstuniversität Linz (Austria). El pasado año disfrutó de una residencia de investigación en IAMAS: Institute of Advanced Media Arts and Sciences de Japón para su trabajo fin de máster sobre interfaces y su influencia en la comunicación humana.

Actualmente, Marta Pérez desarrolla el proyecto ‘1914-2014’, que presenta todas las palabras que han desaparecido del diccionario de la RAE en el pasado siglo. Este proyecto está siendo apoyado por la convocatoria Laboratorio 987 del Musac (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León). Con sus proyectos ha participado en diversos festivales, conferencias y exposiciones nacionales e internacionales. Durante la actividad abrió el gran escaparate de las expresiones artísticas más vanguardistas del momento, creaciones surgidas por la intersección del arte y la tecnología. Creatividad, innovación, realidad virtual..., un paraíso para todos los escolares que permanecieron atentos y expectantes ante tanto talento. Pudieron conocer de primera mano: ¿qué se crea?, ¿dónde se crea? y ¿cómo se crea?

Y el 8 de marzo y con motivo del Día de la Mujer Luisa Gil, psicóloga y psicoterapeuta educacional, impartió una charla-debate sobre ‘Micromachismos: ¿qué son? ¿cómo detectarlos? ¿cómo luchar contra ellos?’, dirigida a alumnos de 5º y 6º de Primaria que participaron activamente en un debate abierto, interesante y provechoso tras una introducción al término micromachismo, ejemplificándolo con algunas imágenes. Luisa, tras su brillante intervención consiguió que a los alumnos les quedara claro que el micromachismo no alude a machismos de poca importancia; al contrario hace alusión a comportamientos machistas que pasan inadvertidos por estar totalmente naturalizados en nuestra sociedad.

#hemeroteca #arte #mujeres | Ángeles Caso: “A muchas artistas les robaron la autoría de su obra”

Imagen: Noticias de Gipuzkoa / Ángeles Caso

Ángeles Caso · Escritora: “A muchas artistas les robaron la autoría de su obra”.
La periodista Ángeles Casco, Premio Planeta en 2010, publica el libro ‘Grandes maestras. Mujeres en el arte occidental. Del Renacimiento al siglo XIX’.
M. Redondo | Noticias de Gipuzkoa, 2018-03-07
http://www.noticiasdegipuzkoa.com/2018/03/07/ocio-y-cultura/a-muchas-artistas-les-robaron-la-autoria-de-su-obra

Durante años, Ángeles Caso presentó el Telediario, lo que le dio una fama de la que ella ha renegado en muchas ocasiones. Sus grandes pasiones han sido siempre el arte y la literatura. La escritora e historiadora del arte se ha embarcado hace años en un ambicioso proyecto: romper con la idea sexista de que la pintura y la escultura fueron hasta los confines del siglo XX un mundo exclusivamente masculino.

- Ha llamado a las puertas de las editoriales con un libro en la mano sobre mujeres artistas y al final ha recurrido al ‘crowdfunding’.
- No voy a culpar a las editoriales. Estos libros de arte son caros y el tema de las mujeres pintoras es tan desconocido que les dio un poco de miedo. Así que he tenido que montar una editorial, ‘Libros de la Letra Azul’. Primero publiqué ‘Ellas mismas. Autorretratos de pintoras’ y ahora presento este segundo volumen. Además, he contado como mecenas con los grandes museos como el Bellas Artes de Bilbao, el Prado, el Museo de Catalunya...

- Han sido años de investigación para intentar sacar del olvido a mujeres artistas.
- Así es. Estos dos volúmenes y ‘Las olvidadas’ son fruto de un largo trabajo de investigación recabado con estudios que se publicaron solo a partir de 1960 en EEUU, Francia e Italia, no así en España, donde existen muy pocos estudios rigurosos.

- ¿A las mujeres les ha silenciado la Historia del arte?
- No solo en el arte, en el relato de la Historia. Hemos heredado un relato construido por hombres, que nos ha hecho creer que no hemos hecho nada salvo estar en casa criando hijos y cuidando de los pucheros. Es un relato al que le falta la mitad de la narración, la historia construida y protagonizada por las mujeres. No estoy nada de acuerdo con eso que se repite tanto en torno al 8 de marzo: las mujeres nos hemos incorporado al trabajo en el siglo XX. Pero si las mujeres han trabajado siempre, en la historia de Occidente han hecho de todo: han sido campesinas, costureras, taberneras... Siempre hemos estado allí, hemos hecho casi todo, menos, efectivamente las actividades que daban fama, prestigio o dinero. Eso nos lo quitaron.

- Siempre hubo mujeres artistas. Hasta en la Prehistoria.
- La mitad de las pinturas de las manos de varias cuevas pertenece a mujeres. Siempre hubo mujeres artistas y muchas veces tuvieron carreras deslumbrantes, aunque lo habitual ha sido que se olvidaran de sus nombres y muchas veces se les robase la autoría de la obra y se adjudicaran a hombres. En los grandes museos se está produciendo un proceso de devolución de esa obra que se les había sido escaqueada. Esto ha pasado en el Prado;los retratos de Sofonisba Anguissola de Felipe II y su familia estuvieron durante siglos atribuidos a pintores de la corte del rey de las España. Cuando se inaugura el Prado su nombre no está, ha reaparecido hace 20 años.

- En su libro ha seleccionado 100 maestras y ha reproducido 272 obras, de las que la mayoría está en los grandes museos de mundo.
- Están todas las grandes, algunas más conocidas como Artemisia Gentileschi, que se desvaneció para prestar sus lienzos a su padre Orazio… Y otras menos conocidas y, sin embargo, extraordinarias, sobre todo en el siglo XVIII, que fue un periodo fantástico en toda Europa. Dejando aparte España, donde apenas se ha encontrado obra de mujeres, en el resto de Europa fue un momento de eclosión de arte hecho por mujeres. Pero nos falta aún considerarlas grandes maestras, con la misma naturalidad que a los hombres.

- Una situación que todavía se sigue dando en el siglo XXI.
- En la última edición de ARCO solo el 5% de los artistas españoles eran mujeres. Aún hay que seguir peleando terreno por las artistas contemporáneas que tienen muchas menos posibilidades que los hombres.

- ¿Cómo ve la situación de la cultura?
- Han machacado la creación cultural, a la ciudadanía española no le importa nada. En el País Vasco la situación está mejor, pero el PP y el PSE se han llevado por delante lo poquito que había de apoyo institucional y la gente del mundo de la creación lo está pasando fatal.

#hemeroteca #mujeres #imaginario | Adiós ninfas desnudas, hola Dulceida en sujetador

Adiós ninfas desnudas, hola Dulceida en sujetador.
Yolanda Domínguez. Artista visual. Experta en comunicación y género | Huffpost, 2018-02-18
http://www.huffingtonpost.es/yolanda-dominguez/adios-ninfas-desnudas-hola-dulceida-en-sujetador_a_23364540/

Últimamente el vaivén iconográfico es un no parar. Que si descuelga ese cuadro de ninfas desnudas de ahí, retira esa escultura de Woody Allen de allá, coloca el busto de Clara Campoamor aquí, quita este cartel de allá. Algunas personas lo llaman "cuánta tontería tenemos encima". Otras advierten, a lo Nostradamus, que estamos yendo hacia atrás. Pero muchas celebramos la capacidad crítica que estamos empezando a desarrollar frente a los mensajes visuales, indispensable si queremos consumirlos y generarlos con responsabilidad. Las imágenes que ocupan el espacio público y mediático son mucho más que un anuncio, una obra de arte o mero entretenimiento: son la posibilidad de emitir un discurso que influirá en las decisiones y la forma de mirar de millones de personas.

Hace unas semanas la artista Sonia Boyce pidió a una galería que descolgara temporalmente un cuadro de John William Waterhouse, en el que aparecían varias jóvenes con los pechos descubiertos, para reflexionar sobre la representación de las mujeres en la historia del arte. Las protestas en las redes no se hicieron esperar. Es paradójico que durante siglos las pinturas realizadas por mujeres no hayan podido estar colgadas en los museos y nadie lo considerara censura, pero si se desmonta un cuadro realizado por un hombre momentáneamente, medio mundo se rasga las vestiduras. Es paradójico también, que apenas existan cuadros famosos de mujeres haciendo otra cosa que no sea exhibir su cuerpo o encarnando a la Virgen María y esto tampoco le haya parecido a nadie parcial o tendencioso. David haciendo tambalearse a Goliat, o mejor dicho Sonia Boyce desestabilizando, con un simple hueco en la pared, las estructuras del arte occidental y gran parte de nuestro imaginario actual. Bendito y necesario hueco en la pared.

Supongamos que el William Waterhouse de hoy, quien tiene el poder de crear una imagen y exponerla (la mayoría de las veces porque alguien la paga) es una agencia de publicidad, y la sala de exposiciones que decide a qué obras dar visibilidad, el ayuntamiento de una ciudad. El resultado es Dulceida, una chica joven y blanca, saludando en bragas y sujetador a los viandantes de toda España. ¿Vas en el bus y levantas la vista para ver la siguiente parada? Ves a Dulceida en sujetador. ¿Vas paseando con tu hijos camino al parque? Ves a Dulceida en sujetador. ¿Sacas al perro a hacer caca? Ves a Dulceida en sujetador. La historia de las imágenes no ha cambiado nada, seguimos repitiendo una y otra vez el mismo patrón. Estereotipos que nada tienen que ver con lo escandaloso, sino con lo aburrido y lo cansino. Lo innovador hoy en día no es ver a Dulceida en bragas sino encontrarse a una señora de rasgos no caucásicos, mayor de 40 años y vestida iluminando las marquesinas.

Tras gastar el comodín del puritanismo también los hay que tiran del de la libertad de expresión. Estaría bien que esas mismas personas se preguntaran quién y cómo se ha educado su mirada. Si su aclamada libertad de expresión es tal o está condicionada por los millones de imágenes que otras personas generaron. ¿Por qué cuando usted mira a una mujer se fija primero en su cuerpo y no en otros aspectos? ¿No tendrán algo que ver los millones de mensajes visuales que señalan únicamente ese valor? El problema no es un cuadro al óleo de unas ninfas desnudas, ni tampoco el anuncio de Dulceida en ropa interior. El problema son los millones de imágenes de mujeres desnudas que vemos constantemente y que están imposibilitando otro tipo de representación. Cuantas más imágenes haya de este tipo, más se seguirán realizando. La cantidad sí importa. El conjunto es importante, en este caso.

La campaña de Tezenis pertenece a una marca de ropa interior y está justificado el uso de un cuerpo (que no necesariamente tenía que ser joven, blanco y delgado). Pero lo que ya huele es que se llenen autobuses, marquesinas, fachadas de edificios e incluso calles enteras de escaparates con imágenes de mujeres en tanga. No en vano, a una de las calles principales de Málaga, la calle Larios, la llaman "la calle de las bragas". Cada imagen de una mujer desnuda que ocupa el espacio es una oportunidad perdida para visibilizar otra cualidad. La función de las imágenes hoy ya no debería responder sólo a un interés individual, sino tener en cuenta el resto del imaginario y posicionarse favoreciendo la diversidad y la igualdad.

#libros #arte #mujeres | Grandes maestras : mujeres en el arte occidental, Renacimiento - Siglo XIX

Grandes maestras : mujeres en el arte occidental, Renacimiento - Siglo XIX / Ángeles Caso.
Puerto-Fuso, Asturias : Libros de la letra azul, 2017 [11-24].
302 p. : il.
ISBN 9788494574528 / 38 €
/ ES / ENS
/ Arte / Historia / Mujeres en el arte / Mujeres – Historia / Visibilidad

A lo largo de la historia muchas mujeres se dedicaron a la pintura y sólo algunas obtuvieron pleno reconocimiento. La escritora e historiadora del arte Ángeles Caso ha reunido en este riguroso ensayo ilustrado 272 obras de cien pintoras, escultoras y fotógrafas que trabajaron en Europa y Estado Unidos entre los siglos XVI y XIX. Cien maestras inmerecidamente olvidadas. Este asombroso recorrido por las temáticas y los géneros que cultivaron supone la continuación del volumen anterior, ‘Ellas mismas. Autorretrato de pintoras’, y profundiza en el universo visual de todas esas mujeres que vivieron y crearon contra corriente.

#hemeroteca #mujeres #historia | ¿Dónde están las mujeres?

Imagen; Herstóricas

¿Dónde están las mujeres?
La plataforma Herstóricas visibiliza la historia de las mujeres a través de visitas, paseos y talleres.
Marta Villena | El País, 2017-11-03
https://elpais.com/ccaa/2017/11/01/madrid/1509559514_221420.html

En el Museo del Prado y ante la atenta mirada de su grupo, la guía Marta Casquero narra la historia de Susana, la esposa de un influyente judío en el exilio en Babilonia que, mientras toma un baño, es asaltada por dos ancianos e importantes jueces que pretenden abusar de ella. Tras verse rechazados, los hombres acusan de adulterio a Susana, quien en un primer momento es condenada a morir apedreada. Susana y los Viejos es una de las escenas bíblicas más representadas en el arte pictórico. Uno de estos cuadros que exhibe el museo nacional es del pintor Paolo Veronese, El Veronés, en el que se muestra a una Susana despreocupada ante la actitud de los ancianos. “La interpretación de esta obra normaliza el acoso y culpa a la mujer de estos delitos”, explica Casquero.

Susana y Los Viejos es uno de los 10 cuadros que componen la visita Arte y Violencias Machistas de la plataforma Herstóricas, un proyecto que trata de visibilizar la historia de las mujeres a través de paseos, talleres y recorridos guiados en Madrid y Granada. Detrás de esta iniciativa feminista están Sara López, Mariela Maitane y la propia Casquero, que recuerdan el nacimiento del proyecto hace cinco años: “Herstóricas nació en Londres, donde nos conocimos. Viviendo allí nos dimos cuenta del gran vacío que había sobre la historia de las sufragistas británicas y decidimos montar una visita guiada”. Poco después, y de vuelta en España, continuaron con el proyecto. Casquero y López se ocupan de las actividades de la capital y Maitane de aquellas que se desarrollan en la ciudad andaluza.

Además de analizar la representación de las mujeres en el arte, Herstóricas reivindica más presencia de autoras en espacios públicos. “Dos de nuestras visitas se desarrollan en el Prado donde, desgraciadamente, solo hay cinco cuadros pintados por dos mujeres, Sofonisba Anguissola y Clara Peeters”, apunta Casquero. Y añade: “Es una pena que no haya más expuestas sabiendo que tienen en el depósito muchas más obras pintadas por mujeres”. 'Sexualidades en el Prado' y 'Repasando el Arte' son las otras dos visitas que la plataforma ofrece en Madrid.

“La mayoría de calles y plazas de la ciudad tienen nombres masculinos y nos preguntamos: ¿cómo es posible? ¿Es que nosotras no hemos hecho nada significativo?”, dice Casquero. “La historia se ha contado siempre a través de los hombres; nosotras intentamos dar un giro y contar la historia de ellas”, añade. El nombre de la iniciativa procede de un juego de palabras anglosajón: 'his-tory' (la historia de ellos) y 'hers-tory' (la historia de ellas). 'En Busca de las Madrileñas: Espacios Comunes' y 'Les-Bis en Madrid' son los recorridos que ofrecen por la capital. “Si las mujeres en general estuvieron invisibilizadas, las mujeres lesbianas ni existían” apunta López. Y prosigue: “Con este paseo intentamos visibilizar a aquellas mujeres célebres que en algún momento amaron a otra mujer y repasamos algunos de los hitos históricos del activismo lésbico de la capital”.

Otra de las grandes apuestas de Herstóricas es la educación, por eso ofrecen talleres para todos los públicos entre los que destacan 'La herstórica del mes'. En colaboración con el centro cultural Casino de la Reina, esta actividad gratuita profundiza en la historia de mujeres relevantes que pasaron por la capital. La inscripción a todas las actividades se realiza a través de la página web.

#hemeroteca #feminismo #arte | Lola Zehínos: "El feminismo es la igualdad absoluta y el respeto máximo"

Imagen: El Salto / Lola Zehínos

"El feminismo es la igualdad absoluta y el respeto máximo".
...o "que no exista género siquiera". Lola Zehínos cree que hay que eliminar el binarismo: el objetivo del feminismo es crear un mundo de seres humanos y ya está.
Julia Caulfield | El Salto, 2017-11-03
https://elsaltodiario.com/feminismos/el-feminismo-es-la-igualdad-absoluta-y-el-respeto-maximo

En una calle recóndita de la Alameda de Hércules, habita una mujer oculta entre obras de Arte. Sevilla guarda secretos y, en este caso, una extremeña adoptada a las orillas del Guadalquivir que se posiciona. Lola Zehínos es tajante con todo lo relativo al mercado del arte, al feminismo y a la anarquía. Sabe que el Sistema en el que vivimos oprime al creativo, al borracho y a las ganas de vivir. La entrevistamos en su Galería Roja, entre ilustraciones y humo de tabaco.

¿Quién es Lola Zehínos?
Si hay algo que me caracteriza, aunque me resulte muy raro decir algo bueno sobre mi, son los principios que tengo. Siempre me han dicho que sea fiel a como soy, algo que en el pueblo cuesta mucho.

Una vez me dijeron que era incorruptible y me sorprendí de que me lo dijesen como algo peyorativo, cuando creo que todo el mundo debería ser así. Creo que soy muy tolerante y amiga de cualquiera porque lo que me importa es como sean ellos como persona. Soy defensora de los demás, de los que considero más débiles.

¿Por qué decidiste introducirte en el mundo del arte?
Pensé que había que cambiarlo. A veces soy muy utópica pero ¿quién dice que no? Llegué a Sevilla para estudiar Historia del Arte y me di cuenta que no me enseñaban a pensar. No había un debate, no se cuestiona nada. No me gusta el sistema de enseñanza, te tratan según la catalogación que ellos ven conveniente, según etiquetas. Para mí la universidad fue una de las grandes decepciones de mi vida.

Este fue uno de los motivos por el que monté la galería. Estaba cansada de siempre ver las mismas obras, las mismas exposiciones, los mismos autores. Luego me iba enterando que si no eres amigo de tal o amigo de alguien del ayuntamiento, no había nada que hacer. Es una burbuja asquerosa. Entonces quise crear un espacio que pudiese ir toda esa gente a la que habían rechazo, gente de cualquier parte.

Por otro lado, empezamos a hacer cursos fuera de la dinámica tradicional de la ciudad y decidimos abrir el abanico y buscar a la gente más pepino que hubiese alrededor del mundo e invitarlos a nuestra galería a compartir sus conocimientos y a que nos enseñara su forma de hacer Arte.

No hago esto por dinero, lo hago para que la gente cambie su visión, que salga de ese bucle. Quería que hubiese un sitio, aunque fuera el más cutre para disfrutar y sentir lo que está viendo. El Arte no hay que entenderlo, hay que sentirlo. No hay que ser un erudito del arte para entrar en una galería o un museo.

¿Cuál es el significado del Arte para ti?
Adoro a Velázquez y a Goya, por supuesto, pero eran encargos de reyes y eso ya pasó. El Arte ahora mismo es vomitar, si no lo echas con sinceridad, no me vale. Un día en clase me sorprendí de las diferentes visiones de los hombres y las mujeres. Ellos siempre mostraban fotografías impolutas, atardeceres bellos o en medio de la lluvia el rayo que atraviesa el cielo. Las mujeres en cambio, sentían hasta vergüenza de mostrar sus trabajos, justificándose en que lo utilizaban como terapia de traumas infantiles o adolescentes.

Para mí eso es el significado del Arte, si lo sientes sí, sino, es pura artesanía. El Arte como herramienta que ha sido desde la Prehistoria, no como han hecho los eruditos que lo han convertido en algo elitista. He llegado a estudiar a Van Gogh desde perspectivas arquitectónicas y me juego el cuello a que él no se le pasó eso por la cabeza ni de broma. Marcell Duchamp es un ordinario que se preguntó ¿qué es el arte? Pues una rueda de bicicleta, como forma de reírse de nosotros y de romper las normas. Al final los que han ido cambiando han sido los que se rebelaban.

Se puede decir que una de tus frases célebres es “hay que vomitar las entrañas”, ¿cuáles son los motivos que te llevan a esto?
Sobre todo las injusticias. Estamos callados y reprimidos. Vivimos en un mundo de Mr. Wonderful donde hay que ser feliz, ¿Y si no lo eres? No entiendo porque no nos dejan sentirnos como unos mierdas y decirlo en voz alta.

Hay muchos casos de depresión que no se tratan como una enfermedad, es un tema vetado. Parece que no está permitido sentirse miserable y triste. Esto me hizo ver que había que vomitar. Hablar era insuficiente porque estamos indigestados. Me gusta cuando una chica es capaz de hablar sobre un abuso sexual o una violación y, aún sintiéndose culpable, es capaz de vomitar todo lo que lleva tanto tiempo callado. Este tipo de cosas están tan enquistadas que ni siquiera nos dejan ser tal como somos, nos afecta a nuestra personalidad y no nos deja ser libres.

¿Por qué nos callamos?
En el caso de las mujeres, por lo que nos han inculcado, la culpa. No somos capaces de decir las cosas como son, ocultando así el verdadero hecho por vergüenza. Desde el seno familiar incluso, entre nosotras, es algo que callamos por mantener el equilibrio y los lazos familiares. Hay millones de casos de violación y abusos sexuales a niñas que están saliendo ahora por ejemplo, a través de las redes sociales.

Hablemos de soluciones, de avanzar para evitar este tipo de situaciones, de si hay un futuro en el que estas escenas sean una distopía.
Mejorando ya estamos porque cada vez conocemos más los términos, pero no es suficiente. El Sistema nos ha hecho sentirnos mal por ir en contra del machismo, de los abusos, del arte incluso. Nos convierte en unos conformistas y unos egoístas, siendo unos privilegiados que tienen una buena vida con posibilidades para estudiar, por ejemplo. No sabemos vivir en comunidad.

¿Qué es el feminismo para ti?
Es un mundo irreal que no existe. Pero me encantaría imaginarme que una chica de dieciséis años pudiera ir tranquila por la calle, vistiendo como le de la gana. Eso sería un sueño. Sería la igualdad absoluta y el respeto máximo. Que no existiera género siquiera. Ver como una cría, refiriéndome a una cría mamífero, nace sea hembra o macho y que no se los críe como una cosa u otra. Es algo que hay que eliminar, el binarismo. El objetivo del feminismo es crear un mundo de seres humanos y ya está.

Los hombres han sido siempre los protagonistas ya sea para ser la víctima o el verdugo. Y como feministas hay que bajar a los hombres ya del taburete en el que están subidos. No son mejores que nosotras en nada y por ello hay que luchar por esa igualdad.

¿Existe un movimiento feminista como tal?
Sí, los hay más radicales, que los entiendo, los hay afroamericanos, de personas trans, porque la gente quiere sus derechos. Si no hubiera un movimiento feminista estaríamos como nuestros padres o nuestros abuelos.

No soy líder de nada pero actúo en consecuencia. Ya no todo da igual, ya no nos callamos y, contestamos a los hombres. Esto forma parte del movimiento feminista, el hecho de que tanto hombres como mujeres no se callen ante actitudes machistas.

Comercialización del movimiento feminista sí o no.
Totalmente, y estoy asqueada de eso. Beyoncé es el claro ejemplo. Me parece genial que reivindique términos como feminismo o feminista porque así las chicas que escuchan su música se familiarizan con ellos pero es muy contradictorio que lo haga en un tour llamado Mrs. Carter Tour, “La mujer de Carter”, vestida de lencería a modo diosa.

¿Se puede utilizar el Arte como herramienta política para criticar todo esto?
Sí. Aunque en Festivales como ARCO, grandes exponentes de los movimientos artísticos contemporáneos, de todos los artistas el 4% eran mujeres. Esto no se puede tolerar, no es real. En la Galería Roja, realizamos una exposición solo de mujeres artistas y mucha gente me dijo que era una de las mejores exposiciones que habíamos montado pero la cara B es que ningún medio de comunicación quiso realizar una cobertura o mínimo un anuncio de la misma. Una periodista a la que le mandé la información me dijo que una exposición así provocaba y que los hombres se sentirían excluidos... Ella fue sincera pero mi cara fue más que un poema.

El Mercado del Arte para la mujer...
Eso no existe, ¿quién te ha dicho eso? Ríe. Posibilidades hay pocas. Que esté muy de moda lo que haces, como lo que está pasando en ilustración, destinado para revistas de moda como Vogue y tal o [guarda silencio] Paula Bonet fuera de sus muñequitas no interesa y ella lo sabe y sabe que su éxito es finito.

¿A qué aspira Lola Zehínos en un futuro?
Aspiro a ser la mejor persona que pueda ser. No aspiro a fama, ni a riqueza ni reconocimiento... me veo súper feliz en un campo rodeada de cabras. Si es verdad que me gustaría escribir una novela y quizás llevar cosas de arte a Extremadura, aunque sea algo temporal como Scarpia Jornadas, creo que se lo debo.

#hemeroteca #mujeres #arte | Muere la pintora realista Isabel Quintanilla a los 79 años

Imagen: El País / La pintora Isabel Quintanilla y su marido el escultor Francisco López en 2016

Muere la pintora realista Isabel Quintanilla a los 79 años.
La artista formó parte del grupo de creadores que trabajó en Madrid desde los años 50, encabezado por Antonio López,
Ángeles García | El País, 2017-10-25
https://elpais.com/cultura/2017/10/25/actualidad/1508946897_024360.html

Aunque ella prefería ser calificada como figurativa y no realista, lo cierto es que Isabel Quintanilla (Madrid, 1938) era una de las figuras esenciales del grupo conocido como 'Realistas madrileños', todos nacidos en torno a los años de la Guerra Civil y autores de una obra centrada en la naturaleza más cotidiana. Esposa del escultor Francisco López Hernández, fallecido el 8 de enero de este año, Isabel Quintanilla murió el pasado martes en su domicilio de Brunete (Madrid), a los 79 años de edad, ha informado hoy, miércoles, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, sede de la gran exposición 'Realistas de Madrid', entre febrero y mayo de 2016.

La muestra del Thyssen supuso un solemne y emotivo final a toda una vida dedicada a una opción artística que no siempre había sido bien recibida entre la crítica y el propio mundo del arte. Con Antonio López a la cabeza, el más famoso de todos ellos, el grupo estaba formado por los hermanos y escultores Julio López Hernández (Madrid, 1930) y Francisco López (Madrid, 1932), Isabel Quintanilla (Madrid, 1938), esposa de Francisco; María Moreno (Madrid, 1933), esposa de Antonio López; Esperanza Parada (San Lorenzo del Escorial, 1928-Madrid, 2011) y Amalia Avia (Santa Cruz de la Zarza, Toledo, 1930-Madrid, 2011). Con el abandono por enfermedad de María Moreno, era Isabel Quintanilla la última representante femenina del grupo que seguía en activo.

Quintanilla ingresó en 1953 en la Escuela Superior de Bellas Artes, finalizando sus estudios seis años después. En ese periodo conoció a Antonio López y a Francisco López Hernández, y surgió entre ellos una gran amistad.

Mujer de fuerte carácter y gran personalidad, en las vísperas de la exposición del Thyssen explicaba que la opción de pintar Madrid surgió por la sencilla razón de que casi todos habían nacido o vivían en la capital. De hecho, en la década de los 50 y 60 vivieron en la zona de casitas bajas que existe junto a la Plaza de Castilla, la misma zona en la que todavía vive Antonio López con su esposa.

Como dice Guillermo Solana, director artístico del Thyssen y comisario de la exposición dedicada al realismo, la muestra fue para muchos un gran descubrimiento de las pinturas de Quintanilla. “En su obra de los años sesenta y setenta hay algo radical, un rigor sin concesiones. Un vaso de Duralex en un alféizar o un trozo de muro dibujados o pintados por ella tienen una serenidad y una verdad que no se puede olvidar. Como persona, era una mujer llena de energía, de luz”.

Cuando entonces se le preguntó a Quintanilla sobre el precio que había tenido que pagar por defender la figuración a contracorriente con las tendencias internacionales, respondió que puede que no hubieran sido entendidos dentro de España, pero que su obra sí había sido perfectamente comprendida fuera. Autora lenta y preciosista (no más de tres o cuatro cuadros al año) contó que casi toda su producción había sido vendida en Alemania, país en el que contaba con coleccionistas muy fieles. Por eso no sorprende que su obra forme parte de las colecciones permanentes de numerosos museos y colecciones extranjeros: The Baltimore Museum of Art, la National Galerie de Berlín, el Städtische Kunstsammlungen de Darmstadt, la Hamburger Kunsthalle de Hamburgo, el Museum Athenaeum de Helsinki, la Bayerische Saatsgemäldesammlung de Múnich, el Neues Museum de Nuremberg, la Staatsgalerie de Stuttgart, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden o el Smithsonian Institution, de Washington. En España forma parte de la colección del Banco de España y del Conde Duque, en Madrid.

#hemeroteca #fridakahlo | El último cuadro de Frida Kahlo fue una denuncia contra la represión de Franco

Imagen: El Español / Frida Kahlo

El último cuadro de Frida Kahlo fue una denuncia contra la represión de Franco.
La obra 'Viva la vida' responde al fascismo que imperaba en España desde la Guerra Civil, en concreto al grito de "¡Viva la muerte!", de Millán-Astray.
M.B. / Agencias | El Español, 2917-09-27
https://www.elespanol.com/cultura/arte/20170927/249975849_0.html

‘Viva la vida’ (1954), el último cuadro pintado por Frida Kahlo, podría ser una "respuesta" al fascismo que "imperaba" en España desde la Guerra Civil y, en concreto, al grito de "¡Viva la muerte!" del fundador de la Legión, José Millán-Astray (1879-1954), según el investigador Gregorio Luke. Luke, exdirector del Museo de Arte Latinoamericana de California, ofrecerá esta tarde en la sede madrileña del Instituto de México una conferencia sobre esa y otras hipótesis acerca de la vida y obra de la pintora mexicana (1907-1954).

El investigador, que ha dedicado más de dos décadas a revisar y reconstruir documentalmente la obra de la artista, ha explicado que entre sus "descubrimientos" destaca, por ejemplo, la hipótesis de que la mexicana quiso contestar al fascismo con su última pintura.

'Viva la vida', de Frida Kahlo

Transformar el dolor
El resultado, según el investigador, es que sus cuadros son una forma de "construir su cuerpo destruido" por la poliomielitis que contrajo cuando era niña y que le forzó a someterse a decenas de cirugías a lo largo de su vida. "Ella podría haber sido una inválida, pero decidió transformar su dolor en un arte extraordinario", sostiene el mexicano. Otro tema que Luke sacará a la luz es cómo la pintora manejó la creación y el mantenimiento de sí misma como un personaje, un "símbolo revolucionario" que explora la multiculturalidad y que redefinía lo "femenino" y lo "bello" de la manera "como mejor le convenía".

Frida Kahlo, ha opinado, es la "más mexicana de todos los artistas", porque sus pinturas transmiten la "pluralidad de México", país que la pintora aprendió a "amar mucho antes de Diego Rivera". "Al lado de Diego, Frida retomó la estética popular mexicana, y su vida aporta una riqueza inagotable, ya sea como pintora, escritora, o más bien como mujer", concluyó.

#hemeroteca #mujeres #historia | La locura española de Leonora Carrington

Imagen: El País / Leonora Carrington en 2007

La locura española de Leonora Carrington.
La artista y escritora surrealista cruzó los Pirineos para ayudar a su amante judío Max Ernst y acabó en 1940, atada de pies y manos, en un psiquiátrico en Santander.
Javier Martín-Domínguez | El País, 2017-08-11
https://elpais.com/cultura/2017/08/10/actualidad/1502356957_260944.html

El intento de conseguir un salvoconducto para Max Ernst, confinado en un campo de concentración en Francia, llevó a su amante Leonora Carrington a entrar en España recién acabada la guerra civil. En lugar de conseguir liberarlo, fue ella la que acabó encerrada en un sanatorio psiquiátrico de Santander, dirigido por el doctor Luis Morales. De aquella peripecia, más surrealista que la filosofía de sus propios protagonistas, quedó un relato tan real como alucinante escrito por la propia Carrington, que pretendía ser una mera catarsis y acabó publicado como ‘Memorias de abajo’. Un texto fundamental en la historia del surrealismo.

Ahora que celebramos el centenario de la artista británica finalmente afincada en México se reconstruye su desvío español, tanto mental como geográfico, en un curso de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo en el mismo Santander y en breve en el Hay festival de Segovia.

Leonora y Max Ernst se habían conocido en el restaurante Barcelona de la londinense Beak Street, con Man Ray, Lee Miller y los Eluard. Fueron amantes en Paris, donde André Breton la adoptó como “una de los suyos”, y se fueron a una casita de campo donde ambos produjeron una importante obra, incluido el autorretrato de ella ‘La posada del caballo del alba’. El avance nazi sobre Francia destruyó el idilio amoroso y artístico que Carrington y el pintor alemán desarrollaron en la localidad francesa de Saint Martin d'Ardeche. Tras ser arrestado él por segunda vez, una atribulada Carrington viaja en coche a España, vía Andorra, para buscar en Madrid una salida para Ernst.

En las entrevistas que mantuvimos hace una década en su casa de México, Carrington reconocía haber estado afectada por lo que llamaba un “síndrome de guerra”, perturbada, físicamente disminuida, mentalmente debilitada. Pero fueron sus salidas de tono político en el Madrid del año cuarenta lo que llevo a las autoridades españolas, con el cónsul británico y con la aquiescencia de su potentado padre a encerrarla primero en un convento y después a trasladarla en coche al norte. Le administran tres veces luminal y una inyección en la espina dorsal: anestesia sistémica. Han vencido su resistencia. La entregan, como un cadáver, al psiquiátrico del doctor Morales, una casa jardín en Valdecilla. Su destino no buscado. Es atada de pies y manos. Medicada con cardiazol, equivalente al electrochoque. Una caída al abismo. Una locura forzada.

Medio año duró su encierro español, un episodio del que se negaba a hablar, “porque aún me produce mucho dolor”, según me confesó cuando ya había cumplido los 90. Fue el doctor Pierre Maville quien le aconsejó escribir sobre su cruda experiencia. “No sé cuánto tiempo permanecí atada y desnuda. Yací varios días y noches sobre mis propios excrementos, orina y sudor, torturada por los mosquitos, cuyas picaduras me pusieron un cuerpo horrible: creí que eran los espíritus de todos los españoles aplastados, que me echaban en cara mi internamiento, mi falta de inteligencia y mi sumisión. La magnitud de mi remordimiento hacía soportables sus ataques. No me molestaba demasiado la suciedad”. Terminó manejando la sórdida situación con una inteligencia prodigiosa, convirtiendo el escenario de su encierro en una especie de mapa prodigioso, con sus símbolos y constelaciones que le permitían buscar la salida a su caída en el hondo pozo de la locura.

El de Carrington puede inscribirse entre los casos de mujeres sometidas por haber ejercido su libertad sin límite. Gracias a la escritura —una maldición que salva, en palabras de Clarice Lispector— Carrington exorcizó sus males. En la clínica leyó a Unamuno, hizo horóscopos diarios para el doctor Morales, que acabo prendado de su inteligencia. Con una señorita de compañía abandonó Santander en tren rumbo a Lisboa, con parada en Ávila. “Era Nochevieja. Hacia un frío intenso. Paramos en Ávila, donde nació Santa Teresa. Había un tren largo con muchos vagones cargados de ovejas que balaban de frío. Era espantoso. Los españoles pueden ser atroces con los animales. Recordaré aquella ovejas sufriendo hasta el día que me muera. Era como el infierno.”

Más lúcida de lo que aparentaba, Carrington dio esquinazo a su protectora y en Lisboa se fue en busca del periodista y poeta mexicano Renato Leduc, que hacía funciones de secretario de embajada. Se casaron y dejó de estar a merced de la voluntad de su padre, o de Max Ernst, que también acabó saliendo de Marsella hacia el exilio vía Lisboa, de la mano de la millonaria Peggy Guggenheim. Tras un tiempo con el grupo surrealista reunido en Nueva York, la pareja marcha a México. Pese a su divorcio Carrington se quedará allí —en el país del surrealismo natural según su protector, André Breton— hasta el fin de sus días. Incluida hoy en el grupo de mujeres artistas surrealistas de Latinoamérica, su pintura está entre las más cotizadas, y sus relatos mantienen la frescura y las sorpresas de textos adobados por un profundo surrealismo.

En su casa de la colonia Roma, acabó rodeada de españoles, incluido el médico que asistió sus partos, José Horna, y su mujer la fotógrafa Katy, más su inseparable compañera en el arte y la vida, la ilustradora y pintora Remedios Varo. También trató a Luis Buñuel que la cita en sus memorias. “Un día, cuando llegamos a casa de un tal Mr. Reiss donde nos reuníamos regularmente, Leonora se levantó de súbito, entró en el baño y se dio una ducha completamente vestida. Después, chorreando, regreso a la sala, se sentó en una butaca y me miro fijamente. 'Eres un hombre apuesto', me dijo en español tomándome del brazo. 'Te pareces enormemente a mi guardián', del psiquiátrico de Santander". El desvío español en su viaje vital marcó para siempre el destino de la última surrealista.

La hechicera hechizada cumple 100
Cuando se definió en 1945 como “un viejo topo que nada bajo los cementerios”, la pintora y escritora Leonora Carrington aún no había cumplido los treinta. Su vida ya daba entonces para varias novelas. De hecho, además de sus cuentos y ficciones, ya había publicado sus ‘Memorias de abajo’ un par de años antes. La artista viviría hasta los 94. Pero a Carrington, la rebelde hija de un magnate textil de Lancashire, que fue expulsada de varios internados antes de empezar a estudiar pintura en Florencia y en Londres, siempre le gustó la penumbra. Puede que así pueda explicarse que haya permanecido en buena medida oculta, en la sombra, dentro del mundo anglosajón. Un primer destello reciente llegó en 2015 con la exposición de su obra en la Tate Liverpool, pero ha sido al cumplirse el centenario de su nacimiento, este año, cuando su magnética figura ha recibido un nuevo impulso. Si Elena Poniatowska rindió homenaje a la historia de su buena amiga en ‘Leonora’ en 2011, ahora ha sido una sobrina lejana, Joanna Moorehead quien ha indagado en la atribulada vida y rico imaginario de la artista en la biografía ‘The surreal Life of Leonora Carrington’. Moorehead, que descubrió de forma azarosa en 2006 el parentesco y corrió a conocer a Carrington a México, hace hincapié tanto en el idilio de la artista con Max Ernst como en su paso por Nueva York, antes de instalarse definitivamente en México, primero con Renato Leduc y más adelante con el húngaro Chiki Weisz, padre de sus dos hijos.

En los años ochenta dejó la escritura, pero un nuevo volumen reúne la más amplia selección de sus cuentos hasta hoy, prologados por la novelista Sheila Heti. Otra novedad editorial en el mercado anglosajón es una nueva antología de textos académicos. ‘Leonora Carrington and the International Avant-garde’ analiza a la polifacética “hechicera hechizada” —como fue definida por Octavio Paz—, y trata de desentrañar los significados de su rico y fantástico mundo desde nuevos prismas. En el libro, también se incluyen los recuerdos de la A a la Z que de la pintora tiene la novelista Chloë Aridji. La surrealista incluida por André Breton en ‘Antología del humor negro’ (1940), ya escribió que “si la vieja dama no puede ir a la Laponia, entonces la Laponia debe venir a la vieja dama”. Cámbiese el lugar geográfico por Reino Unido y todo tiene sentido.